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blog m kiwaïda

14/08/2018

Ḡ∀ḠÅTiϟℳ€

GAGA / les petites sculptures de l'été © Sonia Marques

Gagatisme > État de celui qui est gaga.
Popelin me donnait des renseignements sur l'état de douce imbécillité, de gai gagatisme, dans lequel serait tombé Burty, ne trouvant plus ses mots, appelant Louis XV, « quinze, quinze », et s'amusant de son aphasie, de son déménagement de cervelle (Goncourt, Journal,1887, p. 724).
Ga-ga > Onomatopée faite à l'imitation du bredouillement des personnes retombées en enfance; le rapprochement avec gâteux n'est que secondaire.

Au pied d'un château j'ai rencontré une sculpteure. Elle m'a ouvert son atelier. Quelques années à apprendre à modeler la terre, dans tous ses états, avec différents médiums, qu'elle allait chercher dans différentes villes. Autodidacte depuis 5 ans, des iguanes, des bisons, un paresseux, tout était merveilleux. Secrètes sont ses réalisations singulières, je me suis dit qu'aucune école d'art ne formait en 5 années les étudiants aussi bien. Cette femme a fait un parcours seule, loin des écoles et des ateliers de sculptures, par ailleurs trop fermés. Mais avec une expérience de vie. Je venais de réaliser de modestes sculptures, très différentes, en argile blanche, elles ressemblent à un biscuit de porcelaine, une expression du gagatisme, de la gaga au gogo, des expressions de ce que je ressens, en regardant mes lapins. C'est que l'on a quitté depuis trop longtemps, la figure, dans ces écoles financées par l'État. Depuis longtemps, on a répudié toute étude de la figuration, de l'expression, humaine, animale, végétale. Et le petit, tout ce qui était petit. On a mis de côté, on a marginalisé. Certes, ce ne fut pas aussi radical, ainsi, on a oublié peu à peu, l'expression de la figure, les attachements, les choses délicates et tout ce qui serait bon. Le cynisme a emporté tout regard encore allumé par l'attachement aux jolies choses, reléguant aux niaiseries toute sensibilité intacte, toutes les premières fois possibles et imaginables. Pour pouvoir étudier, j'ai gardé secret ce regard, et toutes mes réalisations, comme beaucoup, ne sommes nous pas en attente d'un bonheur du faire, sans autorité pour nous sermonner ce que serait l'art contemporain ? Cette liberté là, d'enseigner, sans juger, je suis parvenue à l'engager et à la réaliser, malgré nombre d'obstacle. Je pense avoir résisté longtemps, pour aider les autres. À présent, je pense que la figure peut s'affirmer, sans mépris.

"Quand il était devenu complètement gaga de son état, il s'en était parfaitement rendu compte et en avait profité pour dire aux gens toutes les choses désagréables qu'il n'avait pu leur dire pendant toute sa vie"

Goncourt, Journal,1895, p. 811.
Cette rencontre et l'échange avec la sculpteure a mieux développé mes questionnements sur les formations artistiques aujourd'hui, sur la valorisation de tel ou tel artiste institutionnel, leur soutien excessif et répétitif, et la marginalisation d'artistes par millier, dans toutes les terres de ce pays, leurs secrets de fabrication, heureusement bien gardés, et la liberté de créer, d'apprendre. Ainsi étaient conservés les châteaux et patrimoines, pour que les visites soient payantes et que les touristes comprennent en toutes les langues une légende, un fauteuil poussiéreux, afin de les restaurer et faire la publicité d'un village à l'abandon, où l'art et la culture ont déserté les terres, jusqu'à ignorer les artistes qui modèlent encore des formes. Quelque chose me fait penser que l'on peut se passer de formations dans des écoles, aujourd'hui, quand la vie vous apprend, quand l'envie vous prend, quand il n'y a pas d'autres moyens pour survivre, pour guérir, pour aimer vivre et créer. Quand on peut voir ce qui se trame dans les rigoles et les petits chemins de traverse. J'écris cela, pourtant j'ai recherché à étudier dans des écoles, à y enseigner ensuite, jusqu'à comprendre que des dégâts pouvaient être plus grand sur d'autres, lorsque l'on empêche des personnes d'étudier, d'apprendre, ou qu'on leur supprime le sel de la vie, par jalousie. Il y a donc, dans des lieux sauvegardés, des trésors, qui ne savent rien des écoles et ont progressé en faisant des recherches. Rechercher par soi-même une couleur, un pigment, un médium, sans jamais cloisonner, un peu de sable, un peu de photographie, un peu de flou et de sagacité, des arts artisanaux de logiciels, d'apprentissages, finalement, n'est-ce pas ainsi que je défile les choses ? La culture, c'est dans ces familles où l'on comprend une sœur artiste, un frère artiste, une mère qui se découvre sculpteur à 50 ans, et quand tous vont se trouver solidaires autours de l'art, pour que tout progresse, pour que toute rencontre infra-familiale devienne le lieu d'une expression plastique, inaugurale d'un champs nouveau, singulier... La main à la pâte.
Et aujourd'hui, il est bien plus accessible d'apprendre, il y a des tuteurs, des livres, Internet, des vidéos pédagogiques. Quand aimer est bien plus fort, quand l'émotion peut se canaliser à travers un objet et se frayer un chemin, parfois, de frayeur, comme se faire peur, comme découvrir par mégarde que ce que l'on imagine est très différent de ce que l'on créé. Mais, comme me disait cette sculpteure, si exposer n'est pas une priorité, le retour est important, et cette rencontre, fut, pour elle, tout aussi importante que pour moi.
De la bonté.



Par kiwaïda at 19:00

28/07/2018

Ї﹩¢нηʊя@ ℮ł℮❡αᾔṧ

Blue Samouraï (© Sonia Marques)

Toute mouillée, sortant de l'eau chlorée de la piscine bleue, elle se dirige vers les cabines blanches. Elle pousse la porte, il y a un petit insecte sur la tablette pour poser ses affaires, il sautille. Non ! Pas cette cabine, elle repousse la porte et choisi la porte d'à côté. Non ! Elle veut revoir quel est cet insecte, elle repousse la première porte et s'abaisse pour observer cet étrange moustique plus grand que les autres, qui saute de plus en plus haut. Elle le regarde de très près : c'est une libellule, peut-être un bébé libellule, avec une longue queue bleue et de gros yeux bleus globuleux qui scintillent, de fines ailes transparentes. C'est merveilleux. La libellule souhaite s'envoler mais se cogne aux parois de la cabine, si blanches. Elle trouve un petit trou au bout de la tablette mais ne peut s'y faufiler, alors elle saute, elle vole haut mais se cogne contre les parois de nouveau. Quels efforts pour ce petit Samouraï ! Elle décide de l'aider, minutieusement, ses gestes d'humains se transforment en ceux d'un fil de pêche, mais sans le harpon. Elle suit la libellule et l'invite à sauter sur sa main. La libellule se cogne de nouveau contre les parois blanches puis se dépose délicatement sur son doigt. Là, elle ne bouge plus, elle se sent bien. Et bien, les voici toutes deux bien avancées ! L'une devrait se changer, l'autre devrait voler de ses propres ailes ! Elle décide de sortir vite afin de libérer la libellule dehors. Elle sort de sa cabine et voit une énorme cabine ouverte destinée aux handicapés. Elle traverse cette immense cabine, toujours avec sa libellule sur le doigt, et vêtue de son maillot de bain mouillé chloré. Elle ouvre une porte, avec un signe interdit rouge dessus, elle atterrit dans une salle pour les personnes habillées qui mettent leurs chaussures aux pieds et tombe nez à nez avec une dame outrée de la voir en maillot mouillé avec un doigt tendu devant. Personne ne doit sortir de là, normalement. Elle referme vite cette porte et repasse par la grande cabine abandonnée, puis revient dans sa petite cabine blanche. Elle dépose la libellule sur la tablette et lui dit : "Tu vas bien m'écouter, il faut que tu me fasses confiance, j'ai trouvé un passage secret et je vais te libérer, pour cela, tu dois m'attendre, le temps que je me change, car je dois m'habiller de vêtements secs, afin que je puisse t'emmener plus facilement à travers le passage interdit, ainsi, nous sortirons directement dehors et tu verras, la nature sera là."

La libellule patiente sur cette page blanche, cette cabine blanche. Elle se change à toute vitesse comme par magie, et passe du mouillé au sec, en un clin d’œil. Elle met son sac sur le dos, ses nageoires, elle invite de nouveau la libellule bleue à venir sur son doigt, et les voilà parées toutes deux : À l'aventure ! Elles passent la cabine des handicapés, elles ouvrent la porte interdite, et traversent glorieusement l'espace des personnes affairées à remettre leurs chaussures. Occupées à regarder par terre, chacune à récupérer leurs chaussures et sandalettes diverses, les personnes, toutes individualistes, ignorent la magie qui s'opèrent sous leurs yeux. Une libellule chevronnée qui aime la piscine, va regagner sa liberté, sa nature. Bien évidement, toutes deux, elles zappent l'étape des chaussures, elles montent l'escalier, elle avec son bébé libellule sur le doigt tendu, son gouvernail : c'est par là ! Personne ne voit le petit Samouraï bleu, chacun, chacune voit une femme discrète avec un doigt tendu devant, comme si elle montrait une direction. Elle passe le tourniquet électronique, la libellule ne s'affiche même pas à l'écran, le passager est invisible pour les scanneurs. De gros hommes musclés sont devant, elles se faufilent, transparentes et fines. Elles passent toutes les portes et arrivent dehors. Elle dit à la libellule : "Tu vois, ici c'est la nature, attends un peu, je vais te déposer sur un arbuste japonais, près des marais". Fièrement, elles arrivent toutes deux, en redescendant un grand escalier en bois, devant un arbuste japonais, un saule crevette, de couleur crème avec des tâches vertes et des pointes roses. Elle dépose délicatement l'élégante libellule, qui la regarde avec ses yeux bleus immenses, comme si elle venait de réaliser quelques longueurs avec son masque et son tuba dans la piscine et lève sa longue queue et la dépose en signe de reconnaissance et de fratrie sur son doigt. Sa queue forme un arc de cercle. Puis elle vole vers une pétale de l'arbuste japonais, nommé Hakuro Nishiki. "Bonne chance dans ta vie petite libellule bleue !" Son amoureux assiste à la scène finale de la libération, avec un sourire.

Cette libellule est une demoiselle, plus exactement une Agrion jouvencelle (Coenagrion puella) Une espèce d'odonates zygoptères (demoiselles) de la famille des Coenagrionidae et du genre Coenagrion. Elle est commune dans la plupart des pays d’Europe. L'espèce a été décrite en 1758 par le naturaliste suédois Carl von Linné sous le nom initial de Libellula puella. L'Agrion jouvencelle, est aussi appelée : l'Agrion fillette, l'Amélie, la Libellule Amélie, la sophie (en anglais : Azure Damselfly )

LIBELLULE, subst. fém.

De libella « niveau », allusion au vol plané de l'insecte.

Dans le Dictionnaire des symboles, on découvre que"la libellule, admirée pour son élégance et sa légèreté, est en outre un symbole du Japon, qu'on désigne parfois sous le nom d'Île de la libellule (Akitsu-chima). Cette dénomination, qui s'explique par la forme générale de l'île de Hondo, proviendrait de l'exclamation légendaire de Jimmu-tennô, fondateur de la dynastie, alors qu'il contemplait le pays d'une hauteur : on dirait une libellule !..."

Avec la fleur de cerisier (さくら : sakura), la libellule était bien souvent affiliée aux samuraïs. En effet la libellule symbolise pour les japonais la force et le courage, voire la victoire. Il semblerait même qu’elle était pendant longtemps dénommée « kachimushi » : l’insecte de la victoire. L’une des principales raisons du rattachement aux samuraïs tient à ce que la libellule a la particularité de toujours aller de l’avant et de ne jamais faire demi-tour. Elle peut certes faire « marche arrière » mais elle reste toujours de face, tel le samurai faisant continuellement face à ces adversaires sans jamais leur tourner le dos et ce quelque soit la situation.

❤ Dragonfly

Pour les Celtes, la libellule était un symbole de transformation pour arriver au but ultime : la libération de tout son potentiel. La libellule le montrait bien par ses étapes successives de métamorphose, de l'état larvaire sous l'eau jusqu'à la magnifique libellule volante, vive et rapide dans les airs. La libellule enseignait qu'en chaque être vivant se trouvent des ressources cachées capables de se libérer et de s'épanouir. Dans la pratique chamanique celtique, tout pratiquant allait régulièrement contacter l'esprit de la libellule pour travailler dans son quotidien cette libération des ressources cachées. Celles-ci pouvaient se révéler dans n'importe quel domaine, permettant à la personne de déployer ses capacités profondes et devenir maître-artisan, expert dans l'utilisation des plantes, spécialiste de la communication avec les esprits de la nature, astrologue, chaman ou druide spécialisé dans un domaine précis, etc. Il pouvait également s'agir d'une ou plusieurs facultés qui s'exprimaient enfin dans toute leur ampleur : sagesse, empathie, intelligence, patience, calme, amour, compassion, sérénité... Le phénomène de cette libération des ressources cachées pouvait être progressif ou se produire quasiment du jour au lendemain ; dans ce cas il était beaucoup plus spectaculaire. L'esprit de la libellule était le guide par excellence que nos ancêtres consultaient pour découvrir les ressources de leur être profond. Et lorsqu'une telle métamorphose avait lieu, la personne concernée gagnait en ardeur, en passion dans chacun de ses actes, ce qui ne manquait jamais de rejaillir positivement sur son environnement.

Alors il existe un dragon qui vole, et qui parfois nage comme un poisson... dans des piscines conçues pour les êtres humains. Libellule, elle se métamorphose même dans les cabines...

Par kiwaïda at 13:25

17/07/2018

ⅤÅḺℒ☮††☮И

Félix Vallotton, Soleil Couchant dans la Brume , 1911

Félix Vallotton, Soirée sur la Loire, 1923

Félix Vallotton, Coucher de soleil à Grasse, ciel orangé et violet, 1918

Félix Vallotton, La baie de Trégastel, 1917

Felix Vallotton, Paysage de la Creuse, 1925

J'aime beaucoup la peinture de Félix Vallotton et ses xylogravures. Je n'ai pas le souvenir, lors de mes études artistiques, d'avoir entendu son nom. Un article de Jaqueline Le Razan (Félix Vallotton : Un artiste étrange(r)?), lors de son exposition au Grand Palais en 2013-2014 (pas vue !) pose la question de sa mise à l'écart en France :

"Sa polyvalence artistique en irrite plus d’un. Originaire de suisse, Félix Vallotton  (1865-1925) a laissé à la postérité une œuvre abondante composée de 1600 peintures, 237 gravures et d’innombrables dessins. Et à ses heures perdues, l’artiste fait place à l’auteur. Vallotton échange alors le pinceau pour la plume et devient tour à tour critique d’art, essayiste et romancier.
(...)
Doté d’une sensibilité pour la ligne et d’un goût prononcé pour le décoratif, le peintre met en scène de mystérieuses représentations dans des ambiances feutrées. Afin de commenter la comédie humaine qui se déroule sous ses yeux, Vallotton démultiplie les styles et les supports. L’artiste bascule d‘une esthétique à une autre et ne cesse de surprendre le spectateur. Il retient d’Ingres la leçon du nu, d’Holbein le souci du réalisme et des Nabis la couleur.
(...)
Il semblerait donc que le mouvement de retrait si caractéristique de l’œuvre de Vallotton, cette distance que l’artiste établit entre son œuvre et le spectateur qui la contemple, soit projeté par le public français sur l’artiste lui-même. Félix Vallotton est perçu comme un étranger. Ce sentiment se cristallise d’ailleurs dans les nombreuses études consacrées à sa personne : il est le « Nabi étranger », il est « singulier », il est le « peintre de l’ambigu ».
(...)
Vallotton, était conscient de cet écart. Dans une lettre datant de 1898, envoyé depuis Paris, il écrit à son frère Paul, son confident et son premier marchand : « ma situation irrégulière ici devient intenable […] il est nécessaire que je la précise ; je vais donc demander ma naturalisation [….] je crois faisant cela, bien faire, car tel que je suis, je me sens trop à la merci de tout, et sans secours possible. Cela me paralyse aussi pour mes dessins et le titre d’étranger commence à devenir une gêne »
(...)
A l’aube de la première guerre mondiale, qui est accompagnée d’un endurcissement des valeurs nationalistes, Vallotton fait preuve de goûts suspicieux. L’étranger en vérité, dispose selon les critiques de l’époque d’un « goût trop allemand ». Admirant des peintres comme Holbein, Lucas Cranach et Albrecht Dürer, sa vision est trop sobre et n’est pas suffisamment « latine »[4]. Cette admiration est au demeurant partagé de l’autre côté du Rhin (les plus importants mécènes de son vivant sont allemands : Julius Meier-Graefe, Harry Graf Kessler, Otto Julius Bierbaum etc) et son influence sur les artistes allemands est irrévocable (Ludwig Kirchner, Bruno Paul etc). Aujourd’hui, cet héritage se perpétue à travers de nombreuses expositions destinées à l’artiste."



