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blog m kiwaïda

22/09/2018

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FABULA, exposition de Stephan Balkenhol

Je n'avais pas d’appareil photo, mais j'ai trouvé cette fonction sur mon téléphone portable vétuste et l'objectif de piètre qualité. Je me suis appliquée plus que de coutume et je trouve que c'est pas mal du tout, finalement. Drôles de flous et d'ombres parfois, de points de vue. C'est que je suis tombée par hasard, sans carte, ni programmation, sur des expositions en galeries à Paris que j'ai bien appréciées. Il faut bien entendu avoir une certaine expérience des chemins, se souvenir des trottoirs et des histoires, des amis, des années, des échanges, des évolutions de tous et tant de beaux chemins parcourus. Il y avait l'artiste Stephan Balkenhol, dont je connais les œuvres depuis très longtemps, mais celles-ci étaient assez étonnantes, toujours travaillées dans le bois. Un groupe d'étudiant en master, tel un troupeau a envahi l'espace nu et vide, où figurait une gigantesque sculpture impressionnante représentant Persée tenant la tête de méduse. Je trouve toujours cela très intéressant ce mélange d'étudiants ou d'êtres humains, avec les sculptures figuratives. Surtout pour ce géant carnavalesque, mais avec la touche habituelle de l'artiste (Persée ici a son petit pantalon Balkenhol, noir, très reconnaissable), car les échelles se trouvent encore plus éprouvées. La tête est d'une belle facture, légèrement colorée, ses cheveux, de grosses formes en bois et ces visages placides et sans expressions bien identifiables de l'iconographie du sculpteur. Cette scène fut assez fabuleuse, pour autant que le titre de cette exposition, Fabula, se montrait fière et au-dessus des autres, lors de ma première pause de rentrée. Une chance médusante. En continuant ma traversée fantastique dans des rayons de soleil perçants, après une pluie battante, Paris était comme endormi, enseveli dans un calme inquiétant, peut-être sous une buée d'articles de journaux peu fringants, en cette rentrée flop. Les rues vides, les galeries vides, les œuvres seules et bien visibles, avec quelques initiés condescendants mais pas de fête, ni de sourires. Il y a comme une tristesse qui fige Paris, dans des grilles et des mètres carrés très limités, très coûteux, qui ne permettent plus, à tous, de venir, de visiter. Il y a un sentiment d’épuisement et de sens perdu, de toutes ces individualités qui se côtoient sans jamais s'adresser un mot, se croisent et se bousculent pour ne pas être en retard. Il y a de la fatigue et ces personnes pouponnées au métro, les yeux endormis des matins très tôt, le dos tournés aux inconnus, pieds nus et quasi pourris, allongés quasi morts, tant de personnes considérées comme personne, abandonnées par le même corps de ces êtres humains. Et puis, il y a Balkenhol et ces galeries blanches, combien de corps exposés, vus, ignorés, valorisés, d’œuvres mortes aussi, abandonnées... Tous ces corps qui traversent la rue et n'ont pas trouvé de travail, perdent le sel de la vie. La vie est-elle plus palpable dans ces galeries parisiennes ? Quand on s'approche d'un corps taillé dans du bois, que l'on sent même l'odeur de ce bois travaillé ? Est-ce que l'expression artistique nous apporte du sel ? Oui, aujourd'hui, je peux l'écrire, dans ces rayons de soleil, des formes exprimées me donnent plus accès à un imaginaire, à mon imagination, à ce que la pensée peut produire, de sens, justement, de lignes prometteuses, et non de "projets". N'est-ce pas ainsi, que l'on se sent pousser des ailes, faute de devoir traverser la rue pour trouver un emploi ? Trouver un emploi. Sourions aux manigances faites de pailles, à ces épouvantails qui empêchent les oiseaux de se nourrir, de trouver du travail dans tous ces champs, qu'ils ont eux-même produits... Alors puisque l'on s'envole, partons de ces champs vers des horizons que Paula est partie chercher. Sans aucun doute.

Communiqué de presse :