Félix Vallotton, La falaise de la grève blanche, 1913
Influencé par le peintre allemand Hans Holbein, Félix Vallotton (1865-1925) regarde les corps en clinicien, tenu par l'obligation de vérité héritée de son éducation protestante. Graveur et illustrateur subversif, dessinateur prolifique, peintre de portraits, de nus, de scènes mythologiques et de paysages, le peintre suisse est multiple. Fait rare, c’est aussi un homme de plume à qui l'on doit critiques d'art, essais, pièces de théâtre et romans. L'homme comme l'œuvre sont complexes.


Félix Vallotton, Hautes Alpes, glaciers et pics neigeux, 1919

"J'aurai toute ma vie été celui qui de derrière la vitre voit vivre et ne vit pas"

Voir documentaire : Félix Vallotton, la vie à distance (Bande-annonce)  : Une exploration de l'œuvre multiple de Félix Vallotton, peintre et écrivain suisse, qui, toute sa vie, se tint à l'écart du monde.


Felix Vallotton, Mont Blanc

Felix Vallotton, Mont-Rose, 1892

Felix Vallotton, Glacier du Rhône, 1892

Félix Vallotton, La Paresse, 1896

Félix Vallotton, Le beau soir, 1892


Par kiwaïda at 13:48

12/07/2018

ℯηḟ@ᾔ¢ℯ

Photographies © Sonia Marques

L'exposition, en ce moment au Palais de Tokyo :

Comment le sens de l’émerveillement, la capacité à inventer des mondes mais également les peurs et les angoisses enfantines se construisent et se déterminent- ils en fonction des contextes ? L’exposition "Encore un jour banane pour le poisson-rêve", d’après le titre modifié d’une nouvelle de J.D. Salinger, tente d’y répondre en nous faisant voyager de territoires quotidiens et intimes à des mondes fantasmés, qui sont autant de fragments d’une identité en construction permanente. Conçue avec la commissaire d’exposition japonaise Kodama Kanazawa et co-organisée avec la Fondation du Japon, l’exposition, qui fait partie de la manifestation Japonismes 2018, sera l’occasion pour le visiteur d’apprécier les œuvres d’une vingtaine d’artistes internationaux, dont six artistes japonais, et de découvrir une collaboration inédite avec le dessinateur de manga Yûichi Yokoyama.


Particulièrement apprécié les œuvres de l'artiste britanique Caroline Achaintre. Une de ses expositions (terminée en avril 2018), à la First Floor Gallery de La Warr Pavilion, (à Bexhill-on-Sean, en Angleterre, salle d'expo. en front de mer) nommée "Fantômas", dont une  vidéo retrace, avec elle, ses productions, raconte, qu'elle fait référence au masque porté par le criminel français Fantômas, inventé par les écrivains Marcel Allain et Pierre Souvestre en 1911. Dans les années 1960, une adaptation télévisée du roman a été faite, dans laquelle le visage de Fantômas était caché par un masque bleu à l'apparence rigide. Pour Achaintre, le masque est un lieu où la fantaisie et la réalité peuvent exister en même temps. Pour Fantômas, Achaintre a réalisé une série de nouvelles céramiques, accompagnées de nouvelles tentures murales. Elle a créé des céramiques avec une résidence conjointe  entre le pavillon De La Warr et le West Dean College, un collège d'arts et de conservation fondé par le poète britannique Edward James, un grand collectionneur d'art connu pour son soutien au mouvement surréaliste. Ses sculptures en céramique et ses décorations murales touffues à la main intègrent diverses références telles que la mode, le carnaval et l'iconographie death-metal, ainsi que le primitivisme et l'expressionnisme - mouvements artistiques occidentaux du début du XXe siècle et l'imagerie préhistorique.

Superbe vidéo "Lake Valley" de Rachel Rose et belle installation sur la moquette. Elle était exposée à la Biennale de Venise de 2017, à 30 ans, l'une des plus jeunes artistes de la Biennale. Coïncidence avec mon exploration du domaine de la cuniculture, l'animal de compagnie représenté ressemble à un lapin, mais peut aussi être un chien. Il vit dans une banlieue et est délaissé par son propriétaire qui emmène sa fille à l'école. Les points de vue de l’assujetti, ce pouvoir du tout petit, en bas, sur la terre, regardant les grandes choses, est techniquement bien réalisé et la création malaxée d'une pâte éblouissante de textures différentes, et de déplacements d'images et de points de vue, provoquent une immersion fantastique dans des rêves ou cauchemars. La sensation illustrée de l'eau, de ce que cet environnement peut engloutir, comme faire miroiter à sa surface est magique. Un œuf se casse et le jaune coule, mais comme coulent tant d'autres matières et découpages. Une fille rêve et flotte au-dessus de son lit, des feux d'artifice explosent. Les superpositions de films et séquences ne cessent de nous surprendre, et nous faire perdre pieds, et repères. C'est assez organique, et composé d'images transformées les unes par rapport aux autres, des torsions. Les images sont prises à partir de livres pour enfants du 19ème siècle, 12 vignettes dessinés à la main par seconde. C'est un whoosh, un souffle de stimuli sensoriels très enchanteurs.
À propos de la création de sa vidéo, elle écrit :

"Quand j'ai réfléchi à l'enfance, j'ai regardé des histoires écrites sur le fait d'être un enfant, des histoires pour enfants. Et l'un des thèmes qui ne cesse de se répéter est la solitude. Un enfant abandonné par sa famille, ou un enfant qui tente seul de retrouver sa famille."

De là, elle a développé un concept à partir duquel elle pouvait construire un récit solitaire depuis sa propre enfance. Elle a créé une banlieue fictive de New York appelée Lake Valley (un nom de lotissements de banlieue) et a développé son histoire sur la solitude. 

"Une créature vit dans une maison avec un père et sa fille, ils vaquent à leur vie quotidienne, et toute la journée, cette créature est toute seule"

Pour décrire à quoi ressemble la créature, il s'agit d'un hybride entre un lapin, un renard et d'un chien, d'après Rose.

"Elle cherche des moments de connexion, la nuit, elle sort pour sa promenade, et elle s'enfuit. Elle va dans une forêt, la seule verdure dans l'enclave suburbaine. Elle pense qu'elle se fait un ami, mais en fait c'était juste son imagination - c'est un tas de détritus avec des feux d'artifice dedans et les feux d'artifice explosent. Et peut-être que tout cela vient de son esprit - c'était l'affiche dans la cuisine."

En plus des 12 images par seconde nécessaires pour faire les animations, il y avait le collage des images des vieux livres pour enfants, pour créer le cadre que les créatures en mouvement occuperaient. Les objets familiers deviennent hyperréalistes.

"Tous les paysages suburbains familiers - à l'intérieur de la maison, l'enclave, le bureau, le parc, la voiture - je les composés à partir de ces milliers de sources d'illustrations de livres pour enfants que j'ai compilées pour créer cet espace hétérotopique. Les pâtes sont aussi des cheveux."

Cet état de solitude raconte la séparation avec son environnement, et le mélange de sensations et de souvenirs, d'interprétations fantasmagoriques qui en découle. Cet espace créé par Rose, m'a fait penser à un espace introspectif, intérieur, débarrassé du concept efficace et stratégique, une grande image en mouvement qui fait appelle à nos sens, bien plus qu'aux cases dans lesquelles sont attendues les réalisations artistiques.



Jean-Marie Appriou avait déjà exposé au Palais de Tokyo et c'était en 2014 (Sonde d’arc-en-taupe). Et l'une de ses sculptures représentait une phrase : "Le sang du poisson à l'odeur du métal". On est assez proche du titre de l'exposition collective du Palais de Tokyo, de la commissaire d’exposition japonaise Kodama Kanazawa, "Encore un jour banane pour le poisson-rêve".

La description de son exposition de 2014 révélait ceci :

Sonde d’arc-en-taupe

Les expérimentations de Jean-Marie Appriou dans le domaine de la céramique et de la fonte résultent d'un rapport technique singulier à la matière, rehaussé par un enchevêtrement de références culturelles (préraphaélites, musiques pop, artisanat, patinage artistique, mythologies médiévales, bande dessinée, etc.). Jean-Marie Appriou a conçu pour le Palais de Tokyo un parcours crépusculaire évoquant à la fois le plan basilical, la salle de concert, la grotte et le reliquaire. L’exposition est structurée par des assemblages en fonte composés d’éléments conçus dans l’atelier de l’artiste (coquillages, cristaux, tours de potier et personnages). À la fois sculptures et bas-reliefs, ces grilles reconfigurent l'espace au gré des jeux de transparence, de clair-obscur et de saturation.  Cet ensemble constitue une cosmologie personnelle élaborée par l’artiste, symbolisant le cycle des transformations naturelles et manufacturées de la matière. Le parcours évoque les états successifs du calcaire, depuis la sédimentation des coquillages au fond des océans jusqu’à la formation des stalactites. Il décrit également les métamorphoses de l’argile : l'extraction marécageuse, le façonnage, la cuisson. Cette approche tellurique et quasiment alchimique est soulignée par la dimension hermétique du titre de l’exposition : « Sonde d’arc-en-taupe » évoque deux motifs complémentaires, la galerie de la taupe et l’arc-en-ciel, formant un anneau qui réunit le cosmos et le monde chthonien, les étoiles et l’underground.









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Encore une jeune artiste britannique, Megan Rooney, (bien que canadienne, de Toronto, mais basée à Londres) Elle a rafraîchi le grand espace du Palais d'une peinture au mur, accueillant ainsi les œuvres des autres artistes. Il y a là, une veine picturale que j'avais pu accompagner, professeure, d'une artiste devenue, Emmanuelle Rosso, lorsqu'elle était étudiante, avec son travail sélectionné au salon de Montrouge, qui utilise à la fois la danse, la performance, la peinture, mais aussi les phrases jetées et la consumation de toutes ses œuvres. Une aparté :  j'ai reçu de beaux mots d'étudiantes, ou d'anciennes étudiantes (Limoges, Bourges, Grenoble), des remerciements, leurs excellents résultats, parmi les désastres de ce que peut produire une école d'art française sous une autorité mal placée, au sein de différentes écoles nationales. Cette année fut, ma foi, une belle réussite, en tant que professeure, pour ces étudiantes, et un bel échec quand à la reconnaissance de la tutelle complètement à côté de la plaque. Il faut voir l'impuissance des directions à faire évoluer les formations, et le capharnaüm des syndicats se mêlant au pouvoir, au service des mauvaises rumeurs, et des frustrations hissées, comme modèles principaux d'expression. C'est très moche, tout cela ne nous élève pas. La mauvaise tendance est de marquer des buts, peu importe le chemin de trahison. Mais plus dure sera la chute. Heureusement, que les chemins artistiques divergent et cheminent sans ces paniers de crabes. Ce sont bien les artistes accompagnant les étudiants dans leurs études en art, qui sont les mieux placés pour les orienter dans une voix singulière. Je pense aussi à Xu Lu, ses équilibres et sa grâce, aux félicitations des jurys de ces étudiantes, je pense aussi au travail de Kadi Diedhiou, une évidence, et sa poésie qu'elle m'avait fait découvrir, et tant d'autres, Bahâr Kocabey, Anna Couder, ou Iris, de niveaux différents, et parties dans d'autres pays, poursuivre leurs routes et déroutes, toutes ingénieuses... et celles qui ont encore des études à explorer, à apprendre dans un cadre scolaire. Ou encore, Anaïs Docteur, que j'ai rencontré par hasard en sortant du Palais, et qui avait été diplômée l'année dernière avec mention, que de parcours ! Je ne suis pas surprise de leurs avancées, mais infiniment heureuse. Et oui, il n'est pas facile d'être reniée par le système des écoles renfermées, et en même temps, pouvoir réussir accompagner à bien des étudiants, afin de les faire sortir du système, et qu'ils volent de leurs propres ailes... C'est un peu ce que l'on attend, finalement, des artistes professeurs, mais sans jamais comprendre la méthode, ou attendre d'eux des méthodes d'un autre temps, afin que des personnels remplissent des cases de plus en plus divisées, et sans aucune couleur.

Pour en revenir à Megan Rooney, d'autres de ses œuvres, MOMMA! MOMMA!, Tramway, (Glasgow, 2017) se suffisent à elles-seules et ne figurent pas dans l'exposition collective du Palais.

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Une vidéo montre plusieurs autres installations. Spéciale dédicace au bienheureux qui a arrêté de fumer, des cigarettes comme autrefois, avec des filtres jaunes... À la galerie Division de Montréal, on peut voir, avec si peu d'expositions à son actif, ses toiles. La question de l'exposition est quelque chose de toujours mystérieux pour les étudiants. Elle le devient moins pour tout professeur encore en activité, étant donné que le temps de sacrifice à enseigner est aussi un temps de sagesse sur ces systèmes de mise en exposition par untel, untelle, et toutes les critiques autours. Il y a les hasards de rencontres aux sorties des écoles, mais seulement des écoles avec un "haut" pouvoir (économique, côte, intérêts divers...) et rares sont les valeurs basées sur la qualité, le parcours et la richesse humaine de ces rencontres. Il y a des montées en épingle, dont, souvent, les artistes ignorent tout, de ce que l'on met en relief à leur insu. C'est de cette "apparition-disparition" que se joue ce système des expositions, et la course, parfois effrénée, de quelques artistes à espérer décrocher le Graal d'une visibilité tant attendue : une illusion de plus. De mon point de vue, je considère toute cette économie, d'affamée. Tant de structures et de personnels, un nombre considérable, dépendent des artistes, surtout de leurs productions (oui il faut bien exposer quelque chose, et trouver à écrire dessus), alors même que les artistes, la majorité, vivent dans un dénuement (volontaire ou subi) total. Ils et elles ne sont, le plus souvent, jamais rémunérés de leurs différentes expositions, en tous cas, en France, c'est indigne de ce qu'avancent les politiques. Et ce sont les personnels dépendants, qui sont rémunérés, ou éternels stagiaires, entre revenu minimum d'insertion et insertion au travail pour la médiation, avec un diplôme de cinq années derrière et une piaule en colocation chez la grand-mère d'un ami chômeur, qui a vécu les 2 guerres. C'est toujours frappant. Longtemps, on a considéré normal, la maltraitance, en France, des artistes. Après, il est très difficile de mener une politique sur "la liberté d'expression" ou des notions de "culture", quand celles-ci, sont massacrées et déniées. Challenge impossible, mais aux stratégies mesquines multiples sur tout le territoire. Le plus facile, est de favoriser des artistes ayant déjà un "haut" pouvoir économique. On ne présente jamais d'artistes plus pauvres, et surtout pas français. Car, les plus pauvres, seraient, vue, d'ici, toujours vivant dans des pays lointains. Ces gestes et actions (car ce sont des gestes, des comportements, des vues de l'esprit rabougries) sont aussi visibles dans les écoles d'art. On préfère garder des professeurs, ayant un peu d'économie, car il faut les user, plutôt que de plus pauvres, dont une centaine d'euros piqués dans leur salaire les feraient arrêter toute activité, tant le péril, à cette micro échelle devient non négligeable. C'est parce qu'ici, la négligence est au pouvoir, que les formes de pouvoir ne s'adressent pas aux plus démunis. Parce que ces gestes ont attribué leurs négligences aux plus pauvres, ils sont devenus "les négligés", alors qu'ils n'ont absolument rien demandé, ni fait pour avoir ce statut là. Ainsi, le pouvoir est devenu affamé et puise dans tous les négligés, qui ne peuvent se défendre par l'argent, en les faisant disparaître et faisant apparaître d'autres négligés, qui disparaîtront plus tard. Le pouvoir fait apparaître, puis disparaître, à mesure qu'il a besoin d'argent, de renommée, il se veut juge et initiateur. C'est de cette impuissance-là que questionnent les expositions. On ne peut qu’observer ces gestes d'impuissance, ces illusions. Les magiciens, eux, sont nombreux et savent les trucages. C'est de cette sagesse que les étudiants, certains, certaines, n'ont pas encore l'expérience. Il y aura toujours des biens vus et des mal vus, et des bien en vus, et des inconnus, même les plus âgés, celles et ceux avec une expérience incontournable. Il n'est pas un jugement qui puisse les distinguer, ni les qualifier, tant leur magie a dépassé toute méthode cartésienne.

Your age and my age and the age of the rainbow (2014)
Images du catalogue : Vocabulary of solitude / Museum Boijmans Van Beuningen / Ugo Rondinone



Vocabulary of solitude (2014) Ugo Rondinone
Images du catalogue : Vocabulary of solitude / Museum Boijmans Van Beuningen / Ugo Rondinone
Lors d'un de mes déplacements, j'avais fait le choix du catalogue "Vocabulaire de la solitude" de l'artiste Ugo Rondinone, avec ses clowns et ses arc-en-ciel. C'était il y a quelques semaines, et je n'imaginais pas pouvoir visiter une exposition, en présence de ses clowns. Voilà qui est réalisé ! Au Palais de Tokyo, une salle est destinée à cette grande installation, (une variante) que l'on ne peut photographier. Il faisait très chaud et l'air était irrespirable, un peu comme dans toutes les salles ces jours-ci, sans climatisation, mais particulièrement celle-ci, car la verrière, laissait transparaître le soleil intense (mais coloré par les filtres de la pièce d'Ugo Rondinone) L'atmosphère donc, de ces clowns était encore plus inquiétante et je souhaitais leurs demander à chacun, s'ils n'avaient pas trop chaud sous leurs masques, ou avec leurs chaussettes colorées, quand un gardien complètement accablé par la chaleur crie dans l'espace : "Pas de photo, pas de photo !" devant un visiteur plus malin que les autres sortant son téléphone pour viser l'un de ces clowns avachi, sans espoir aucun. J'aime beaucoup cette installation, mais j'avoue la préférer dans le catalogue que j'ai, et les autres, car visiter l'installation, avec les gardiens, et la chaleur, n'est pas tout à fait propice à la réflexion que promet cette création.

breathe. sleep.dream. wake, rise. sit. hear. look. think. stand. walk. pee. shower. dress. drink...

Autant de noms à ces 45 clowns, qu'ils ont de positions. L'artiste et ses figures tragi-comiques, aux couleurs gaies, expriment la tristesse, et la déception. Les visiteurs circulent dans un espace où rien ne se passe, et pourtant, la réflexion est au centre des activités représentées. C'est un artiste suisse et je suis ses réalisations qui impliquent différents médiums, je me sens assez proche de cette multitude. Suisse, né en 1964, Ugo Rondinone a ce point de vue sur une société dont les valeurs n'ont aucun sens, il est mélancolique. Photographe, sculpteur, dessinateur, et peut-être triste, cet univers est pourtant teinté de psychédélismes, d’hallucinations colorées. D'autres parties de son travail n'ont pas cette coloration, et peuvent nous renvoyer à une préhistoire imaginaire (ses sculptures  Moonrise). Cette installation, ultra protégée, figurait, dans l'exposition collective, sur l'enfance. Mais ici, un monde d'adultes a envahi les espaces depuis longtemps.








Keita Miyazaki
réalise de petites fleurs, de papiers pour carnaval, c'est ainsi que je l'ai entre-aperçu, dans un couloir. Ces petites machines sont des décorations enveloppant des tuyaux plus solides et même assez rustiques, contrastant avec la fragilité du papier. Mais tout cela pour masquer des enceintes, du son. Alors ces choses, sont des surprises, des bêtes au sol qui tentent de faire leur intéressantes. Avant, j'allais à la "Maison du papier" dans ma ville, actuellement remplacée par une boutique pour le CSP de Limoges (Cercle Saint Pierre), club de de basket-ball français, une des valeurs sûre ici, avec la porcelaine. Et cette maison était remplie d'accordéons et banderoles et toutes sortes de costumes et cotillons, c'était absolument créatif, pour tout artiste et tout enfant, et pour les grands, les grands-parents qui achetaient quelque chose pour les enfants. Seule la "Maison du fromage" est restée, avec la "Maison de la pantoufle" diffusant dans cette allée vers l'église Saint Pierre, des mélanges d'odeurs nauséabondes, infectes parfois par temps de chaleur, qui ne manquent pas de rappeler aux touristes, que dans le folklore français, il y a cette odeur indéfectible et repérable à plusieurs mètres, mêlée aux jeux d'équipes sportives dédiés aux hommes exclusivement portés sur le but (le foot en est devenue une expression patriotique, sorte de défouloir de haines racistes), avec la pause pantoufle indispensable. Donc exit le papier, la création et la décoration, notre pays n'a gardé que peu de belles inventions culturelles pour ne favoriser que l'argent et le pouvoir et le beuglement des soirs d'ivresse. Comprenez qu'il ne faille plus attendre de médailles dans ces contrées, elles ont toutes un goût qui beugle, pour le plus fanfaron des débiles. Notre victoire est pourtant notre chemin, et non le but, et c'est tout un art...



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Tomoaki Suzuki était déjà passé au Musée d'art moderne de la ville de Bordeaux (CAPC) dont cette vidéo retrace l'installation. Division, isolement, et même indifférence, ces miniatures ne le sont pas en définitive. Mais c'est que notre format du Musée et de l'exposition, s'est peu à peu orienté vers le monumental. Et les pièces de Musée sont si vastes que les œuvres de Suzuki nous apparaissent comme rapetissées. Touts est question d'échelle et notre société a accordé au visible une très grande échelle, nous empêchant de voir de plus près, mais aussi de plus proche. Comme l'Alice au pays des merveilles, ces personnages nous inspectent comme si nous nous étions un peu trop avancés sur notre époque, alors qu'ils semblent sortir des années 50 ou 60. J'ai eu cette impression que cette moquerie provocante de ces petits personnages qui posent avec nonchalance, face au mitraillage des téléphones portables de ces touristes s'agenouillant pour les capturer dans leur petit écran digital, nous toisaient, avec détermination.

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Yûichi Yokoyama au Palais de Tokyo

Yûichi Yokoyama était un peu devenue la carotte de cette exposition au Palais, mais aussi, il exposait à la galerie Anne Barault. En 2012, j'écrivais un article sur ce japonais (article nommé "Yapool"), mais bien avant, j'avais eu connaissance de cet auteur par Thejazzist, lui-même auteur de vignettes abstraites, avec qui, nous échangeons souvent sur certaines créations, entre géométries et figurations. Il m'a offert le premier livre aux éditions Matières et depuis, celui que j'ai préféré c'est Baby Boom, pour le dessin, pour l'histoire de l'oiseau-bébé, pour tout en fait et bien différent des autres, je trouve. J'avais beau le référencer dans mes cours à destination des étudiants, que de suites, les bibliothécaires avides de mes trouvailles, s'empressaient de l'ajouter dans leurs achats, car leur rayon était si pauvre et réduit, en école d'art, que je devenais, la pourvoyeuses de contenus, mais interdite ensuite d'emprunt dans ces mêmes bibliothèques... Hum, hum. Ou accusée d'avoir emprunté des livres jamais empruntés et de devoir les rembourser à l'école limougeaude (si, si, ils sont capable des pires mensonges) Il en est, que ce pauvre Yûichi Yokoyama, se trouva pris d'une effervescence médiatique, ici, dans le petit milieu parisien. De sortes, que le jour où je visite l'exposition collective au Palais de tokyo, et que je trouve un petit moment pour faire un tour à la galerie Anne Barrault, le matin même, un article sur Libération dont il est le héro paraissait. L'assistante me le brandissait très fière et je la remercie car elle m'a transmis un article plus intéressant, celui de Laurent Bruel : Durant l’hiver 2012-2013, Laurent Bruel a rendu visite à Yûichi Yokoyama. Il en est revenu avec un reportage publié en novembre 2013 dans le numéro spécial Japon de la revue Back Cover.

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Article de Libération du 9 juillet sur de Yûichi Yokoyama, à la galerie Anne Barrault (merci Manon !)

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Et photos d'une partie des œuvres présentées à la galerie.
L’article, abondamment illustré, expose pour la première fois l’environnement, les conditions et les méthodes de travail de Yûichi Yokoyama. Je ne saurai flatter la galerie, car j'ai trouvé ce qui était exploité moins exaltant que ce que j'ai pu lire et voir dans les éditions. Mais je pense, que c'est bien l'intention de l'auteur, de réduire sa portée, et travailler avec peu. J'ai beaucoup aimé ses grandes peintures, qu'il ne réalise plus faute de place. La galerie présente des rébus mis en boîtes. Ses réalisations de personnages assez froids, sont plutôt significatif d'une solitude effrayante où le lien affectif semble être rompu. Paris s'est emballé littéralement pour ses œuvres, nous pensions l'avoir connu en secret, et d'un coup, nous le voyons exposé dans 2 lieux différents à Paris, certains, ces lieux d'être les premiers à le découvrir et le montrer au public ! Ce que je trouve très intéressant, c'est que la culture du manga, populaire, par l’intermédiaire du livre, diffuse bien plus largement au public, qu'un lieu d'exposition ne sait le faire. C'est comme si un Musée avec beaucoup d'argent pensait montrer quelque chose de nouveau à une élite, que nombre d'amateurs et fans, connaissaient déjà depuis quelques temps, sans en faire tout un plat. Un jour, je discutais avec un artiste professeur français reconnu, plus âgé, et je lui apprenais qui était Hokusaï, il ne savait pas qui était-ce malgré nombre de voyages officiels et très institutionnels qu'il faisait au Japon. C'est symptomatique de ce que l'on nomme "la culture" en France et de ce qu'elle entend nous faire connaître de l'étranger (une vue très tronquée) Je déjeunais avec mes amis japonais, Aki et Makoto, je ne sais pas comment non plus cette journée rassemblait autant de coïncidences, de plus Aki Ikemura, fut artiste à la galerie Anne Barrault. Et je disais avec magie, qu'elle avait pris la photo de nous, le collectif Téléférique, dont j'avais gardé, la seule, cette photo nous rassemblant. Et tout cela lors de l'exposition personnelle de Makoto Yoshihara "Horse trailer studiolo" à la galerie ColletPak à Paris, en décembre 2009, qui était très belle. J'allais les jours suivants déménager à Limoges. Je souriais encore sur la photo ;.) J'allais m'armer de courage pour apprendre à apprendre.
Yûichi Yokoyama s'amuse un peu de ces décalages entre institution, école, Musée, tout ce qui concerne l'élection, la sélection, l'élite et le populaire, le pauvre et le riche, l'ermite et le médiatique, le médiocre reconnu socialement pour cela puis porté aux nues (Cette expression date du XVIIIe siècle. Auparavant, les nues désignaient les nuages. De ce fait, lorsque l'on porte quelque chose aux nues, c'est qu'on le met très haut, on le place sur un piédestal, on l'admire de façon démesurée) Ses propos sont rapportés ainsi :

«Au lycée, j’étais médiocre. Je suis allé à l’université par pression sociale. Naturellement, j’ai fait des études d’art. A Musashino, dans le département Peinture à l’huile. En Asie, on considère que c’est le domaine le plus généraliste de l’art, celui à partir duquel on peut tout apprendre. En sortant de la fac, j’étais un bon imitateur d’artistes. J’ai passé plusieurs concours. Vingt-quatre tentatives en tout. Aujourd’hui, quand on expose mes dessins ou mes toiles, j’ai l’impression de faire le deuil des "enfants avortés" de ma carrière de plasticien. Surtout quand on expose les œuvres réalisées pour ma 24e tentative…»

S'il adule encore des artistes de l'époque conceptuelle et minimaliste, comme ce que l'on peut encore étudier dans une école d'art en France, il est persuadé que ce n'est plus de notre temps, et pour lui, le médium n'est plus la sculpture ou la peinture, mais le livre. Quand d'autres peuvent prendre la tangente de l'immatériel, sans même matérialiser dans le livre, leurs dessins, leurs desseins. C'est que nous vivons un peu, dans des moments non linéaires, et qu'il n'y a plus de suite logique, dans l'histoire et la réappropriation de médiums, de formes. Quand l'un peu découper toute sa vie sans avoir d'outils lié à la télé (téléphone, téléchargement, téléobjectif...) l'autre coupe sur écran avec la matière déposée sur Internet, et l'autre encore, pour déplaire aux plus fanfarons français, peut faire du tricot ou repasser ses peintures au fer à repasser, tout en restant le plus macho du monde... Et un autre s'occupe de ses coiffes et bijoux, dans des peintures immenses et chiadées afin de mettre en valeur des chaussures de grandes marques... Que rajouter ? L'art est surprenant et n'a que faire des grand discours persuasifs et des tendances... Et même empiler des pierres sur la plage, est encore un acte courageux, qui brise la terreur, et notre propension à subir la violence invasive de l'espèce humaine, sans savoir jamais la raisonner, et encore moins la moraliser.


Photo de l'article de Laurent Bruel en visite à Yûichi Yokoyama

L'article raconte l'histoire d'un ermite, qui n'aime ni où il vit, ni ce qu'il y a autours. Chichement, dans une location de fortune, dans une des baraques d'un propriétaire qui exploite les ouvriers, dans ces mêmes autres baraques. Isolé, il ne connait ni les noms de ses voisins, et eux, ne le connaissent pas. C'est la source de son inspiration, avec une distance paradoxale et ses dessins de voyages futuristes, dont ses personnages aux costumes robotiques et mutiques parcourent ses vignettes, s'arment sous les avions. Dans ces conditions non confortables, on se plait à dire, oui c'est comme nous, nous sommes aussi des artistes dans nos bicoques louées ! Mais il y a quelque chose d'un peu triste. Même si, par l'imagination sublime, l'existence tel un moine peut expliquer ce dénuement, on vit dans cette solitude, que ces animaux domestiqués racontent bien (dans la vidéos de Rose). Un monde parallèle, où l'imagination serait au pouvoir, et où personne, même les voisins ne pourraient atteindre ce niveau extatique. Dans le même temps, il est poursuivis par des commissaires d'exposition et des galeristes, de vrais professionnels en business, capables de parcourir le monde jusqu'à sa bicoque pour trouver quelque chose à vendre, là où les planches sont pourries et le vent écaille la peinture des murs, et un poêle à essence, dont l'odeur est intenable, espère encore réchauffer l'humain. S'il exprime attendre les moyens pour déménager, pour sa santé, on se demande comment ces vitrines de l'art exploitant ses rébus et ses traits criants, de bruits, ne parviennent pas à le nourrir. Petite claque pour celles et ceux qui vendraient père et mère pour exposer leurs détritus, rien n'est plus enviable qu'une baraque à frites pour y parvenir ! Pas d'ordinateur, pas de lecture de média, pas d'Internet et pourtant des réalisations qui semblent sortir directement d'un as des outils numériques. Pour Yûichi, le plus important c'est le livre. C'est ainsi que j'ai connu son travail. Les expositions collectives, les produits dérivés, les dessins isolés, rien de tout cela ne l'intéresse. Il veut bien transmettre, si on lui demande, mais c'est le livre qui est prioritaire. Avant il était illustrateur pour gagner sa vie. Ce sont les éditions Matières, en France, et au Japon, la Maison East Press, qui ont changé la donne.