La Galerie Thaddaeus Ropac a le plaisir de présenter une exposition de nouvelles oeuvres du sculpteur allemand Stephan Balkenhol à Paris.
Pour cette exposition, l'artiste a puisé son inspiration dans la démarche entreprise par Jean de La Fontaine dans ses célèbres Fables. Le regard critique que l’auteur du XVIIème siècle porte sur la société de son époque et sur la permanence des caractères humains devient un moyen pour le sculpteur de s’interroger sur l’état de notre propre société.
Si les nouvelles œuvres ne se rapportent pas nécessairement à une fable en particulier, elles mettent en scène le même rapport ambigu que les animaux entretiennent avec les humains chez La Fontaine. À l’instar du fabuliste, qui exerce son art de la feinte jusqu’à laisser au lecteur la liberté de son interprétation, Balkenhol ne cherche pas à être moraliste. Malgré son attachement à la figuration, il se place toujours dans un rapport distancié avec la réalité. Pour lui, « observer n’est pas juger. » Son regard se fait parfois ironique et cette légèreté apparente le rapproche du fabuliste. Parce qu’elles ne représentent personne en particulier et qu’elles semblent souvent attendre quelque chose, ses sculptures s’engagent dans une voie fictionnelle ; elles sont autant de supports pour enclencher une histoire.
Balkenhol taille ses personnages au maillet et au ciseau directement dans des troncs d’arbres, souvent en bois de wawa, sans chercher à gommer les traces d’outil, laissant à nu l’aspect brut du bois. Les sculptures uniques de l'artiste sont associées à de hauts socles qui les placent à hauteur d’homme. Les couleurs appliquées ensuite pour structurer les silhouettes sont totalement dénuées de valeur expressive et contribuent à faire oublier le matériau originel. Ses hommes, ses femmes et ses animaux semblent à la fois distants et à l’écoute du spectateur. « J’essaie de leur donner une expression ouverte aux autres, explique l’artiste. À partir de là, toutes les situations sont possibles. » Les reliefs sculptés, devant lesquels sont placées des figures en trois dimensions, sont un moyen pour l’artiste de créer des situations qui complexifient la lecture première des œuvres et ouvrent vers une narration poétique.
Pour accompagner ce nouvel ensemble d’œuvres, Balkenhol a réalisé une sculpture monumentale représentant le héros grec Persée tenant la tête de Méduse. Le traitement d’un sujet mythologique bien connu constitue une forme d’exception dans la carrière de l’artiste. Il s’inscrit ainsi dans la lignée d’artistes illustres qui, de Benvenuto Cellini à Camille Claudel, ont représenté ce mythe. Tout comme les fables, les mythes antiques forment un ensemble de récits qui appartiennent à la mémoire collective et dont l’interprétation s’est progressivement enrichie au cours de l’histoire. Au sentiment héroïque habituellement attaché aux représentations de Persée, Balkenhol répond ici par une forme de gravité existentielle. Il renouvelle ainsi une tradition de la sculpture davantage tournée vers la pure présence de la figure et vers son caractère éminemment humain.
 
Né en 1957 à Fritzlar, Stephan Balkenhol vit et travaille entre Karlsruhe (Allemagne), Kassel (Allemagne) et Meisenthal (France). Il commence à sculpter des personnages en bois en 1983, en réaction contre l’enseignement conceptuel dispensé à l’École des beaux-arts de Hambourg, où il fut l’élève du sculpteur minimal Ulrich Rückriem de 1976 à 1982. Ses premières sculptures en bois placent l’image du corps humain au centre de son art et réintroduisent la figuration dans la sculpture contemporaine. Dans les années 1990, son répertoire s’élargit aux animaux et créatures hybrides, puis il y ajoute aussi les motifs d’architecture et des reliefs.



























































Fleurs gravés et escaliers, peintures ou bois ? Illusionnisme et art de travestir les disciplines, poésie ou fleurs séchées. Faut-il être délicat quand on grave ? Comment une pétale peut être légère, comment le rouge à lèvre peut-il être suggéré ? Comment la peinture devient ébène.
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Autre lieu, autre surprise, une bonne rigolade, cachée, de gros pots coulants et avec mon vétuste appareil photo cela devenait très intéressant. Cela luit, brille, les spots en rajoutent, du trop, à l'excès, mais un alignement impeccable, pour ces fausses céramiques à haut pouvoir recouvrant d'ironie. On se trompe toujours, là où l'on croit que la technique se fie de la prouesse, elle nous rattrape lorsque l'on regarde de plus près et avec attention. Ce n'est pas parce que la technique n'est pas mise en avant comme l'ultime récompense au mérite de l'artisanat qu'elle ne dépasse pas même la méthode choisie, la technicité donc et son application. Le labeur aujourd'hui reste toujours inconnu. Comme ces personnes qui dorment dans les rues, au labeur inconnu.



GRANT LEVY-LUCERO : “PÉRIPHÉRIQUE”