Beauty and the Beasts / La Belle et la Bête, exposition de Kent Monkman au Centre Culturel Canadien (extrait d'une peinture)

Plus de 3 mètres de peinture... et de bijoux

Que me reste-t-il de l’exposition de l'artiste Laure Provost, au Palais de Tokyo, ces jours-ci. Pas grand chose à vrai dire. En 2015, je la découvrais au Musée départemental d'art contemporain de Rochechouart, et je lui ai dédié un article nommé "Désir d'ailleurs désir d'être plus proche", assez élogieux. Dans le même élan, je suis allée voir l’exposition de Kent Monkman au nouveau centre culturel canadien à Paris, assez grandiloquente, très (trop ?) communicante et vendeuse, et, de même, j'ai nettement préféré ma découverte de son œuvre au Musée départemental d'art contemporain de Rochechouart, en 2014, dont j'avais écris également un article, nommé "Château, sur BMK, le blog en avance... C'est que ce Musée, à Rochechouart, il y a quelque temps, amenait dans le Limousin des formes artistiques d'ailleurs mais avec des scénographies chaleureuses qui conféraient aux œuvres, un sentiment de proximité, dans des odeurs boisées de ce château, au milieu d'un paysage vert et enchanteur. Alors, nous avons eu de la chance de voir ces expositions avant celles parisiennes. Le Palais de Tokyo est immense, et parfois, les artistes, perdus dans cette immensité, sont dans l'obligation de voir "grand" et d’avoisiner l'idée du monumental. Hors, je suis persuadée, que, de nos jours, ce monumental a perdu de sa superbe, et que notre regard se perd dans ces statures de grandeur, pure folie. Le Palais de Tokyo peine à combler des salles, restées vides, à croire qu'il n'y a plus assez de budget pour payer les artistes exposés ou commissaires, ou peu d'artistes (alors qu'ils sont si nombreux) sont connus des institutions, et donc les espaces dédiés sont devenus trop grands pour accueillir si peu de recrues. Souvent sont-elles puisées dans d'autres expositions, elles ont déjà tournées et se sont déjà retournées et passées à autre chose, qu'un amateur, une amatrice qui se déplace, comme nous tous, tombe fatalement sur les mêmes, qui ornent des espaces différents, avec des allures fatiguées parfois. On voit cela, alors qu'on ne connait aucun rouage ou presque, mais cela se voit, se ressent. Un épuisement. J'apprécie toujours autant visiter des expositions, bien plus par les rencontres que je peux y faire et les échanges ensuite, mais ces expositions sont quasiment inaccessibles au grand public. Tout d'abord l'accès physique, il faut au moins une voiture dans le Limousin pour visiter des expositions d'art contemporains, situées à des heures de route (et pourtant on se vante de décrire que le territoire est balisé en art contemporain, et bien pas pour tous !) et de nos jours qui a une voiture ??? Pas les artistes. Puis le prix, ce que coûte une exposition pour le grand public, dans des institutions publiques est indécent. L'accès à la culture pour tous, ce n'est pas pour demain ! Par contre, des matchs de foot retransmis partout dans les bars chaque soir, oui, il y a quelque chose de pensé là-dedans, quand ce n'est pas l'hôtel de ville qui s'y met, en fermant les stations de métro, ou bien les conducteurs de TGV (ceux-là même qui sont pour les grèves) qui nous annoncent fièrement les résultats des matchs pendant nos déplacements, au cas où, nous ne serions pas assez informés des buts de l'équipe de France. Et bien non, la culture que pour certains, et généralement, cette culture n'est adaptée que pour les fonctionnaires ayant défini cette culture et ayant décidé qu'elle serait "La culture". Donc, on comprend bien, qu'ils puissent avoir accès à toute cette culture définie et délimitée par leurs soins, tous les chemins leurs sont connus et accessibles et défrayés, toutes leurs réunions sont basées sur cette culture au format, toutes leurs discussions, mais rien, absolument rien, en dehors de ces sentiers battus, une sécheresse, le désert, rien plus n'existe à part ce qu'ils ont décidé. Et leurs maillages cartographiques sont plus des mines qu'autre chose, sur lesquelles il ne vaut mieux pas tomber, au risque d'être emprisonné par le maillage stratégique du pouvoir.

Synthèse, ce qui est grand n'est pas signe de grandeur, c'est Lapin (Tur) qui le dit.

Lapin Tur est une nouvelle écrite en 1976, une petite fable allégorique pleine d’humour qui relate l’histoire d’un lapin dénommé Tur. Méprisé par ses petits frères, Lapin Tur est mis à l’eau et, de rage, passe par toutes les couleurs avant de finir par amuser la galerie… En fait, une condamnation sans appel de la peinture de chevalet, bien mise à mal dans les années 1970.

Et oui : La peinture !

Par kiwaïda at 09:44

01/07/2018

€$ℙѦ☾ℰ iℒℒi♏ЇTÉ

Nadir Afonso Rodrigues GOSE (Chaves, 4 de dezembro de 1920 — Cascais, 11 de dezembro de 2013) foi um arquitecto, pintor e pensador português. Diplomado em arquitectura, trabalhou com Le Corbusier e Oscar Niemeyer. Nadir Afonso estudou pintura em Paris e foi um dos pioneiros da arte cinética, trabalhando ao lado de Victor Vasarely, Fernand Léger, August Herbin e André Bloc. Nadir Afonso é autor de uma teoria estética, tendo publicado em vários livros onde defende que a arte é puramente objectiva e regida por leis de natureza matemática, que tratam a arte não como um acto de imaginação, mas de observação, percepção e manipulação da forma. Nadir Afonso alcançou reconhecimento internacional e está representado em vários museus. As suas obras mais famosas são a série Cidades, que sugerem lugares em todo o mundo. Com 92 anos de idade, ainda trabalhava activamente na pintura.

(Wikipedia)

Kuala Lampur, 2008. Acrílico sobre tela, 190 x 210 cm

J'aime beaucoup celle-ci (ci-dessus) !

Vraiment, je vois là aussi Vieira Da Silva, dont j'avais écrit un article en portugais là > Jutinhos

Magnifique !

Très belle, année 30 ! Petit bijou !

ALDEIA E MONTE, c. 1938, Óleo sobre tela. 22 x 31,3 cm

SEM TÍTULO, 1963, Óleo sobre tela. 68,8 x 99,5 cm

Période baroque ! Pour mon génial amoureux, même pas portugais, qui m'a fait découvrir son œuvre,
qui nous rassemble ! Il a d'ailleurs réalisé plein de nouvelles formes : Thejazzist

Estação de Metropolitano de Lisboa - Restauradores. Azulejos de Nadir Afonso

Hâte de voir tout cela !

Et bien, ce dessin, c'est l'un de mes "Mouvance", et rare, c'est un autoportrait parmi les autres figures en mouvement ! Il date de quelques année déjà, mais je n'avais pas vu une seule œuvre de Nadir à ce moment ! Que le savoir est inattendu et la création sans savoir, divine !

Finalement, je pourrai me présenter ainsi aujourd'hui : Sonia Marques (Kiwaïda), dessinatrice, photographe, philosophe, à l'écoute et la création musicale avérée, passionnée d'éthologie et de non violence, pas du tout figée dans un seul domaine... et écrivain... Je nage aussi, mais en écrivant dans ma tête... Poète. Tout cela saupoudré, pas du tout acharnée à la tâche, mais constellée (ma tâche fut l'enseignement). Qui sait, cela peut changer, quelques cordes sont venues s'ajouter à mon arc. Pas trouvé encore les flèches...
Les artistes se font rares.

Nadir est un bonheur ! Et quel beau prénom ;.)

Par kiwaïda at 14:32

30/06/2018

∀ḉ¢èṧ ґéṧℯяVéṧ

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Lettre lue le 28 juin par des étudiants, destinée au directeur de l'école nationale des beaux-arts de Paris

Pour mémoire, le ministère de la culture a nommé un directeur il y a quelques années, tout en connaissance de ses idées contre les femmes artistes et l'accès aux études en art pour les étudiantes.
Reconnu pour ses propos misogynes dans la presse :

"L'homme a besoin de conquérir des territoires, la femme trouve son territoire et elle y reste ; alors que les femmes cherchent un homme, un homme veut toutes les femmes. La femme, dès qu'elle a trouvé son territoire, elle y reste, d'Agnes Martin à Tracey Emin. Les hommes sont toujours dans la recherche de territoires vierges."

Ou encore :

"Les hommes prennent des risques beaucoup plus grands, comme d'être détesté, d'être dans la polémique, d'être longtemps dans des champs difficiles."


Ces opinions sur les femmes artistes sont énoncées par l'artiste français Jean-Marc Bustamante au cours d'un entretien avec Christine Macel, conservatrice au Centre Pompidou, et Xavier Veilhan, autre artiste. Leur dialogue figure dans la monographie consacrée à Bustamante publiée par Flammarion, en 2005, dans la collection "La création contemporaine". Elles seraient peut-être passées inaperçues si l'artiste française Orlan ne les avait lues et n'avait attiré l'attention sur elles pour en dénoncer ce qui lui apparaît comme un machisme flagrant. Depuis quelques jours, le milieu de l'art contemporain parisien fait de cette polémique son premier sujet de conversation.
Il existerait donc une essence de la femme et une essence de l'homme et leurs différences se révéleraient de façon particulièrement frappante dans l'activité artistique. L'artiste masculin serait possédé par le désir de conquête, la dépense d'énergie, l'invention permanente. L'artiste féminine aurait "du mal à tenir la distance". Donc, elle s'installerait dans un système : "Chez Nan Goldin et Cindy Sherman, tout est au point très vite, et après elles ne bougent plus vraiment", affirme Bustamante. En réplique, Orlan fait observer que cette remarque s'appliquerait de façon plus juste à bien des créateurs masculins, de Daniel Buren à Niele Toroni en passant par James Turrell ou Lawrence Weiner.
Au cours du dialogue, les deux interlocuteurs de Bustamante ne marquent aucun désaccord avec lui, encore moins une gêne. Xavier Veilhan s'en prend "à ces femmes artistes qui se retranchent dans la case sociale où l'on veut bien les voir". Christine Macel paraît tout aussi convaincue. Après avoir lancé "que peu de femmes arrivent à dépasser les dix ans", elle répond à Bustamante : "Je dois être un homme, alors", et voit dans les thèses qu'il affirme la raison pour laquelle l'exposition "Dionysiac", qu'elle a organisée à Beaubourg en janvier 2005, ne comptait aucune artiste.

(article de Dagen, de 2006)

En 2018, rien n'a bougé en fait. Cette école fut l'une de mes écoles où j'ai étudié, dès 1996. Ce directeur était l'un des professeurs de celle-ci. On peut constater l'impuissance du ministère (de la culture) et nos différents présidents, à faire évoluer ces idées préconçues de l'homme au gourdin et la femme que l'on tabasse auprès de sa marmite artistique, la sorcière, et celle aussi belle de l'homme colonialiste conquérant de nouveaux territoires et corps vierges pour déterminer les castes en accès réservés et les nouveaux artistes esclaves ; avec la confirmation et la validation de telles attitudes de rejet. Ces attitudes, ou comportements, deviennent des idées, mais elles ne sont ni idées, ni projets. Hélas, ces vues de l’esprit, rabougries, deviennent des modèles, auxquels, femmes et hommes de toutes origines, de tout milieu social, dans les familles, dans les milieux de travail, que ce soit dans les domaines artistiques ou pas, dans des moments où les étudiants souhaitent faire des études en art et où l'on observe, dans les familles, de mêmes attitudes de rejets, alors même que ces familles n'ont ni accès aux expositions, ni aux études et aux idées des femmes artistes, les mêmes attitudes d'indifférences, de violences, de négations, de dénis. Ce sont des parcours de vies impactées par ces vues de l'esprit rabougries.
> Comment sommes-nous passés de ces comportements à des idées, que l'on applique lors de sélection, de candidatures, par exemple ?

Professeure dans les écoles d'art depuis 2001, artiste, et enseignante auparavant dans des ateliers en banlieue 93, depuis les années 90, je ne peux qu'observer l'ignorance, de celles et ceux à des postes de directions, pesante, de tout leurs poids, afin de faire disparaître les noms des femmes artistes "vivantes" (parce que les mortes, un paquet de femmes sont utilisées pour utiliser leurs temps de cerveau disponible pour le matrimoine, on préfère toujours les femmes mortes à vivantes), et de ne pas projeter les jeunes femmes étudiantes dans un avenir où elles auront une place décisive. J'ai œuvré pour mes idées, des explorations, mais rien n'était vierge, sur le terrain, ce serait considérer qu'il n'y a point de culture, et j'ai transmis mes savoirs, à mon niveau, celui admissible, que j'ai toujours dépassé. C'est de ma pensée, cette inconnue, que je découvre sans cesse, et rien de ces modèles ne peut s'y accrocher. Elle passe, elle avance vite. Lorsque je lis ces tentatives, cet enfarinage (le directeur a été enfariné lors de son discours le 28 juin dernier) cela fait partie de notre folklore, comme les syndicats. Cela ne pense pas mais cela fait manifestation. Il n'y aura jamais rien dans la presse de ce que notre quotidien et nos avancées abritent, car trop en avance. Il y a toujours des vues de l'esprit rabougries, parfois elles se propagent de façon assez étonnantes, déguisées avec des machines, pour donner l'illusion d'être "dans le coup". N'est-ce pas là, des illustrations pour des vues de l'esprit rabougries ? Pour exemple, je viens d'être remplacée dans mes fonctions par un homme, certainement ignorant de ma situation, à l'école où j'ai enseigné 8 années et dans la ville où j'habite, et c'est la décision d'une femme directrice, validée par le ministère (donc une femme ministre) et peut-être des professeurs syndiqués sous anonymat (en majorité des femmes). Intéressant non ? Et de toutes, elles affichent "le féminisme" comme argument de vente sociale (afin de garder leur emploi et le faire perdre aux autres) Ainsi, comme les Christine Macel, les Catherine Millet, qui sont dans l'ignorance, des directrices décident de suivre ces préceptes contre les femmes, contre les études artistiques, contre notre avenir et pour l'exclusion, tout cela afin de garder leur emploi au sein du patriarcat. Sans le savoir et par ignorance, elles perpétuent le système qu'elles dénoncent à tort et à travers : continuons à être importunées et importunons davantage. Faire du sur-place et accepter toutes les violences. Ces modèles de rejets sont validés et confirment les places attribuées aux uns aux unes et aux autres avant même que les plus jeunes aient pu expérimenter, étudier, devant même l’expérience des plus âgés. Je pense que le pire sera dans le domaine du multimédia, ce que l'on a fait des arts dits "numériques" et leurs enseignements, ce que l'on donne comme crédits à l'intelligence artificielle (beau nom n'est-ce pas) pour l'avoir vu de très près, tant d'ignorance et d'inculture se trouvent hissées en modèle, en professionnalisation, dans les écoles d'art, et là, le rejet des femmes est flagrant, indécent. Soyons certaines d'observer tous les petits cerveaux égocentriques exposer leur rejet, et leurs progénitures, et des femmes pour les applaudir. C'est là tout le paradoxe de notre société, elles leurs donnent tout le crédit qu'elles ont obtenu, toutes leurs économies. Nous sommes restés au temps où les femmes donnaient tout leur salaire à leur père, lorsqu'elles commençaient à travailler. Toutes ces vues de l'esprit rabougries peuvent se propager, avec le soutien indéfectible, de toutes ces femmes aux différents salaires, à différents niveaux, les secrétaires, les directrices restées secrétaires, les ministres restées secrétaires, les cheffes et les surveillantes, les greffières et les juristes, les factrices et les journalistes, ainsi va notre société : avec un gros melon, à présent miniaturisé. Nos intelligences artificielles ont un avenir invisible devant elles, sans résistance mais que des applaudimètres génétiquement modifiés.

Et que diront les ignares : tous ces gens sont des privilégiés, l'art ne sert à rien dans la vie. C'est ignorer beaucoup, et à commencer qu'il n'y a pas de société civilisée sans culture et que l'art arrive bien après, lorsque la culture est reconnue, par nos sœurs, nos frères, nos mères, nos pères et les adoptifs, nos amoureux, nos anciens amoureux, nos grands-parents, de pays différents, nos enseignants, nos commerçants, nos médecins, ce que font les animaux, ce qu'ils fabriquent, ce qu'ils créent, toutes ces espèces capables de création et d'invention, pour vivre, survivre, pour enterrer leurs proches ou les incarner dans le minéral, l'eau, le vent, les nuages. Il n'y a donc pas de jugement sur ce que les uns seraient capables de faire mieux que d'autres ou que les autres seraient incapables de faire et d'apprendre, tellement, ces autres seraient incapables de penser, se mouvoir, s'émouvoir, fabriquer, vivre en paix. Là commencent les divisions, les communautés, les sectes, les critères de sélections, qui abolissent l'accès aux études supérieures, qui terrorisent et participent des idées terroristes, elles bien fertiles, dans notre pays.

Souvenir 2007

femmeusesaction#18

les femmes ont du mal à tenir la distance

Vidéo de 6’11 réalisée par Cécile Proust et Jacques Hoepffner, reprenant l'intégralité des inoubliables propos de Jean-Marc Bustamante (nommé directeur de l'école nationale des beaux-arts de Paris, par notre gouvernement, suite à ces propos misogynes) et Xavier Veillant, 2 artistes français avec Christine Macel, commissaire d'exposition qui rejetait les femmes artistes dans son exposition…CNDC Angers 2007


Par kiwaïda at 09:14

25/06/2018

♭εαü⊥¥ & ßε@﹩⊥

beauté

bête

okaïdo

fin de l'école

sagesse

apache

(Photographies ci-dessus © Sonia Marques)

© Kent Monkman, Miss Chief’s Wet Dream, 2018, (detail)

Par kiwaïda at 23:13

04/05/2018

ℙ☮ℐḺÜ∃

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© Tara Booth : Kim Kardiashian tape trick

Corps imparfaits, grassouillets, poilus

 «Au moment où je commence à me sentir gênée ou à avoir peur de partager une illustration, je dois la diffuser» Tara Booth, illustratrice américaine, réalise depuis 3 ans des dessins audacieux. Elle défie les représentations conventionnelles des fantasmes érotiques des femmes à travers ses personnages attachants. Son prochain livre "Nocturne" raconte l'histoire d'une jeune femme avec des difficultés de sommeil qui prend trop de médicaments pour dormir et qui entre par conséquent dans un état de rêve surréaliste. "Je ne quitte pas beaucoup ma maison, donc je ne peux pas dire que j'ai une très grande expérience. Mais je suppose que mon expérience personnelle est partagée car plus de personnes partagent leur vie personnelle". L'illustration est un outil puissant car elle supprime la barrière du langage - c'est simple et direct. 

A girl struggles with procrastination, pimples, and socks in this painted comic by Tara Booth.

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© Tara Booth : How to be alive

Entre dessins et peintures, le travail de Tara arrive à nous lier d'amitié, avec ses personnages, nous devenons leur copine. Elle décrit souvent son expression artistique résultant de l'anxiété et la dépression chroniques, en prenant appuis sur les expériences de sa vie qui la laissent sans espoir ou hors de contrôle. Elle les transforme en choses stupides à travers la peinture, comme une thérapie. Pour autant, je trouve que son art de la narration rime avec un art du motif, proche du textile. Son expression peut très bien devenir picturale avec les masses du corps de son personnage nu et ses fines bretelles noires par exemple, dans son rêve érotique, ou bien avec ses galipettes faire un pied de nez à la peinture et l'art traditionnel féministe, avec ses "nanas" d'aujourd'hui, connectées à Instagram, qui n'attendent pas de faire un lourd et laborieux jardin-Musée à la Niki de Saint Phalle en suprématie des femmes. Non ici, la légèreté et l'accessibilité de son travail se passent de toute institution.
Les différentes poses que ses personnages adoptent (affalés dans un lit, dans la baignoire... nus mais avec des chaussettes...), font, de ses caractères, des gestes de l'enfance que les adultes cachent mais pratiquent dans leur maison.
D'ailleurs, cette illustratrice préfère travailler seule à une table à dessin dans sa chambre plutôt que dans un studio partagé: «Je suis une personne socialement anxieuse, dessiner ou peindre quelqu'un d'autre n'est vraiment pas une option»
Elle utilise de la gouache. Par sa formation en peinture (BFA à la Tyler School of Art) elle a l'habitude de travailler sur de grandes toiles. Avec une distance critique, elle raconte de ses études et comment elle a trouvé une certaine autonomie, malgré ce que l'on n'autorise pas dans les écoles d'art : "Produire du travail à l'école d'art n'était pas un problème pour moi, mais je n'étais pas une bonne élève. Il devenait de plus en plus difficile de se connecter aux idées enseignées dans mes cours de peinture et de théorie de l'art, plus axés sur l'abstraction et l'art conceptuel que la représentation directe ou narrative, ce qui a toujours été mon intérêt. Le langage et les concepts que nous avons étudiés me semblaient vraiment inaccessibles et détachés de mes expériences de dramaturge et d'ivrogne de 21 ans. J'ai commencé à me concentrer davantage sur l'art populaire, Lowbrow et les artistes autodidactes. J'ai commencé à lire plus de bandes dessinées et j'ai décidé que je voulais faire des peintures directes, accessibles et peu coûteuses à produire. J'ai donc commencé à travailler sur papier avec de la gouache, avec l'ambition de créer ma propre bande dessinée."
On retrouve souvent les mêmes difficultés, en occident, dans ces formations artistiques. Combien de fois ai-je observé de très bons étudiants, jeunes femmes et jeunes hommes, s'estimer mauvais dans le cadre de ces formations où le cloisonnement est propice à exclure tous talents, et d'autant plus aujourd'hui, où des réseaux d'artistes fonctionnent avec de riches influences inédites et non connus des institutions (dans lesquelles, le plus souvent, l'art conceptuel des hommes est dans l'incapacité de faire de bonnes sélections avec de bons critères) C'est ainsi que ce mauvais ménage exclu également les artistes qui sont parvenus, malgré tout, à enseigner avec l’expérience de leurs pratiques sans citations d'une histoire dépassée par les genres qui se chevauchent dans des médiums diversifiés. Si l'on ajoute à cela, un bon usage du partage et de la diffusion de son travail, on supprime d'un coup, le rôle des institutions, dont c'était le rôle, et qui ne comprennent plus rien à la création actuelle. On ne peut ainsi qu'assister aux exclusions multiples des artistes joyeux, laissant les costumes d'historiens cloisonner ce qui ne peut plus l'être, et inventer des règles limitées à ne pas dépasser, pour satisfaire les formulaires politiques devenus de l'art officiellement acceptable. Il faut du temps pour apprendre, du temps pour désapprendre et ne pas se laisser embobiner par des enseignements politisés, et du temps pour apprendre sa politique à travers la pratique de ses savoirs-faire. Superposés, ils deviennent singuliers, par la transparence de leur accumulation, par l'histoire de leurs usages, et tant d'erreurs si justes finalement.
Sur le format pas formaté de son travail pour la bande-dessinée, elle explique ceci : "Pendant longtemps, je me suis sentie vraiment ralentie par mes antécédents en peinture traditionnelle. J'ai acheté un tas de bandes dessinées, et j'ai essayé de reproduire les techniques que j'ai vues, mais travailler dans des cases me semblait toujours très gênant. J'avais peu d'expérience avec Photoshop, la narration, les principes du design ... Cinq ans après l'obtention du diplôme, je n'avais toujours rien produit de solide. J'avais fini par abandonner, et finalement décidé que faire une bande dessinée merdique valait mieux que ne rien faire du tout - que je devrais m'inquiéter moins de ce à quoi je pense qu'une BD est censée ressembler, et plus à peindre dans le domaine de mes compétences. Une fois que j'ai jeté toutes mes idées préconçues par la fenêtre et que je me suis forcée à me mettre au travail, j'ai commencé à obtenir une reconnaissance pour ce que je faisais plutôt rapidement. Adopter une partie de ma naïveté et me concentrer sur les qualités picturales de mon travail a compensé les obstacles techniques qui se dressaient sur mon chemin..." Elle utilise ses personnages comme des poupées de papier qu'elle habille avec des vêtements qu'elle souhaiterait porter. D'autre part l'attrait autobiographique et confessionnel de ses histoires visuelles, humiliantes ou embarrassantes, provoquent des effets comiques. Son humour et sa fantaisie peuvent masquer des situations tristes et les transformer en gentilles scènes colorées surréalistes. Elle est inspirée par les artistes Marie Jacotey (artiste française) et Aidan Koch (artiste multimédia américaine), dont le travail artistique transcende le monde de la bande dessinée.
Mais aussi, d'autres artistes de différents âges et nationalités  :
> En peinture / Misaki Kawai (Artiste japonaise), Austin Lee (Artiste américain), Mogu Takahashi (Artiste japonais)-, Katherine Bernhardt (Artiste américaine), et Danny Fox (Artiste anglais).
> En illustration / Aart-jan Venema (des Pays-bas) et Monika Forsberg (de Suède))
> En céramique / Benjamin Phillips (Anglais), Janie Korn (américaine)

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© Tara Booth : Vase shirt

Par kiwaïda at 11:46

24/04/2018

Ṽℰℜ✝

il saute et glisse entre ses mains satins
la sagacité noire et veloutée des plumes poils
et le soir tout enivré de figuiers et de lilas
il tombe à la renverse comme pâmé
les yeux doux de la vie des soucieux perspicaces

tête levée et port haut elle a les yeux mi-clos
face lune de miel en bouddha jaune gâteau
elle tient d'une main le chafoin négus roi
l'enfance la regarde et le soleil aux deux bras écartés
miroitent les souvenirs des pins verts ornés de bonté

quand la mer s'écumait au loin de ses espoirs orangés
les surfeurs aux cheveux enflammés par les rêves
dans leurs lit désargentés et vert sauvage
dans leurs maisons abandonnées aux draps rouge de bleu
ils nageaient aux cœurs brisés de peine

sans peur ni haine
(les poètes)

Photographies © Sonia Marques & JD

Par kiwaïda at 19:12

01/04/2018

ℙℰℑℵ†Ṳℜ∃












Peinture de Shirley Shaffe


Peinture de Miró > “Painting (Head)” (1930)


Peinture de Tom Wesselmann > Bedroom painting N°31 (1973)


Peinture de Francis Picabia > Salicis (1929)


Peinture de Francis Picabia > "Idylle" (1925-1927)


Photographies © Sonia Marques

Par kiwaïda at 19:33

09/03/2018

ṧ@мḯα нαʟαß⑂

samia1.jpg
Samia Halaby

Par kiwaïda at 21:30

24/02/2018

ℳα ℙεїη⊥üя℮ ℮т ℳ℮ṧ ღ◎∂èℓ℮﹩

Photographies & peintures & dessins & modèles, Sato & Cafu © Sonia Marques

Par kiwaïda at 18:33

13/02/2018

ℵℰЇḠℰ ИṲ∃

Dans la nature © Paul Jacoulet

Il neige aujourd'hui.
Souvenirs d'une discrète exposition, Un artiste voyageur en Micronésie, visitée en 2013 musée du quai Branly à Paris, des magnifiques estampes de Paul Jacoulet (1896-1960). Selon les conseils de mon tendre ami, amoureux de mes dessins.



Nuit de neige © Paul Jacoulet

J'ai compris pourquoi l'art exposé et très médiatisé ne m'apportait pas autant d'ouverture, que de discrètes expositions et de secrets chemins de connaissances. Aussi, autre apprentissage, la relation maîtres.se - élève, n'a de valeur que lorsque l'élève s'élève jusqu'à enseigner au maître, à la maîtresse, à mieux comprendre son parcours, à mieux voir la neige nue.

Malgré sa santé précaire, Paul Jacoulet tirera grande santé de ses qualités d'observations et de son attachement à la fragilité des populations de la Micronésie. Ses estampes sont de deux formats différents : ōban (大判?) et un format plus petit (carte postale) de réédition des estampes les plus populaires. Les estampes de format ōban sont au nombre de 166. Outre ses talents artistiques, Paul Jacoulet était aussi connu pour sa très riche collection de papillons.

Son admiration pour ses professeurs de dessin et pour les grands maîtres de l’estampe japonaise, dont Utamaro, transparaît nettement dans son œuvre mais ne prend jamais la forme de la copie. Elle le conduit très vite vers un style personnel, qui s’épanouit au cours des nombreux voyages entrepris à partir de 1929. Séduit par ces archipels et par leurs habitants, le peintre y développe des relations personnelles, particulièrement à Yap et à Ponape. Cette proximité lui permet d’observer le tatouage qui lui inspirera de nombreuses études et dessins préliminaires. Au-delà de leur dimension artistique, ces séries réalisées à l’aquarelle et à la mine de graphite constituent aujourd’hui un corpus iconographique unique, témoignant des tatouages micronésiens anciens. La représentation des corps tatoués, à la fois sensible et intime, traduit l’émerveillement de l’artiste pour ces cultures insulaires. Elles offrent ainsi une vision poétique et humaniste, bien loin du discours et des dessins scientifiques des ethnologues. Au contact des populations des îles du Pacifique, Paul Jacoulet porte un regard attentif à l’esthétique des parures traditionnelles. Les œuvres qu’il y consacre possèdent aujourd’hui une forte valeur documentaire et témoignent de la place importante qu’occupait l’ornement corporel dans ces sociétés. En s’intéressant à la parure, Paul Jacoulet renouvelle un thème classique de la gravure sur bois japonaise, dont les portraits décrivent avec détails les vêtements, coiffures et maquillages. Ainsi l’élégance du port des plumes et des coquillages en Micronésie, fait écho à l’apparence recherchée des acteurs du théâtre kabuki ou des courtisanes japonaises qui ont tant inspiré le genre de l’estampe. Ce goût tout particulier pour l’ornement du corps rejoint aussi celui du théâtre et du déguisement chez un artiste multiple qui est resté, durant toute sa carrière, à la fois peintre et récitant de chant costumé (gidayu). L’approche de l’intime est quant à elle plus proche du nu de la peinture occidentale. L’esthétique des traits et du modelé du corps y est pleinement mise en valeur, sans allusion directe à l’érotisme. La quasi-nudité du monde micronésien permet au contraire à l’artiste d’évoquer une innocence originelle, proche de la nature. Le dessin vif des corps, se détachant sur des décors brillants, animés par la végétation et les insectes, offre une vision d’un monde obéissant à une même esthétique naturelle et au-delà de toute pudeur.
(Extrait du Musée de Tahiti)



Chagrin d'amour © Paul Jacoulet
Dédicace à Pépino <3 et à mon amoureux.
À ce qui ouvre l'imaginaire, aux soins.
Il est temps de se remettre à dessiner...
Kiwaïda vient de ces îles...

Par kiwaïda at 15:46

10/02/2018

玉兔

Satori & Cafuné © Sonia Marques

Un jour, un dieu décida de descendre sur terre et de prendre la forme d’un homme affamé. C’est ainsi qu’il alla dans une forêt pour se rendre compte de la capacité des animaux à survivre dans les bois. À sa vue, toutes les bêtes résidant dans la forêt lui ramenèrent de la nourriture. Le singe, en grimpant dans les arbres, lui ramena des fruits. L’ours, en allant pêcher dans la rivière, lui offrit des poissons. Les oiseaux chassèrent des insectes et des vers. Tous avaient un présent pour lui, à l’exception du lapin. Il eut beau faire tout ce qu’il pouvait, il ne réussit pas à trouver de la nourriture pour l’homme affamé. Tous les animaux commencèrent à se moquer de lui. Et le lapin, triste, voulait par-dessus tout lui venir en aide. C’est alors qu’il demanda à ce qu’on allume un feu. Et il décida d’offrir sa propre vie, sa propre chair, en se sacrifiant dans le feu. Le dieu fut très ému par cet acte et décida de lui sauver la vie. Puis, en récompense, l’envoya habiter sur la Lune. Depuis ce conte, les japonais voient se dessiner un lapin sur la Lune quand celle-ci est pleine. Et chaque année, le 15ème jour du 8ème mois lunaire (septembre/Octobre) se tient la fête « Tsukimi », la fête de la pleine lune.

Légende du lapin lunaire, ou "lapin de Jade" : Dans le folklore asiatique jusqu’aux contes bouddhistes de Jakata, la légende du lapin lunaire est aujourd’hui toujours célébrée en Chine, au Japon, en Corée, au Sri Lanka, en Thaïlande, au Vietnam, au Cambodge, ou encore en Birmanie.

(•ㅅ•)

Two Rabbits - 1930 - Shoson Ohara (Koson) 1877-1945

⌒(。・.・。)⌒

Intriguée levant ses yeux vers la lune, observant ses marques, j'observe une paréidolie :  la naissance de la légende du lapin lunaire ou lapin de Jade.

Et des légendes, car la vision lunaire est changeante, des territoires aztèques à l’Est de l’Asie, les humains vivent, pensent et croient différemment. Dans le Chu Ci, une anthologie de poèmes chinois datant de plus de 400 ans av. J.-C., le lapin de la lune y est accompagné d’un crapaud et y prépare un remède pour les mortels. En Asie de l’Est, le lapin est représenté avec un pilon et un mortier et produit l’élixir de vie pour la déesse de la lune Chang’e.

 ̄(〃゚o ゚〃) ̄


C’est cette histoire qui depuis Houston a accompagné 3 astronautes au destin d’exception, jusqu’au premier pas de l’Homme sur la lune, territoire mystérieux et tant convoité. Mission Apollo 11, 5e jour (20 juillet 1969), préparations pour l’atterrissage sur la Lune :

095:17:28
Evans : Roger. Among the large headlines concerning Apollo this morning, is one asking that you watch for a lovely girl with a big rabbit. An ancient legend says a beautiful Chinese girl called Chang-O has been living there for 4,000 years. It seems she was banished to the Moon because she stole the pill of immortality from her husband. You might also look for her companion, a large Chinese rabbit, who is easy to spot since he is always standing on his hind feet in the shade of a cinnamon tree. The name of the rabbit is not reported.
095:18:15
Collins : Okay. We’ll keep a close eye out for the bunny girl.