Communiqué de presse :
VNH Gallery est heureuse d’annoncer l’exposition personnelle de l’artiste Grant Levy-Lucero intitulée « Périphérique »  (6 - 22 septembre 2018) au sein de son Project space. « Reyner Banham a dit de Los Angeles qu’elle est dépourvue de « toutes les règles de « vie civilisée » entendues par les experts de la modernité. » En effet, la conscience collective internationale a depuis longtemps intégré le fait que L.A. soit une métropole moins raffinée que d’autres et l’œuvre de Grant Levy-Lucero vient incarner cet esprit unique et contemporain de LA ; son style pictural célèbre les logos et autres pancartes peintes à la main qu’il a vus en grandissant alors que les formes utilisées font référence à l’antiquité et à la tradition. Ainsi, il honore, tout comme le fait sa ville natale, d’autres histoires et différents mondes artistiques tout en faisant le choix de mettre en lumière un sujet qui lui se retrouve temporairement déconnecté. Connu pour son explication de l’évolution du langage dans l’iconographie quotidienne, Grant Levy-Lucero utilise pour ce nouveau corpus d’œuvres une dialectique interculturelle. Périphérique raconte l’histoire habituelle d’un artiste américain à Paris ; à la périphérie de la ville et en qualité d’expatrié temporaire, il évolue au sein d’une haute culture didactique. Ne faisant pas dans le cliché, Grant Levy-Lucero prend pleinement conscience de cette tradition et la retranscrit avec humour tout en apportant une attention particulière aux détails. Dans un genre de diaspora inversée, l’artiste ré-insert dans la culture française un concept dont elle n’a pas conscience d’en avoir été à l’origine – une perception extérieure de Paris dont le consumérisme tire profit avec des produits tels qu’Orangina ou Chanel No. 5.  Grant  Levy-Lucero  compile  ainsi  avec  chacune  de  ses  pièces  une  imagerie  –  que  Jasper  Johns  a  surnommée  «  les  choses que l’esprit connaît déjà » – révélant avec spécificité un certain inconscient collectif. Ces éléments significatifs de la culture pop deviennent alors, selon l’affirmation de l’artiste, la sémiotique qui relie toute communauté ou nation à une autre ; il joue avec ce qui définit notre conception d’un « lieu ». En développant cette idée, il teste les limites de la compréhension qui sont inhérentes à toutes les formes de communication : il étudie – aussi bien géographiquement, d’un pays à l’autre, qu’à travers une figure rhétorique – l’endroit où le sens cède au postulat, et où le postulat devient subséquemment une idée fausse. »
- Christie Hayden

Grant Levy-Lucero est né à Los Angeles (États-Unis) en 1981.Il vit et travaille actuellement à Los Angeles (États-Unis).














Et puis plein d'autres choses... Les plus beaux livres au CCS, dont un sélectionné qui ma vraiment fait penser à mon catalogue Resign (qui est toujours visible sur la page d’accueil de mon site Internet... Et oui grand Resign !  ! Très belle édition !
Allez hop, journée sans voiture !

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Art Par kiwaïda at 13:19

13/09/2018

℘◎☂ ⅾε ¢☺LL℮ & ℘ℯїηтʊяℯ

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Une tâche de peinture :
Sato & Cafu sont dans un paysage. Ils font leur rentrée au pied des montagnes. Ils ne font qu'un.

Qui donne la couleur à l'autre ?  De jolies saletés dans le paysage décrivent comment prendre soin des mots et de la nature.
Il ne faut pas en faire tout un foin ! Ras-le-pompon !
L'amour fait des crottes et choisi un emplacement.
Au bord de la rivière, on se baigne et on se lèche pour être propre et briller au soleil.

Le reste, cela ne vaut pas un pet de lapin !

Trèfle de plaisanterie.

Propre en ses habits, comme un lapin dans sa fourrure.
Propre comme un lapin, vive les braves !

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Sans le savoir à priori, cela collait déjà, les couleurs, la peinture ! Rouge, bleu, jaune et de la lumière blanche...

© Sonia Marques

Art Par kiwaïda at 16:09

12/09/2018

ℭѦℛḎÅℬ∃ḺḺ∃

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Le papillon était noir, il s'est posé là où tu vivais, sur le bord de ta fenêtre, il regardait comme toi, le ciel, la rue, les passants et les changements climatiques. Puis il a ouvert ses ailes, il n'était plus noir. Il indiquait une ouverture. Une belle amie viendra, à ta place et regardera ce que tu regardais. Elle viendra t'accompagner, ton amie, notre amie, aussi belle que ce papillon qui s'est posé, l'annonçant. Rouge et vive, curieuse et joyeuse, elle volera un peu de notre temps. Elle volera.

Baromètre des renaissances

La cardabelle réagit à l’humidité de l’air (hydronastie) et sa (fausse) corolle se referme dés que la saturation en eau de l’air atteint un certain seuil. A la base des feuilles une des faces se gonfle d’eau et provoque une différence de pression osmotique et une tension entre les deux faces, entraînant ainsi un enroulement de la feuille et sa fermeture.
Cette propriété va perdure longtemps après la mort de la plante qui garde cette faculté de mouvement même une fois la fleur séchée et suspendue à la porte des bergeries, continuant son office de « Baromètre des Bergers ».



Son vrai nom est Carline à feuilles d’acanthe, c'est un chardon chardon , mais on l’appelle Cardabelle dans la région, près de chez nous !
Noms vernaculaires français : carline artichaut, baromètre chardousse, pinchinelle.
Son cœur pouvait être mangé, ses feuilles épineuses servaient à carder la laine de mouton et ses racines pouvaient être utilisées comme remède contre de nombreuses maladies, notamment contre la peste.
Ce chardon magique est un porte-bonheur.

Photographies © Sonia Marques

Art Par kiwaïda at 19:54

05/09/2018

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Mafalda est une petite fille, personnage principal d'un comic strip argentin de Quino publié de 1964 à 1973. Comme son auteur, Mafalda est argentine, elle est issue de la classe moyenne. Mafalda est très populaire en Amérique latine, en Europe et au Québec.

Mafalda : Sa maturité et son pessimisme politique en étonnent plus d'un et dépassent totalement ses amis et ses parents. Elle développe une vision critique du monde, notamment à l'égard des conflits tels que la Guerre froide. Elle ambitionne de devenir haut fonctionnaire international pour changer le monde. Elle a du caractère et réagit à tout ce qui se passe autour d'elle et à ce qu'elle lit dans les journaux. Son objet préféré est sa mappemonde : elle la considère comme une représentation littérale du monde, lui appliquant des crèmes de beauté — « empruntées » à sa mère — à la suite de nouvelles particulièrement sombres. Elle a une aversion viscérale pour la soupe et raffole de la meringue. Mafalda est une jeune enfant de cinq ans mais elle est déjà très éveillé sur la façon dont tourne le monde. Elle discute avec ses parents et ses amis de tous les problèmes d'actualité et de société. Oubliant les loisirs de son âge, Mafalda se lance dans des discussions passionnées à propos de la culture, la religion, la politique, les problèmes de société. Elle découvre un monde en constante évolution, difficile à cerner et dont l'avis de la génération future semble exclue.
Sceptique et râleuse, la gamine rend la vie impossible à ses parents : elle intime à son père de donner l'exemple, juge sa mère médiocre car elle fait le ménage et la cuisine sans s'interroger sur sa condition.

La mère de Mafalda et de Guille est prénommée Rachel (Raquel en espagnol). Elle doit constamment faire face aux reproches de Mafalda, qui lui reproche d’avoir abandonné ses études pour une vie tranquille de femme au foyer, ainsi qu’aux nombreuses bêtises de Guille, qui ne peut s’empêcher de dessiner sur les murs. Rachel fait par ailleurs preuve d’un sens de la répartie inégalé, forgé par les nombreuses années de plaintes de Mafalda contre la soupe qu’elle lui sert régulièrement.

Le père de Mafalda et de Guille, dont le nom réel reste inconnu du lecteur. Il représente le stéréotype par excellence de la classe moyenne. Le père de Mafalda est constamment préoccupé par ses problèmes financiers, notamment en raison du retard que met son bureau à le payer et de sa voiture qu’il achète à crédit. Bien qu’il vive en appartement, ses plantes en pot constituent son hobby favori lorsqu’il n’est pas occupé à lire le journal ou à suivre un match de foot à la radio.

À l'école, ça n'est pas mieux. À sa maîtresse qui raconte qu'il y a 3 milliards d'hommes sur Terre, ­Mafalda demande la bouche en cœur: «Et combien de véritables humains?» Elle fait la morale à sa copine Susanita, l'un des personnages, égoïste et orgueilleuse, qui rêve lorsqu'elle sera grande d'avoir des enfants et de jouer au bridge, devenir mère au foyer, mariée au patron d'une grosse entreprise qui se tuera lors d'un voyage d'affaires et vivra dans un pavillon de banlieue, passionnée de commérage, elle se dispute constamment avec Manolito, qu'elle juge idiot, et est secrètement amoureuse de Felipe...

Mafalda a du mal à identifier qui sont les gentils et qui sont les méchants:
« Ça commence à m'exaspérer d'avoir constamment à choisir entre le capitalisme et le communisme »


C'est une idéaliste en herbe qui croit qu'on peut améliorer le ­monde et se sent très seule car autour d'elle personne ne partage ses ­préoccupations. Impertinente, irrévérencieuse, intelligente... attachante et si contemporaine... encore.


Art Par kiwaïda at 02:28

31/08/2018

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Jean-Jacques Grandville

Les Métamorphoses du jour : une série de soixante-dix scènes dans lesquelles des personnages humains sont représentés avec une tête d'animal en situation pour un rôle dans la comédie humaine.


Combat de deux raffinés : Gravure extraite de l’ouvrage de Grandville : Un autre monde – 1844
Mine de plomb, plume et encre brune, aquarelle

Capucine fées fleurs à genoux en prière devant une tombe

Une révolution végétale : Recueil de planches lithographiées en noir et en couleur de dessins zoomorphes, représentant des fleurs auxquelles l'artiste a donné le visage, le costume et les mœurs de la Parisienne et composant ainsi un herbier costumé. (1847)