Traduction : Evans : Parmi les grands titres de la mission Apollo ce matin, il y en a un qui demande à ce que vous guet tiez une adorable fille avec un grand lapin. Une légende ancienne raconte qu’une magnifique fille chinoise du nom de Chang’O vit là-bas depuis 4000 ans. Il semble qu’elle ait été bannie sur la Lune pour avoir volé la pilule d’immortalité à son mari. Vous devriez aussi chercher son compagnon, un grand lapin chinois, facile à trouver puisqu’il se tient en permanence sur ses pattes arrière à l’ombre d’un cannelier. Le nom du lapin n’a pas été rapporté. Collins : Okay. On gardera l’œil ouvert dehors pour la fille au lapin.

/ (´・×・`)\


Two Rabbits, Pampas Grass, and Full Moon - Hiroshige - 1849 - 1851

/(・ × ・)\ Comptine enfantine

 J’ai vu dans la lune
Trois petits lapins
Qui mangeaient des prunes
En buvant du vin

/ (,,๏ ⋏ ๏,,)\


 

Les monstres d'Utagawa Kuniyoshi (Sumo no zu)

Utagawa Kuniyoshi (1798 – 1861) était l’un des derniers grands maîtres japonais de l’estampe sur bois (‘ukiyo-e’). I est célèbre pour avoir réalisé entre autre les Suikoden, ou les Cent-huit héros chinois. Parmi ses estampes de paysages, de scènes quotidiennes, de chats, ou même de courtisanes et de geishas, Utagawa Kuniyoshi a aussi réalisé de nombreuses estampes dédiées aux monstres et aux fantômes issus du folklore japonais, et aux héros qui les ont combattu.

⌒(,,Ő x Ő,,)⌒

Cent aspects de la Lune : Le lapin de jade - Sun Wukong, de « Voyage vers l'Ouest »

Description Tsuki hyakushi (Cent aspects de la Lune) est une vaste collection de nishiki-e (estampes multicolores au bloc de bois) réalisée par Tsukioka Yoshitoshi (1839−1892). Les estampes ont été publiées en plusieurs vagues par Akiyama Buemon entre 1885 et 1892. Elles représentent les différents aspects de la lune, empruntés aux anecdotes, aux événements historiques et à la mythologie japonaises et chinoises. Une grande diversité de sujets y est évoquée, dont les guerriers célèbres, les femmes éminentes, les oiseaux et les animaux, les lutins et les fantômes. Cette estampe figure dans un roman-fleuve comprenant 100 peintures de Tsuki hyakushi et deux répertoires créés après l'achèvement de la collection. On considère qu'il a été relié par son ancien propriétaire. La préface écrite à la même période que les répertoires ne figure pas dans le livre. Les spécialistes estiment que l'ordre des estampes de l'album ne suit pas l'ordre selon lequel elles ont été publiées, mais plutôt, l'ordre des répertoires, malgré quelques variantes. Tsukioka Yoshitoshi fut un artiste d'ukiyo-e de l'école d'Utagawa Kuniyoshi (1797–1861), actif de la période Bakumatsu (fin du shogunat) à l'ère Meiji. Il a créé un large éventail d'œuvres, dont bijin-ga (peintures de belles femmes), fuzoku-ga (peintures de mœurs), et des peintures de personnages historiques et littéraires. Achevée l'année de sa mort, cette collection est souvent considérée comme le chef d'œuvre de ses dernières années.

⌒(=・ x ・=)⌒


A medallion on an 18th century Chinese emperor's robe depicting the Moon Rabbit mixing its elixir of life at the foot of a cassia tree.

Chang’e (chinois : 嫦娥 ; pinyin), est un personnage de la mythologie chinoise, femme de l’archer Houyi. Séparée de son mari et du reste des humains, elle réside éternellement sur la Lune, dans un palais de jade nommé Vaste froidure (廣寒宮, guǎnghángōng), avec pour seuls compagnons Wugang, un apprenti immortel exilé, occupé à abattre un cannelier qui repousse sans cesse, et un lièvre apothicaire dit « lièvre de jade », assisté selon certains d’un crapaud. Le taoïsme la considère comme la déesse de la Lune (Yin suprême, 太陰星君, tàiyínxīngjǖn. Elle est évoquée tous les ans le 15 du huitième mois lors de la Fête de la mi-automne. Dans la poésie de la dynastie Tang, elle représente une belle femme délaissée ; Li Shangyin la mentionne dans deux œuvres : Lune de givre et Soir de Lune.
Le cratère lunaire Chang-Ngo lui est dédié.

Version courante :

À l’époque de l’empereur Yao vivait un chasseur, archer d’élite nommé Houyi. Un jour, un fait extraordinaire se produisit : les dix soleils se succédant habituellement au long d’une dizaine de jours apparurent ensemble, asséchant les rivières et brûlant la terre. Yao demanda alors à Houyi d’en abattre neuf de ses flèches, ce qu’il fit. Il obtint grâce à cet exploit une grande réputation. Il en conçut le désir de devenir immortel et partit lors d’une expédition de chasse vers l’ouest à la recherche de la déesse Xiwangmu, maîtresse du Jardin de longue vie. Elle lui confia un élixir à partager avec sa femme Chang’e lorsqu’ils seraient âgés. Houyi, de retour chez lui, transmit les instructions de Xiwangmu à son épouse et enferma l’élixir dans une boîte. Mais un jour qu’il était à la chasse, le désir de connaître l’immortalité eut le dessus et elle ouvrit la boîte pour boire sa moitié d’élixir. Houyi rentrait juste et surprit sa femme qui, décontenancée, avala sans réfléchir l’intégralité du flacon. Les immortels ont le don de se transporter dans les airs, mais Chang’e, ayant absorbé le double de la dose nécessaire, avait perdu le contrôle de son corps. Elle s’éleva jusque sur la Lune où elle demeure depuis.

(≡・ x ・≡)

Autre histoire :

Dans une légende racontée à Pékin et aux alentours, un fléau mortel arriva dans la ville il y a 500 ans et a commencé à tuer beaucoup de gens. La seule chose qui pourrait sauver la ville de cette épidémie était le lapin de lune. Chang'e a envoyé le lapin lunaire sur la terre pour visiter chaque famille et les guérir de ce fléau. Il a fait cela et n'a rien demandé en retour, sauf quelques vêtements et s'est transformé d'homme en femme. Après avoir guéri la ville de cette peste, elle est retourné à la lune.
A ce jour, les jouets en figurines de lapin portant une armure et chevauchant un tigre, un lion, un éléphant ou un cerf, sont des jouets populaires chez les enfants et les adultes. Ils sont particulièrement populaires pendant le Festival de la Mi-Automne, ou pendant le Nouvel An lunaire sur l'Année zodiacale du lapin (2011).


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Ôkuninushi no Mikoto, the White Hare of Inaba, and the Crocodiles (Katsushika Hokusai - Edo period)

L’histoire du lapin blanc d’Inaba

Ôkuninushi est l’un des nombreux descendants de Susanô, l’une des divinités principales de la mythologie japonaise. Devant se rendre dans la province d’Inaba pour demander la main de la princesse Yagami, les 80 frères d’Ôkuninushi lui demandent de les accompagner pour porter leurs sacs. En chemin, ils rencontrent sur une plage un lapin écorché vif.

L’animal leur raconte qu’il a traversé la mer depuis l’île voisine, sur laquelle il s’ennuyait. Afin de rejoindre Inaba, il s’est joué des requins (ou des crocodiles, ça dépend des versions) en leur demandant de s’aligner dans l’eau pour les compter en sautant sur leur dos, et enfin résoudre l’une des plus grandes énigmes au monde : savoir qui des lapins ou des requins sont les plus nombreux. Le malin lapin réussit ainsi à traverser la mer, mais en arrivant sur le dernier requin, il avoue les avoir trompés et ne pas savoir compter. Vexé, le requin arrache la peau du lapin, qui réussit quand même à s’enfuir de justesse.

Les 80 frères d’Ôkuninushi conseillent au pauvre animal de se jeter dans la mer, puis de laisser sécher sa peau au vent pour soigner ses blessures. Seulement le sel contenu dans l’eau attaque la chair à vif du lapin, qui se tord de douleur sous les rires de la fratrie. Ôkuninushi lui conseille alors de se plonger dans l’eau d’une source, puis de se rouler dans du pollen de jonc. Le lapin s’exécute, sa peau guérit, et il retrouve son pelage blanc. En remerciement, il prédit à son sauveur que c’est lui qui épousera la princesse Yagami – ce qui, bien évidemment, se réalise.

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Le chasseur chassé

 Lapins rôtissant un chasseur à la broche. Lorcher Chorbücher Württembergische Landesbibliothek (1511)

Heinrich Hoffmann: Der Struwwelpeter; Frankfurt am Main : Literarische Anstalt Rütten & Loening, 1917

Le chasseur chassé est un thème récurrent de l'imaginaire. Dans les marges à drôleries des manuscrits gothiques, les enluminures substituent au chasseur, notamment le lapin. Dans les décrétales de Smithfield par exemple, datant de 1330, la punition du chasseur fait l'objet d'un véritable cycle. Un chasseur est terrassé par un lièvre ou un lapin, puis attaché et conduit devant le juge. Condamné à mort, il est mené au gibet puis décapité.

Ils appartiennent à cette catégorie de caricatures qui ont été appelées en français « Monde retourné », le monde à l'envers, dans lequel chaque classe opprimée des êtres animés devient le seigneur et maître de son ancien oppresseur, et sur le principe de la juste réciprocité du crime, le traite avec le même genre de cruauté, ou lui administre une punition, qui pourrai faire passer la mort pour plus avantageuse. Ainsi des carreaux retrouvés dans le Prieuré dominicain de Derby, le lièvre a pris possession de la corne de chasseur et galope avec toute l'ardeur et l'enthousiasme que la chasse peut inspirer.

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Dans La dame à la licorne...

La tenture de la Dame à la licorne a été acquise en 1882. Elle est aujourd'hui considérée comme l'un des grands chefs d’œuvre de l'art occidental.

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Le toucher, le goût, l'odorat, l'ouïe et la vue... Ces six tapisseries, tissées autour de 1500, représentent les cinq sens sur un fond rouge habité d'une nature foisonnante. Reste le sixième sens, commenté par l'inscription « À mon seul désir », qui a inspiré de nombreuses hypothèses. Sans exclure une signification dans le registre de l'amour courtois, il pourrait désigner le libre-arbitre : la femme à la coiffe apprêtée et aux vêtements recherchés renonce aux plaisirs temporels. Ces tapisseries « millefleurs » se caractérisent par une flore abondante: fleurs, orangers, pins, houx ou chênes et sont peuplées d'un bestiaire paisible (singe, chiens, lapins, héron).  Dans cette nature paradisiaque qui invite à la contemplation, la licorne est tantôt actrice et tantôt simple spectatrice. Accompagnée d'un lion, elle porte sur chaque scène les armoiries de la famille Le Viste.

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Les lapins sont d'ailleurs de loin les animaux les plus représentés.

⌒(,,Ő x Ő,,)⌒
Pendant des siècles, la célèbre tapisserie médiévale de la dame à la Licorne a gardé son mystère, jusqu’à ce que, dans les années 1920, puis en 2000, le chercheurs médiévistes s’accordent sur une interprétation spirituelle de l’œuvre. La Dame à la Licorne exprime l’accession au mystérieux « sixième sens ». (Détail du troisième tableau de la tenture représentant « Le Goût »)

Et je note que la dame tient une perruche à collier (un autre sujet qui m'est bien familier !)
Je suis une dame à la licorne, à mon seul désir !

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La vierge au lapin



Tiziano VECELLIO, dit TITIEN (Pieve di Cadore, 1488/1490 - Venise, 1576)
La Vierge à l'Enfant avec sainte Catherine et un berger, dite La Vierge au lapin (Vers 1525 - 1530)
Huile sur toile (H. : 71 cm. ; L. : 87 cm)

Dans un paysage de la campagne vénitienne délimité par les Alpes, des personnages se sont réunis autour d’un panier de victuailles comme pour prendre une collation.
Au centre, la femme en robe rouge et manteau bleu est facilement identifiable : c’est la Vierge ; elle caresse un lapin tout en portant son regard sur son fils, Jésus Christ, que lui tend une femme vêtue et coiffée à la mode de l’époque. A droite, en arrière plan, un homme garde des moutons.
Titien a peint ici une scène religieuse comme s’il s’agissait d’une scène de la vie quotidienne, empreinte de naturalisme et d’intimité.

(Musée du Louvre)

C’est une scène chrétienne et le lapin blanc est symbole de la virginité de Marie.
S’il y avait plusieurs lapins, ils suggéreraient la luxure. On rapporte après analyse aux rayons X, que le Titien avait peint plusieurs lapins qui entouraient la Vierge. Pour échapper aux critiques menaçantes de l’Inquisition, le Titien a placé quelques symboles christianisant une scène profane. Venise avait la réputation, à cette époque, de s’épanouir dans un humanisme heureux et de vivre son catholicisme de manière libérale, bien loin des dogmes et des traditions d’un Vatican lointain.

Dans ce tableau il y a des liens affectueux et de protection : la vierge Marie tient un lapin blanc de sa main gauche, qui serait un symbole de pureté, et son doux regard se porte dans la direction du bébé, la servante (Sainte Catherine) présente ce nourrisson nu à Marie (Jésus), le petit tient le menton de la servante avec sa main gauche et regarde le lapin blanc d'un air joueur en tendant sa main droite dans sa direction. Un berger assis regarde avec distance la scène au premier plan en caressant un animal, l'une de ses brebis. Mais au tout premier plan, en bas à droite, nous pouvons observer le derrière d'un autre lapin qui sort du cadre, afin de réserver l'entière scène au coucher de soleil, dans une forêt généreuse, au lapin blanc, animal central qui contraste, et qui retient toute l'attention. Chacun prend soin de celui ou celle qu'il ou elle regarde.

La lapin dans la symbolique chrétienne, est ambivalent. Il signifie à la fois la fécondité et la luxure. Un couple de lapins dans une scène de Nativité, exalte la naissance fructifère du Messie. Un lapin placé aux pieds de Marie, évoque, par antinomie, la chasteté de la Vierge.

Bugs Bunny est un personnage américain de dessin animé, créé officiellement en 1940 dans les studios de la société Leon Schlesinger Productions (devenu plus tard Warner Bros. Cartoons). Bugs est un lièvre ou un lapin gris anthropomorphe, connu pour son caractère farceur et surtout pour sa phrase fétiche « Quoi d'neuf, docteur ? »

⌒( ´•̥ו̥` )⌒

Soulever un lièvre

Lever (ou soulever) un lièvre, est une expression qui a pour origine la chasse mais qui signifie détecter une anomalie avant les autres ou découvrir quelque chose d'important. Au premier degré, elle fait allusion au chasseur qui débusque l’animal de son terrier. Le lièvre, jusque là tapi dans son gîte, immobile, ses longues oreilles couchées sur son dos (il fait le mort), surgit tout à coup et se met à courir.
Ne serait-ce pas le message que nous souffle l’auteur de la piéta ? « Lever » le lièvre ? « Soulever » le mort ?

En grec ancien, le verbe ressusciter n’existe pas. Il est remplacé dans la Septante (Ancien Testament en langue grecque) et dans le Nouveau Testament (entièrement écrit dans cette langue) par l’expression « se relever des morts ».
Lever ou soulever un lièvre serait donc une métaphore de la résurrection.



Hokusaï


 ̄(•ㅅ•) ̄

Alchimie


Dans les mythes amérindiens, le lièvre est un héros culturel, rusé, malin, capable de vaincre plus fort que lui (ours, buffles) tenant à la fois de Robin des bois, de Peter Pan et du Trickster (farceur), ce Fripon divin dont l’universalité a été démontré par C. G. Jung, se rapproche symboliquement de Mercure, dieu des voleurs et des tricheurs, des chenapans espiègles, lui-même symbole du premier stade du Mercure des alchimistes. Tout comme l’enfant-Mercure qui deviendra Hermès, le messager des dieux, le lièvre lunaire amérindien peut se transcender en « grand lapin » ou en « grand lièvre », également intercesseur entre les hommes et le principe divin (le Grand Manitou)

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Mofutans


Mofutan est l'un des derniers personnages créé par la société San-X. Avec leurs formes "délicieusement bizarres", ils représentent en réalité des lapins en forme de mochi (célèbre gâteau de riz japonais). La société a même proposé aux fans de leur envoyer la photo de leur(s) lapin(s) pour qu'elle puisse les illustrer en version Mofutans et les poster sur twitter.

、., ⌒ 、., ⌒ 、., ⌒ 、., ⌒ 、., ⌒ 、., ⌒ ̄(=∵=) ̄ Les mochis :


⊂((・x・))⊃
Le mochi fait partie de la grande famille des wagashis, pâtisseries traditionnelles japonaises parmi lesquelles figurent par exemple les yokans, gelées à base d’agar-agar, ainsi que les nerikiris, sculptures miniatures & comestibles. Le mochi se définit par sa composition : c’est une préparation à base de riz gluant. Il peut prendre des formes très diverses, aussi bien salées que sucrées. Toutefois, le terme « mochi » renvoie le plus souvent à l’univers pâtissier et à une texture élastique. Il peut prendre des formes variées : dango (petites boules montées en brochettes), gyuhi (mochi particulièrement mou) ou daïfuku

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Les Mofutans existent en plusieurs couleurs et en plusieurs formes.
« Mofu Mofu », doux et câlins. Les lapins mochi Mofutans aiment se blottir et jouer ensemble. « Mofu » signifie moelleux en japonais. Les Mofutans sont aussi doux et extensibles que le dessert japonais Mochi, et aussi collants. Ainsi, ils se collent facilement les uns aux autres dès qu'ils se touchent. Tous les personnages Mofutans - Tomotan, Potechi, Chamu Chamu, Norimaki, Ikimonogakari - appartiennent à une race différente de lapins moelleux, mais ils font partie de la famille Mofutan et resteront donc toujours blottis ensemble.

Voir films ici et ici.


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(๑་ ༝ ༌๑)ෆ*






Par kiwaïda at 21:00

07/02/2018

子0‷

Self-Portrait, Girl Scout Applying Lipstick, North Massapequa, NY, January 1975 © Meryl Meisler

Untitled Film Still, North Massapequa, NY, Thanksgiving 1976 © Meryl Meisler

Parrot Pants, Cherry Grove Fire Island, NY August 1977 © Meryl Meisler

Long Wavy Haired Blonde with Leather Pants Standing in CBGB, NY, NY, April 1978 © Meryl Meisler
  • Biographie

Meryl Meisler est né en 1951 dans le South Bronx et a grandi à North Massapequa, Long Island, NY. Inspirée par Diane Arbus et Jacques Henri Lartigue, Meryl a commencé à photographier elle-même, sa famille et ses amis tout en s'inscrivant à un cours de photographie donné par Cavalliere Ketchum à l'Université du Wisconsin à Madison. En 1975, Meryl retourne à New York et étudie avec Lisette Model, continuant à photographier sa ville natale et la ville qui l'entoure. Après avoir travaillé en tant qu'illustratrice indépendante le jour, la nuit, Meryl a fréquenté et photographié les célèbres clubs dicos de New York. Avec une bourse d'artiste de l'AECG en 1978, Meryl a créé un portfolio de photographies qui ont exploré son identité juive pour le Congrès juif américain. Après l'AECG, Meryl a commencé une carrière à 31 ans en tant que professeur d'art à l'école publique de New York.
Après avoir pris sa retraite du système scolaire public de New York en 2010, Meisler a commencé à exposer des travaux inédits. La première monographie de Meryl, A Tale of Two Cities: Disco Era Bushwick (Bizarre, 2014), a eu une bonne réception intrenationale. Le livre juxtapose les photos disco avec des images du quartier brûlé pourtant de Bushwick, Brooklyn, dans les années 1980. Son deuxième livre, Purgatory & Paradise SASSY '70 Suburbia & The City (Bizarre, 2015), met en contraste les photographies intimes de la vie à la maison sur Long Island et les photographies de la rue et de la vie nocturne de New York.

  • Quelques informations

Cette photographe américaine, dans les années 70-80, écume les discothèques et vit la nuit. elle va au Studio 54 au rythme de Donna Summers et Gloria Gaynor, avec son appareil photo au cou, un Graflex Norita. Elle sélectionne ses modèles, le coût de développement des pellicules, à l’époque est élevé.
En 1977, elle entend parler du Bushwick, à la suite du blackout. Partout dans les médias, c’est un quartier en feu, où règnent la discorde, la violence et les émeutes. Cet endroit lui fait peur, comme à beaucoup de new-yorkais. Pourtant, quelques années plus tard, elle accepte un poste d’enseignante dans une école du Bushwick. Elle photographie la ville, les habitants. Ses photographies deviennent une banque de données sur l’évolution des habitants de New York, sur les changements de mentalités, mais aussi de pouvoir faire un comparatif avant/après Blackout.
Meryl Meisler plus qu’une autre photographe a su saisir l’esprit du New-York des années 70. Ignorant la 5ème avenue et les bordures huppées de Central Park, elle s’est intéressée aux rues interlopes des boîtes de nuit de diverses sous-cultures : « CNBG » pour les Punks, « Studio 54 » pour le disco et clubs extrémistes pré-Sida. Mais avant de se « perdre » dans ces lieux de stupre et de fornications l’artiste s’est intéressée à sa banlieue natale : Long Island, Massapequa – nommée « Matzoh Pizza » pour la présence majoritaire des familles juives et italiennes. Elle y fit plus que ses classes. D’abord dans des autoportraits dégingandés puis en shootant sa famille et des voisins.
Ayant grandi à Long Island dans les années 1950 et 1960, Meryl Meisler avait la vie de banlieue typique: scouts, cours de ballet et de claquettes, et bal. Mais, bien qu'elle aimait sa famille et ses amis, elle ne s'y sentait pas très bien. Elle s'est vite rendu compte qu'elle ne voulait pas être une ménagère, une enseignante, une infirmière ou une secrétaire - à peu près les seules options disponibles pour les jeunes femmes. Lorsque Meisler a atteint sa majorité, elle a commencé à découvrir sa sexualité en tant que lesbienne ainsi que son identité en tant qu'artiste. "La photographie est dans mes gènes", a déclaré Meisler. Son grand-père paternel, Murray Meisler, son oncle Al et son père Jack avaient tous été des praticiens de l'art pendant toute leur vie. Meisler a obtenu son premier appareil photo jeune, mais ce n'est que lorsqu'elle s'est inscrite à l'Université du Wisconsin à Madison au milieu des années 1970 qu'elle a appris sérieusement l'art en poursuivant une maîtrise en art. Pendant les vacances scolaires, elle est retournée dans sa maison d'enfance, où elle a organisé une série d'autoportraits qui ont examiné son passé, son présent et son avenir. À ce stade, Meisler n'avait pas entendu parler de Cindy Sherman, mais elle avait le même instinct. Elle a cherché à examiner la construction du genre féminin, de ses rituels à ses poses à ses personnalités.
Souvent restée dans l'ombre, son travail est revisité et exposé aujourd'hui. On la découvre.

Ses livres :

A Tale of Two Cities: Disco Era Bushwick et Purgatory & Paradise SASSY ’70s Suburbia & The City
sur The Strand  et  Amazon

  • Meryl Meisler m'a écrit un petit mot sympathique au sujet de mon blog, échanges états-uniens et insulaires.
    So magic and beau-bizarre ;.)

Par kiwaïda at 23:56

04/02/2018

ⓐⓒⓣⓘⓞⓝⓢ

SMILEY © Thejazzist.nu - shop / (photographie © Sonia Marques)

Par kiwaïda at 13:41

31/01/2018

ℐℓ℮ṧ ∂ʊ ﹩αʟυ☂

iles-salut.jpg

En allant à la piscine ce matin, je découvre une photographie d’une carte postale ancienne nommée "Iles du Salut - L'île du Diable et le bain des forçats à l'île Royale" qui m'est adressée personnellement. Mon ami me dit que cela a sans doute un rapport avec les îles dont j'ai aimé développer la thématique dans mes activités artistiques il y a un certain temps. Au dos figurent en écriture manuelle imprimée un tas de noms de personnes, maire, adjointe à la culture… annonçant une exposition de l'artiste Étienne Cliquet, avec lequel j'ai vécu de longues années. Le tampon vient de Montauban, là où nous sommes allés chercher ma perruche indienne bleue, il y a 7 ans, Pépino.

Au début j'ai pensé "Île du Salut", salut pour qui ?
Et Île du diable, c'est qui le diable ?
Et qui sont les forçats, qui sont les personnes condamnées aux travaux forcés ?
En cherchant sur Internet je découvre que cette carte postale fait partie d'une archive à la bibliothèque spécialisée de Paris :

[Affaire Dreyfus]. Iles du Salut. L'Ile du diable et le bain des forçats à l'Ile royale
Carte postale, impression photomécanique en noir et blanc ; 9 x 14 cm
(Au verso, mention "Carte postale de la Guyane française”)
Ville de Paris / BHVP / Roger-Viollet

Tombée dans le domaine public.
Où sont ces îles ?
Sur Internet je trouve des réponses, puisque je n'en ai pas par l'artiste, ni par celui que j'ai connu.

Les îles du Salut forment un archipel constitué de trois îlots d'origine volcanique rattachés à la Guyane, et situés à quatorze kilomètres au large de Kourou. Seules les îles Royale et Saint-Joseph sont accessibles, l'île du Diable, la plus au nord, étant strictement interdite d'accès, notamment à cause des forts courants.

Les épidémies de fièvre jaune dues à l'insalubrité du climat guyanais, au manque de nourriture et d'eau potable, ainsi que les installations précaires et le manque d'organisation, avaient décimé la plus grande partie des colons d'origine française, convoyés en Guyane pour peupler le territoire. Les survivants, qui trouvèrent refuge sur ces îles au climat plus favorable et dépourvues de moustiques, les rebaptisèrent alors « Îles du Salut ».
Après les premiers colons, c'est aux esclaves noirs que fut confiée la lourde tâche de défricher ces territoires. Les rescapés furent autorisés à rejoindre ceux du continent, pour fonder les premières communautés le long du fleuve Maroni.
Mais ce « salut » fut de courte durée et la réputation de « triangle maudit » et de « terre d'enfer » allait être confirmée dès la Première République par la construction d'une forteresse, en 1793, pour y accueillir les premiers déportés politiques, à commencer par quelque deux cents prêtres réfractaires.
Ensuite, avec l'abolition de l'esclavage en 1848 et l'opposition politique grandissante aux bagnes sur le territoire métropolitain, l'idée de substituer des bagnards aux esclaves se fit jour.
Sous le Second Empire, à partir de 1854, l'administration pénitentiaire y instaura un des bagnes les plus durs au monde, où passeront environ 70 000 prisonniers.
L'île Royale accueillait l'administration ainsi que l'hôpital, l'île Saint-Joseph servait pour les « fortes têtes » et l'île du Diable pour les espions, les détenus politiques ou de droit commun.
Il s'agissait du bagne réputé le moins dur de Guyane. Le taux de mortalité y était inférieur à ceux des bagnes établis en pleine forêt guyanaise, comme le bagne des Annamites. Mais les conditions de détention n'en étaient pas moins humiliantes avec des cellules sans toit, recouvertes d'une simple grille, tout comme au bagne de Saint-Joseph, où tous les gestes des détenus étaient épiés par les gardes qui se tenaient au-dessus.
Alfred Dreyfus (1894) et Guillaume Seznec (1923) en furent les prisonniers les plus célèbres, ainsi qu'Henri Charrière (1933), qui décrivit dans son livre Papillon, son séjour et ses tentatives d'évasion (souvenirs en fait souvent « empruntés » à ses codétenus). Enfin, Benjamin Ullmo (1908) passera également les deux tiers de sa vie à l'île du Diable, dans la case même où vécut Dreyfus.
Après la fermeture du bagne qui, décidée par un décret-loi du gouvernement Daladier en 1938, ne fut réalisée qu'en 1947, les installations pénitentiaires seront laissées dans leur état de grand délabrement jusqu'à l'implantation du centre spatial guyanais en 1965 à Kourou. Devenues la propriété du Centre national d'études spatiales (CNES) en raison de leur intérêt stratégique, sur la trajectoire des fusées Ariane, les îles du Salut sont évacuées avant chaque lancement, à l'exception de la propriétaire de l'auberge de l'île Royale et de quelques gendarmes.
Depuis les années 1980, grâce à l'essor touristique des îles et à la volonté de sauvegarder une partie du patrimoine historique, le CNES a permis la remise en état de la Chapelle de Royale, de la maison Dreyfus (non visitable) ainsi que certaines cellules du quartier des condamnés. Enfin, la maison du Directeur a été aménagée en Musée du Bagne.


Alors si l'affaire Dreyfus est mentionnée au dos, je me documente sur ce déporté politique :

Le déporté de l'île du Diable

L'incarnation d'un misérable


C'est dans les îles du Salut, utilisées comme bagne par le Directoire puis sous Napoléon III, qu'en vertu d'une loi promulguée le 9 février 1895, Alfred Dreyfus va vivre ce que le gouverneur de la Guyane appelle l'expiation du crime pour lequel il a été condamné. Transporté comme un vil gredin, il ne se révolte pas, écrivant à sa femme, le 12 mars : « ce n'est que justice. On ne saurait accorder aucune pitié à un traître ; c'est le dernier des misérables et tant que je représenterai ce misérable, je ne puis qu'approuver ».

Des tortures imméritées

Premier et seul déporté politique à ne pas être envoyé en Nouvelle-Calédonie où avaient notamment vécu les communards, il est installé sur l'île du Diable, ancienne léproserie où on lui aménage une cabane en pierres. Le 3 septembre 1896, la fausse nouvelle d'une évasion mobilise la hiérarchie de ses geôliers ; Dreyfus subit des tortures imméritées et, du 6 septembre au 20 octobre, la mise aux fers chaque nuit, le martyre de la double boucle. S'il dispose d'une case plus spacieuse après le 25 août 1897, la palissade de son promenoir lui masque toute vue sur l'île ou la mer ; seules les lettres des siens maintiennent son moral.

Un prisonnier modèle


Il passe 1517 jours sur l'île du 13 avril 1895 au 9 juin 1899. Trouvant épouvantable de n'avoir rien à faire, il lit beaucoup et écrit longuement à sa femme. Il demande aussi régulièrement justice. Dès le 5 octobre 1895, il sollicite du président de la République « qu'on fasse la lumière pleine entière, sur cette machination dont ma famille et moi sommes les malheureuses et épouvantables victimes ». Le 10 septembre 1896, il réitère sa demande au président Félix Faure pour qu'on recherche le « véritable coupable, l'auteur de cet abominable forfait ». Tenu dans l'ignorance du développement de l'Affaire en France, il continue d'être un prisonnier modèle. Le 26 janvier 1898, il l'explique à sa femme : « J'ai tout accepté, tout subi, bouche close. Je ne m'en vante pas, d'ailleurs, je n'ai fait que mon devoir, uniquement mon devoir ».

Le langage de la Vérité

S'il subit un processus de terreur qui coûte entre 50 000 et 60 000 francs-or annuellement (V. Duclert), s'il se sent cloué sur un chevalet de torture, Dreyfus résiste en tenant son journal, en dessinant, en écrivant plus de mille lettres. Le 26 décembre 1898, quand il peut espérer sa réhabilitation, il répète à sa femme : « si j'ai vécu, c'est pour vouloir mon honneur, mon bien propre, le patrimoine de nos enfants(...) Quand on a derrière soi tout un passé de devoir, une vie toute d'honneur, quand on n'a jamais connu qu'un seul langage, celui de la Vérité, l'on est fort, je te l'assure, et si atroce qu'ait été le destin, il faut avoir l'âme assez haute pour le dominer jusqu'à ce qu'il s'incline devant vous ».

Il est étonnant que je reçoive un tel objet de mémoire d'Alfred Dreyfus, capitaine de l'armée française, juif, prisonnier sur l'île du Diable, dans laquelle il fut torturé, déjà accusé, à tord, d'espionnage pour les allemands dès 1894. L'affaire Dreyfus, ce nom vient de ce conflit social et politique majeur de la Troisième République survenu à la fin du XIXe siècle, un symbole du nationalisme et de l'antisémitisme ambiants, qui trouveront tout leurs développements aux guerres suivantes. Le mot "intellectuel" viendra de cette affaire, car "J’accuse… !" est le titre d'un article rédigé par Émile Zola au cours de l'affaire Dreyfus et publié dans le journal L'Aurore du 13 janvier 18981 sous la forme d'une lettre ouverte au président de la République française, Félix Faure.