Art Par kiwaïda at 23:40

26/08/2018

ℙℛℑℰℜ, ♏ѦℛℭĦ€ℛ, ℭѺℵ†ℰℳℙḺ€✞

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Marcher, je me suis demandée pourquoi partout où j'allais, je découvrais de nouvelles chaussures, parce que, de nouvelles marches, de nouveaux sols, de nouvelles façons de penser, de travailler, de savoir-vivre et de savoir-faire. Et ici, des sandales inspirées de l’univers maritime, basé sur le tressage artisanal et utilisant des matériaux réputés pour leur résistance, leur confort et leur ergonomie. La marche fut l'une de mes préoccupations dans l'enseignement, avant qu'un mouvement politique l'utilise comme nom. J'ai revu des photographies de l'un de mes ateliers de recherche avec des collègues et étudiants, rien n'a été publié, c'était une longue marche en périphérie de la ville de Limoges, dont j'avais donné la direction : sans aucune carte, ni repère. De cette longue balade de quelques jours, tant de lieux que nous avons découvert. J'ai gardé des traces, qui me semblent, à l'aune de ce qu'il s'est passé ensuite de dramatique pour moi, assez merveilleuses. De l'ordre du miracle, lorsqu'on y pense un peu plus. C'est juste après ce moment d'introspection pour tous, et de marche, ou du moins, pendant, que l'on fomentait des stratégies pour me pousser à bout et me trouver d'ignobles fautes dans ma profession, que j'aimais et j'aime toujours : enseigner. L'être humain est capable, par lâcheté et ignorance, des pires projets, pour détruire ce qu'il construit patiemment et dans une paix, paradoxale. Dans ce monde sont détruits des activités, chaque jour, pacifistes et remarquables, pendant qu'elles sont détruites, dans le même temps. La difficulté de l'enseignement, est de comprendre que l'ignorance et le savoir, sont intimement mêlés, et démêlés dans l'apprentissage. Ce tissage entre l'apprenti et le maître, lorsque le maître est une femme, est d'autant plus admirable, car il n'y a pas d'assurance de la reconnaissance, ni de traces, ni d'effet "mousse". Pourtant cela pétille, j'ai encore le goût des bulles et les traces délicates dessinées dans ma mémoire. Rien n'a été gâté de notre long chemin d’apprentissage, ni les obstacles, ni les destructions.

Photographies © Sonia Marques (merci à JD <3)


Enseignement Par kiwaïda at 10:58

23/08/2018

ⅾôмℯ ⅾü ღ☺ᾔⅾ℮

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Photographies © Sonia Marques (merci JD <3


Paysage Par kiwaïda at 15:22

εϰ◎тї¢ ρα¥ṧ@❡ℯ

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Photographies © Sonia Marques


Paysage Par kiwaïda at 15:06

20/08/2018

α ℘яεт⊥¥ ḟłƴ

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Image du film : La nuit du chasseur (1955) de Charles Laughton

Once upon a time, there was a pretty fly
He had a pretty woman, this pretty fly
But one day she flew away, flew away, flew away
She had two pretty children
But one night these two pretty children
Flew away, flew away, into the sky, into the moon

Il était une fois une jolie mouche...

En 1997, à Vancouver, au Canada, du côté anglophone, je regardais pour la première fois le film, La nuit du chasseur. Il m'avait beaucoup marquée, et je me devais de le revoir. Chose faite ces jours-ci. J'avais quasiment oublié l'histoire et que des enfants étaient les héros de cette aventure. Il me restait en mémoire un conte avec un méchant qui jouait au bien, et c'est ce que l'on devrait encore retenir, mais d'autres personnages de l'ombre, jouent au bien et demeurent innocents. Je découvre cette image, avec les lapins et la barque, et cette chanson avec la voix de l'enfant à la poupée, enchanteresse. Une série de scènes sont impressionnantes, et très contemporaines au niveau du sens qu'elles provoquent. Lorsque le prêcheur fini par enrôler la femme, veuve, et l'épouser et poser sa loi dès la porte refermée, la nuit de noce. Il lui enlève sa dignité en lui demandant de se regarder dans le miroir, et lui rejetant la faute originelle de tout le mal du monde sur elle. Elle n'aura jamais d'affection de sa part, et sera sa pécheresse emprisonnée, sa médiatrice en inversant le mal en bien, jusqu'à être tuée par ce pervers criminel. Ce qui est intéressant, c'est le contexte, les rumeurs qui agissent et poussent une femme qui vit seule avec ses 2 enfants à endosser ce rôle du pêché, puisqu'une femme ne peut pas vivre seule, ni tenir sa maison, sans un homme qui la dirige, selon les croyances populaires. Le rôle de la vieille femme qui fabrique des gâteaux, Icey Spoon, pour laquelle le plaisir sexuel n'est qu'un leurre et un mensonge inventé par les hommes est très important pour la destinée dramatique de cette veuve. Son mari est quincailler et est dominé par cette femme qui ne sait pas garder un secret et s'agite comme un facebook, à créer des réseaux, des rumeurs et projette ce qui serait bon pour les uns et les autres. C'est une petite prêcheuse, niaise, qui va rencontrer le prêcheur machiavélique, celui qui sait mieux qu'elle manier la justice pour détruire tout ce qu'il rencontre. Cette Madame Spoon, un personnage qui n'est pas beaucoup analysé, pourtant ce film est une œuvre artistique très décortiquée, surtout pour les scolaires, est l'outil idéal pour le criminel. Il suffit de l'agiter. Aujourd'hui on peut comprendre ce personnage lorsque les médias valorisent telle ou telle information, qui tourne en boucle. Il faut toujours des personnes pour relayer ces informations, et les plus mauvaises. Et Madame Spoon serait aujourd'hui ce personnage. Un personnage qui poste sur sa page Facebook, tout ce qu'on lui demande de poster (les médias) et les pires informations, celles qui font peur, ou bien les petits préceptes bienséants, moralisateurs, comme des pastilles de gifs animés. Un personnage frustré, une femme castratrice, qui vit par procuration à travers les autres. Cette veuve va lui servir de réceptacle, elle a les outils, elle va faire son commerce, ses gâteaux, et en plus, c'est son employée. Elle la jette littéralement dans les mains du diable, pour à la fin du film, retourner sa veste et souhaiter la mort du prêcheur. Alors que le mal est fait et fait par sa volonté, ses mauvaises rumeurs, sa niaiserie.
Le personnage du prêcheur est un stéréotype, à la fois celui qui est le mal, dans ce qu'il a de plus nuisible, car il porte le masque du bien, beau parleur, et grâce à ses mains, son fameux tatouage duel (Love-Hate), il manipule les autres, un public conquit d'avance, crédule et enseveli sous la religion et la dépression. Il ne dort jamais, le remarquera l'enfant John, le mal ne s'arrête jamais, il harcèle et sonne à toutes les portes, vole, tue et pille, se camoufle, confesse les autres, conspire, simule, ne connait ni l'amour, le sensible... mais s'adosse à la sensiblerie facilement et endosse le beau rôle, celui du sauveur. On peut le voir de nos jours, comme celui ou celle qui se cache derrière le représentant de la justice, du pouvoir, un haut fonctionnaire, un curé, un médecin, un instituteur, un coach sportif, un ministre, un journaliste, un père, un maire, un élu forcément, un mari, avec tout costume honorable, et d'officielles médailles, c'est celui qui change d’institution, d'écoles, d'office, de pays, en détruisant tout sur son passage et toujours blanchi par l'opinion ou la justice (personnage au féminin, oui cela existe aussi). Aujourd'hui, il est même analysé comme un pervers narcissique, celui (ou celle) qui enferme sa proie dans sa toile d'araignée, telle une mouche qui se débat, sans comprendre qu'elle a été emprisonnée psychiquement, et, dans ce film, c'est un criminel. D'ailleurs, la toile d'araignée est un motif qui figure au moment de la barque, lorsque les enfants s'enfuient, et la chanson magique de la petite fille raconte cette histoire de la jolie mouche. Donc c'est un personnage-type, qui donne à ce film une atmosphère immuable et contemporaine, dans notre société, dominée par ces typologies et le phénomène de proies incarné par les enfants, et ici, les lapins.
Madame Spoon est pourtant un ingrédient essentiel, pour que ce gâteau qui gâche la vie, puisse être partagé par autant de lâches qu'il y a d'habitants dans une contrée... dans un facebook. Il y a toujours des disparitions d'enfants et de femmes, mais aucun réseau social ne peut résoudre ce mal, sauf à y participer.