Un homme de lettres s'engage résolument dans un combat pour la justice, politique et sociale. Le réquisitoire journalistique de Zola convainc. De nombreux intellectuels signent alors, à sa suite, une « protestation » en faveur de la révision du procès, publiée elle aussi par L'Aurore dès le lendemain de « J’accuse… ! ». C'est la première des nombreuses pétitions qui vont rassembler de plus en plus d'intellectuels. Parmi eux, Anatole France, Georges Courteline, Octave Mirbeau ou Claude Monet, mais aussi Charles Péguy, Lugné-Poe, Victor Bérard, Lucien Herr, ou Alfred Jarry. Les signatures ont été recueillies par des étudiants ou de jeunes écrivains comme Marcel Proust.

Ces pétitions rassemblent aussi d'éminents scientifiques tel Émile Duclaux, directeur de l'Institut Pasteur. Les pétitions des quarante écrivains, des artistes, de l'Université, des scientifiques totalisent 1 482 signatures. Mais l'engagement de l'élite ne dépassera pas les 2 000 intellectuels, du fait des pressions et des risques importants sur les carrières65. Ils formeront quand même l'ossature dreyfusarde, ceux qui par leur esprit et leur engagement vont parvenir à convaincre une partie des pouvoirs publics de la nécessité de réviser le procès d'Alfred Dreyfus. Cette affaire est celle de l'injustice militaire : Dreyfus est réintégré partiellement dans l'armée, au grade de chef d'escadron (commandant), par la loi du 13 juillet 1906. Ses cinq années d'incarcération ne sont pas prises en compte pour la reconstitution de sa carrière, et il ne peut plus prétendre à un grade d'officier général. Cette décision brise tout espoir d'une carrière digne de ses réussites antérieures à son arrestation de 1894. Il est donc contraint à une douloureuse démission en juin 1907. Les magistrats ne pouvaient rien contre cette ultime injustice volontairement commise. Le droit et l'égalité avaient été encore une fois bafoués215. Dreyfus n'a jamais demandé de dédommagement à l'État, ni de dommages-intérêts à qui que ce soit. La seule chose qui lui importait, c'était la reconnaissance de son innocence. Le 4 juin 1908, à l'occasion du transfert des cendres d'Émile Zola au Panthéon, Alfred Dreyfus est la cible d'un attentat. Louis Grégori, journaliste d'extrême droite, adjoint de Drumont, tire deux coups de revolver et blesse Dreyfus légèrement au bras. Il s'agissait, pour l'Action française, de perturber au mieux cette cérémonie en visant « les deux traîtres » : Zola et Dreyfus. Mais aussi de refaire le procès Dreyfus au travers d'un nouveau procès, une revanche en quelque sorte. Le procès aux Assises de la Seine, d'où Grégori sort acquitté, dernière d'une longue série de fautes judiciaires, est l'occasion de nouvelles émeutes antisémites que le gouvernement réprime mollement. Officier de réserve, Dreyfus participe à la guerre de 1914-1918 au camp retranché de Paris, comme chef d'un parc d'artillerie, puis affecté au Chemin des Dames et à Verdun. Il termine sa carrière militaire au grade de colonel. Il meurt le 12 juillet 1935 à l'âge de soixante-seize ans dans l'indifférence générale.


Donc je me demandais, pourquoi avais-je reçu cette carte ? Mes derniers travaux se nomment "La vérité" et sont issus d'une affaire de harcèlement moral dans mon domaine professionnel : une école d'art dépendante du ministère. Étienne Cliquet est aussi professeur en école d’art. Je ne peux qu'y voir dans cette carte adressée un signe, même si j'imagine que tous les destinataires, les 800, ont reçu la même carte. D’ailleurs l’adresse mail associée présente un site Internet qui ne fonctionnera que le 9 février 2018 :
grisolles.cc

Mystère...

L'annonce est celle-ci :

Par travail extrêmement documenté, Etienne Cliquet est invité à porter son regard sur les collections d’arts et traditions populaires du musée Calbet et sur l’histoire de Grisolles. Dans une démarche proche de l’artiste en résidence par la fréquence de ses déplacements, sa curiosité à découvrir Grisolles et son souci de la collecte iconographique, il nous dévoile sa géographie grisollaise personnelle moins comme une carte routière à tracés que comme une carte postale à vignettes donnant différentes perceptions d’un lieu de villégiature.

Sinon j'ai pu lire que la spécialité de cette ville, Grisolles, c'est les balais, sur le site Internet d'un artiste, David Michael Clarke, qui avait été invité en 2016 et réalisé un hérisson géant :

L’histoire industrielle de la ville de Grisolles est celle des balais. Les balais traditionnels de Grisolles, fabriqués en sorgho sont reconnus dès le XVIIe siècle. Au milieu du XIXe siècle la production des balais passe en mode industrielle. Au plus haut point, on a pu compter une vingtaine d’ateliers, environ 400 ouvriers et une production de 6000 balais par jour. Jean-Marc Coulom est le dernier fabricant de balais toujours en activité à Grisolles.

Je me suis souvenue de plusieurs choses dans ces histoires d'îles et celle que j'avais découverte : Seuqramainos. Plusieurs publications et articles, workshops et conférences, dans différentes villes de France ont relaté mes développements insulaires. J'avais également ouvert une université, pour une personne, nommée Nissologie (la science des îles) D'ailleurs kiwaïda, vient d'un yéti crabe découvert en eaux profondes est une extension de ces recherches artistiques. Un site Internet et ce blog bmk sont des partitions d'écritures de ces recherches quotidiennes. Ces recherches sont issues d'une réflexion sur le groupe et le collectif, car avec Étienne Cliquet, nous avions fondé un collectif d'artistes, d'informaticiens, de musiciens, d'amateurs, dans les arts numériques, un réseau social artisanal avant l'heure, nommé Téléférique, d'une vision poétique de l'informatique sur l'espace et ses téléchargements (avant que le mot ne soit courant !) Cette réflexion séparatiste du groupe, après avoir partagé toutes mes recherches intellectuelles et artistiques fut salutaire. Elle a engagé de plus ouvertes destinées et laisser les histoires informaticiennes aux informaticiens. Mon île du salut.
Ma liberté.
Alors j'étais étonnée de recevoir une carte postale, parmi les 800 envoyées d'après l'artiste, avec cette île en visuel d'une exposition. Même si Étienne Cliquet, après lui avoir demandé des explications, dit de cette carte qu'elle "fait référence à la commune de Paris qui a été réprimée courant 1871, et que et que celles-et ceux qui ont eu la vie sauve ont été envoyé sur l'île du diable en Guyane comme prisonniers politiques" Je n'en sais pas plus. Il faudra attendre le 9 février et se rendre sur le site Internet au nom de la ville, dont le projet semble issue d'un parcours touristique. Je n'ai pas le même point de vue sur "la commune" puisque des communistes m'ont bannie de ma vie d'enseignante en utilisant le harcèlement moral, le tribunal, les saisies sur mon salaire, des injustices sidérantes couvertes par le ministère (à ses dépends ou avec sa participation ?) Je me suis demandée si cette carte postale n'était pas le signe qu'une communauté pouvait lyncher une personne et la condamnée au bagne, une injustice d'État.
Amnésie.
Un article écrit en 2006, sur son blog décrit sa découverte de ma pensée, de l'île de Seuqramainos, et aussi quelques tissages personnels de ce regard sur cette solitude artistique.

"Sonia Marques a créé en 2001 un site web qui s'appréhende comme une île sur le réseau. Seuqramainos est un isolat dans un monde interconnecté dont il n'existe pas de cartes sur les moteurs de recherches. On y échoue plutôt par hasard et la navigation y est plus qu'hasardeuse. L'image prégnante qui sous-tend Seuqramainos, une île sur Internet, permet d'évoquer avec force qu'Internet recèle une part invisible et nous rappelle que les secrets sont encore possibles. Ce hors-champ ouvre tout un imaginaire dont la présence symbolique est égale à son invisibilité. Pour reprendre Filliou, on pourrait écrire à propos de l'île de Seuqramainos un nouveau principe d'équivalence, Bien vu, Mal vu, Pas vu. L'invisibilité sous différentes formes poétiques apparaît chez Sonia et certaines communautés sur le net comme une réponse nécessaire au spectacle des mass-médias, à l'hypertrophie du visible, la visibilité annexée à la surveillance. Cette recherche des limites de la visibilité sociale n'est pas un acte de paranoïa mais plutôt une indifférence sereine en ce qui concerne la médiatisation de l'art et sa visibilité, omniprésente ou absente, permanente ou temporaire, dithyrambique ou assassine. Le travail de Sonia prend place dans les médias tout en se préservant paradoxalement de la médiatisation. La manière dont elle formule cette défiance me semble très singulière et m'a convaincu d'en décrire certains exemples, principes, perspectives ainsi que les conditions qui permettent de comprendre en quoi cette invisibilité ou relativité des visibilités est amené à exister de plus en plus. "

Je l'inscris ici, afin d'y contextualiser ses références à ce moment. Mes références étaient différentes.

Comment les écoles d'art ont-elles pu exclure ces pensées et pourquoi, après s'en être servi sans rien y comprendre ?
Je vis sans doute un moment où la bêtise a le beau rôle, celui de punir, bannir, anéantir, et où les intellectuel.les sont leurs prisonniers. Libérez-nous !


 ww

Ce qui est assez mignon, c'est de me souvenir en redécouvrant cet article, que j'avais réalisé un origami, un lotus rose en papier, depuis un mode d'emploi sur Internet (on était vers les années 2000) pour réaliser de jolies serviettes (en tissus) sur la table d'un restaurant chinois ou tibétain. J'avais pris plusieurs photographies, comme souvent, de cette réalisation posée dans le creux de ma main. Elles étaient en ligne sur l'île de Seuqramainos (Le secret dans la main) C'est l'une de ces photographies qu'a retenue l'attention d'Étienne Cliquet à un moment où il ne connaissait pas encore l'origami. C'est chou !

Et là, en écrivant cet article, une odeur de coriandre, de menthe... Ou est-ce les lapins et leurs herbes fraîches ? Ou les nouvelles soupes que je prépare ? Oui c'est l'odeur d'un restaurant thaïlandais si délicieux, notre QG, du collectif Téléférique, après une démo, ou une session de travail, ou juste à deux en marchant longuement depuis notre logement et vers le périphérique. Ce restaurant est resté unique dans mes saveurs et ma découverte de cultures asiatiques différentes. Avec Makoto et Yoshinori, Aki et tant d'autres baladins que nous avions embarqués dans ce petit joyau caché exotique, affamés toujours et reconnaissants. Banlieusards.

À mes hôtes japonais, qui m'ont fait retrouver le goût des herbes fraîches aromatiques.
À ma sœur et son cadeau magique et réconfortant pour cuisiner.
Aux quatre amis, l'éléphant, le singe, le lapin et un perroquet.
À nous.

Au périph !

"Sans cette relativité, nous serions complices d'une amnésie"


Par kiwaïda at 22:39

31/12/2017

฿☮ИИ∃ ѦℕИÉ∃ 2018

bonne_anner2018.jpg

Bonne année 2018 (Photographie © Sonia Marques - Limoges, 31 décembre 2017)

Par kiwaïda at 18:20

11/12/2017

łα Ⅴéяḯ☂é

La vérité

© Sonia Marques (2013-2016)

Par kiwaïda at 20:24

05/11/2017

ᒪéᘐèᖇᗴ ﬡᗢ♈ᙓ ᙓჯ♈ᖇêᙢᙓ ᙓ♈ ᕈᙓᖇᖙᘎᙓ

  • Une enfant :
  • J'aimerai devenir artiste.
  • Et que réaliserais-tu ?
  • Des choses, je ne sais pas encore, je veux vivre.
  • Que connais-tu comme choses ?
  • J'ai vu des couleurs, des pierres sur le sable, la peinture des maisons, des carrelages.
  • Comment tu vas faire ?
  • Je ne sais pas, je sais que c'est ce que je veux faire.
  • Tu connais des œuvres d'art et des artistes ?
  • Oui, dans ma famille, ils sont tous artistes, mon père construit des maisons, ma mère fait des gâteaux, ma tante s'habille avec des couleurs, et ils chantent et ils dansent.
  • Non, je te parlais des artistes connus.
  • Ils sont très connus et ils voyagent.
  • Est-ce qu'ils vivent de ce qu'ils font ?
  • Oui c'est sûr, et ils m'apprennent des choses.
  • Il existe des écoles d'art où l'on apprend à être artiste.
  • Cela veux dire que dans ma famille, ils pourraient apprendre ce qu'ils savent à tous les enfants, leurs apprendre à tous, à être artistes ?
  • Non, ta famille ne le peut pas, elle n'est pas connue.
  • Connue de qui ?
  • Le président ne la connait pas.
  • Et comment on fait pour apprendre aux autres dans les écoles d'art à être artistes, à aimer les choses, les couleurs, les pierres sur le sable, la peinture des maisons, des carrelages, à danser et chanter ?
  • Il faut que tu deviennes professeur, mais avant artiste.
  • Mais tu m'as dit que ma famille ne peut pas apprendre aux autres dans ces écoles car le président ne la connait pas, comment moi je peux devenir professeur ?
  • C'est vrai, tu as raison, tu ne le peux pas, en plus tu es une fille, donc ce sera impossible, sinon tu mourras.
  • Pourquoi les filles meurent dans notre pays, si elles veulent être artiste et deviennent professeur ?
  • Tu es trop petite, il vaut mieux que tu continues à aimer les choses, les pierres sur le sable, la peinture des maisons, des carrelages, à danser et chanter, ainsi tu ne connaîtras jamais le président.
  • Alors je peux continuer à rêver ?
  • Oui, si tu ne le dis à personne, garde ce secret pour toi.
  • Mais si je veux le partager, apprendre aux autres ?
  • Alors apprends leurs à ne jamais montrer leurs belles choses.
  • Mais si personne ne montre les belles choses, comment on peut apprendre ?
  • Si, les belles choses seront là, la différence c'est qu'il existera toujours des personnes qui ne savent pas les voir.
  • Elles sont aveugles ?
  • Non, cela ne concerne pas la vue, car tu peux être aveugle et danser et chanter et sentir les pierres sur le sable.
  • Et le président il est aveugle ?
  • Tous les présidents sont élus par des aveugles, sinon les femmes artistes pourraient vivre plus longtemps dans l'histoire de l'art, et les lois sont faites par et pour le président et pas pour les femmes.
  • Mais le président peut voir quand même avec ses yeux ?
  • Oui tout à fait, il voit les choses, mais il fait comme si elles n'existaient pas.
  • Bon, on ne peut pas apprendre aux autres, on ne peut pas faire de belles choses, mais est-ce qu'on peut changer de pays ?
  • Ce sera peut-être pire, mais tu viens déjà d'une famille qui a changé de pays, alors, tu sais que changer de pays c'est toujours un risque, parfois c'est la source de la création, de l'invention.
  • Voyager c'est la création ?
  • Aimer ce que tu fais là où tu es et partager tes créations, c'est déjà voyager.
  • Tu crois que cette enfant va comprendre les choses ?
  • Oui, il ne vaut mieux pas que cette enfant réussisse un concours dans une école d'art, elle sera obligée de suivre les idées dominantes et sera harcelée, peut-être violée. Ce n'est pas le lieu de création pour une enfant dans notre pays.
  • Mais si elle arrive à ne pas suivre les idées dominantes, à ne pas se laisser faire ?
  • Comment le peut-elle ?
  • Si elle dénonce les violences ?
  • On ne la croira pas, ses amis à l'école, ses professeurs, il y aura une omerta qui l'obligera à arrêter ses études.
  • Si, elle ne dénonce pas et ne se laisse pas faire, et passe pour une bizarre ?
  • Peut-être, admettons, mais elle sera obligée si elle veut exposer ses réalisations par passer par les mêmes idées dominantes et être harcelée et peut-être même violée.
  • Si elle trouve un moyen de continuer sans exposer dans les lieux où il y a des violeurs et des femmes complices qui aussi harcèlent et chouchoutent les prédateurs ?
  • Elle sera isolée.
  • Mais si elle est isolée de ce système de l'art qui est malsain et ne fonctionne que pour quelques élus, alors c'est bien, non ?
  • Oui, si elle trouve d'autres personnes comme elle, qui ont appris.
  • Et si en fait, ces autres personnes sont encore plus nombreuses que ce milieu dont les règles sont idiotes.
  • Alors c'est cela la création, l'invention, c'est un jeu où elle peut jouer, ce n'est pas ce qui est montré.
  • Et si elle l'avait déjà trouvé.
  • Elle ne le dirai à personne, si c'est une joueuse.











"Les tulles surtout, si légers, qu'ils étaient comme la note extrême et perdue"
Photographies © Sonia Marques (novembre 2017 - Tulle)

Par kiwaïda at 16:04

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