Image du film, Le monde est à toi (2018) de Romain Gavras (l'actrice Gabyy Rose et l'acteur Karim Leklou, respectivement jouant les rôles de Britanny et danny)
Un autre film, vu récemment "Le monde est à toi", sorti en salle ces jours-ci, de Romain Gavras, met en scène une mère qui maltraite son fils, elle l'emprisonne psychiquement et régente sa vie, elle l'infantilise et pourtant, elle est attachante (il est difficile de s'en détacher). Bien que nous sommes très loin de La nuit du chasseur, ce film est une évolution. Aussi un questionnement sur la filiation (et au cinéma, en famille), le héros, Danny, joué par Karim Leklou, pourrait être ce garçon John Harper (l'acteur Billy Chapin), dans La nuit du chasseur, qui veut protéger sa sœur Pearl Harper (l'actrice Sally Jane Bruce), et elle serait cette fille (Brittany, jouée par l'actrice Gabby Rose) prise en otage avec son sac à la grenade terroriste (comme la poupée qui cache l'argent). Ce couple d'enfants maltraités par leurs parents est un duo solidaire qui va entrainer le film (Le monde est à toi) vers une réflexion sur l'émancipation des enfants prisonniers des systèmes familiaux. Ce qui m'intéresse, c'est la place des femmes et leurs rôles.
Brittany, jouée par l'actrice Gabby Rose, est ce syndrome de Stockholm tout en rondeur et en empathie, malicieuse, la part intérieure cachée du père truand manipulateur, que l'on peut retrouver dans Pearl Harper, jouée par l'actrice Sally Jane Bruce, et ses grands yeux clairs et candides, celle qui incarne la pureté, qui ne voit pas le mal, et nulle part (elle se jettera d'ailleurs dans les bras du prêcheur criminel, dès que celui-ci aura retrouver la trace des enfants en fuite) À travers ses yeux, Pearl nous conduit dans la poésie de la reconnaissance, celle qui attend sans cesse, qu'un re/père lui donne sa voix, mais déchante face à la cruauté, tout en s'y lovant, comme dans la main tatouée LOVE du prêcheur. À travers les yeux de Danny (joué par Karim Leklou), d’ailleurs tout aussi grands et clairs, comme la piscine dans laquelle il termine le film, en gros plan d'eau bleu, nous sommes rassurés que la séparation avec la main du mal, ce HATE, cette haine, soit loin derrière. Il est comme John Harper, à la fois conscient de ce qu'il se passe, en train de s'émanciper, et aussi celui qui sécurise, quelque part, dans tout ce chaos perverti. Il cherche un plan, une stratégie pour supprimer ce mal et protéger l'enfant, qui est en lui, mais aussi la petite sœur, ou l'amie de fortune, son double. Les regards en disent longs, et ne s’embarrassent pas de mots. La complicité des prisonniers, de celles et ceux qui savent, est toujours plus forte que les mots. Les prisonniers seraient lovés dans le silence que forment les juges verbeux insensibles, les plus savants.

J'avais réalisé un travail, nommé Hansel, il me fait penser à cette nuit du chasseur. Car il est question d'enfants solidaires, de nuit, de noir et de blanc et d’échappée à travers des images d'inuits, dans un registre très minimal, et poétique. On peut, sans avoir de moyens, créer et former des poétiques de l'espace, rien qu'avec un écran. C'est ce qui m'intéressait dans ce travail, que j'ai mené de façon très intuitive. C'est une économie, une façon magique de créer du sens, inventer une histoire, rien qu'avec une mémoire émotionnelle intérieure.


Image du film Hansel (mars 2013) © Sonia Marques

La chanson de Daniel Balavoine est à l'honneur dans le film de Gavras, elle questionne également les prêcheurs...

La vie ne m'apprend rien
Je voulais juste un peu parler, choisir un train
La vie ne m'apprend rien
J'aimerais tellement m'accrocher, prendre un chemin
Prendre un chemin

Mais je n'peux pas, je n'sais pas
Et je reste planté là
Les lois ne font plus les hommes
Mais quelques hommes font la loi
Et je n'peux pas, je n'sais pas
Et je reste planté là

A ceux qui croient que mon argent endort ma tête
Je dis qu'il ne suffit pas d'être pauvre pour être honnête
Ils croient peut-être que la liberté s'achète
Que reste-t-il des idéaux sous la mitraille
Quand les prêcheurs sont à l'abri de la bataille
La vie des morts n'est plus sauvée par des médailles

Dans son film, c'est dans un projet de vie, simple et non grandiloquent et ironique, que Danny  va tordre le cou à l'oseille facile, dont les caïds ne savent plus que faire (dans les décors filmés somptueusement décadents de la cité du Pont-de-Sèvre, emblématique de la fin des Trente Glorieuses en France et de la Costa Blanca en Espagne, avec Benidorm, ville touristique vorace) Son ambition : distributeur officiel de la franchise « Mister Freeze » sur le territoire marocain, cette marque de bâtonnets de glaces à l'eau sucrés créée en 1973 par LEAF à Chicago et vendue en France depuis 1973. Pour rester dans le rêve d'un enfant, de ce bonhomme de neige télévisuel (chacun son rêve de neige, sa boule de Noël). Dans ce film, les enfants et les adultes sont des pieds nickelés, une expression pour ceux qui ne veulent pas agir, les paresseux, les médiocres malfaiteurs. Filous, hâbleurs, indolents, pas fiables... mais sympathiques. Encore un souvenir, cette fois-ci, je devais avoir 5 ans, lorsque je découvre cette fameuse BD française, "Les pieds nickelés" de 1903, avec Croquignol, Filochard et Ribouldingue, je savais lire, et le remarquant on me donna cette BD d'adultes à lire, lors de mes vacances au club Mickey, au bord de la mer. Être en apprentissage de l'écrit en même temps que des pieds nickelés est fondateur de la compréhension de la société de l'information populaire, dans laquelle on est projeté. C'est avec des Croquignols, des Filochards et des Ribouldingues chanceux qu'il faut s'intégrer !

Ce film à l'avantage, très graphique, de nous rappeler ce que l'humain drogué construit et détruit en un clin d’œil, un peu comme Le Loup de Wall Street, le film de Martin Scorsese (2013), ici, par des vues plongeantes et immersives nocturnes où s'animent des parcours de vie dissolues et clinquantes, faisant miroiter la vacuité, comme autant d'étoiles filantes, des appâts du gain, qui saturent l'espace pour combler le vide sidéral des impensés. Un monde d’orgueil affamé d'oseille. Éblouissant, aveuglant et idiot à souhait, bref un bon divertissement.

* Avertissement : Hansel est âpre et nu et ne divertit pas.


Film Par kiwaïda at 11:10

18/08/2018

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L'Enlèvement des Sabines (1574-1580), Florence, Loggia des Lanzi > Sculpture réalisée par Jean Bologne (Giambologna)

L’enlèvement des Sabines est, pendant la mythologie romaine, le moment durant lequel la première génération des hommes de Rome se procure des femmes en les enlevant aux autres villes de la région, notamment aux Sabins. Cette histoire a inspiré de nombreuses œuvres d’art de la Renaissance et de la post-Renaissance, puisqu’elle réunit des exemples propres à montrer le courage et la hardiesse des anciens Romains tout en ayant l’opportunité de dépeindre des personnages à moitié nus et dans une lutte intense et passionnée. On retrouve des sujets artistiques similaires dans l’Antiquité, comme la bataille entre les Lapithes et les Centaures ou celle entre Thésée et les Amazones, ou dans le christianisme, avec le massacre des Innocents.

Selon la Légende, Rome fut fondée en 753 av.J.C. par Romulus et son frère jumeau Rémus, mais ce dernier  est tué lors d’une querelle entre les deux frères. La ville et son enceinte construites, Romulus se proclama roi, créa des lois et une armée. Dans le but d’agrandir la population et sa force guerrière, il accueillit toutes personnes de sexe masculin, hommes libres, proscrits, esclaves qui le désiraient, si bien que très rapidement la ville se trouva en manque de femmes. Romulus, désireux de régler ce problème, envoya des émissaires dans les cités voisines, leur proposant une alliance confortée par des mariages, mais celles-ci refusèrent unanimement cette proposition. Romulus invita alors les populations voisines à assister aux fêtes de Consualia qu’il venait de créer en hommage au dieu Consus, assimilé à Neptune sous son aspect de dieu des chevaux. Au moment où toute l’attention se portait sur les jeux équestres, les jeunes romains surgirent et s’emparèrent des Sabines non mariées dont les plus belles furent amenées aux sénateurs de la ville. Les Sabins, venus non armés, s’enfuirent en maudissant ce peuple qui venait ainsi de violer les lois de l’hospitalité. Romulus se rendit le lendemain auprès des captives les assurant que ce mariage qui leur était imposé les rendra heureuses par l’amour de leur mari romain, les intégrera à la Cité et leur donnera ce que toute femme désire, des enfants. Les cités de Cenina, Crustumérie et d’Antemne dont les filles avaient été enlevées entrèrent en guerre avec Rome mais furent défaites les unes après les autres. Lorsque le roi Sabin, Titus Tatius, après une longue et dissimulée préparation, attaqua Rome, celle-ci fut tout près de succomber, et seule l’intervention des épouses sabines, à présent romaines, se jetant entre leurs maris et leurs pères et frères, mit fin au combat. A la grande joie des Sabines, le conflit se termina par la signature d’un traité créant un seul Etat avec à sa tête Romulus et Titus Tatius.

Pour le philosophe et moraliste Plutarque (45 - 120 ap.J.C.) qui suit ainsi Tite-Live, cet événement marque l’acte fondateur de Rome et son hégémonie sur l’Italie. D’après lui, la tradition pour le mari de porter sa jeune épouse pour franchir le seuil de sa nouvelle demeure est directement liée au souvenir de l’enlèvement des Sabines.

Jean Bologne (né Jehan Boulongne, anciennement Jean de Bologne, Jean Boulogne, italianisé en Giovanni Bologna plus tard contracté en Giambologna), est un sculpteur maniériste d'origine flamande né à Douai Flandre romane en 1529 et mort à Florence le 14 août 1608. C'est lui qui réalisa "L’enlèvement des Sabines".



J'ai grandi avec une copie en marbre de cette sculpture, ramenée d'Italie, par ma mère et posée sur une table, celle-ci fabriquée par mon père, en partie en marbre et en bois. Le socle est noir. La petite table disposée devant la télévision. Je pense que sans avoir vu l'original, j'ai eu bien l'occasion d’observer celle-ci et son mouvement hélicoïdal. À la période de mon adolescence, le sens de cette sculpture m'interrogeait, ces 2 hommes et cette femme qui semblait vouloir toucher le plafond, ou grandir. Je ne savais pas, alors, que j'étudierai dans une école des beaux-arts, celle de Paris, ni même que je serai artiste et que j'enseignerai l'art, d'une toute autre manière, que le maniérisme. Cette œuvre n'a jamais été commentée, ni montrée, ni le contexte de cette période de l'histoire de l'art, lors de mes études, dans l'institution parisienne des beaux-arts, et pour cause, si la misogynie est structurelle à ses formations et directions, cette sculpture ne peut être montrée, le sens est dénié, sinon, plus aucune femme ne viendrait passer le concours, ou alors, celui-ci serait actualisé, aurait beaucoup évolué. De mon côté, cette copie avait présagé quelque chose, de familier, puisque familiale, non loin de la télé. Elle avait annoncé quelque chose, qui ne pouvait s'énoncer. Elle était un motif de l'art, dans un décor contemporain, un signe associé aux médias et à l'information en continu. Ces temps-ci, je suis dans une lecture passionnante d'une recherche précise, celle de Jérôme Deplanche. Il est chercheur en histoire de l’art, spécialisé dans l’art des XVIIe et XVIIIe siècles.

Donc son enseignement, et ses études, bien que dans le même domaine, furent très différentes de ce que j'ai pu expérimenter lors mes activités artistiques. Il a publié un livre (Le ravissement) qui m'a rappelé à cette sculpture familiale de Giambologna. Si personne ne m'avait proposé un point de vue sur le sujet, j'avais eu le temps de consteller des signes, associés à ma prime enfance de l'art et à ma volonté de suivre un autre chemin, que celui des Sabines et de leurs représentations, classiques. Son livre rassemble une recherche sur la représentation du désir sexuel dans les œuvres d'art exprimée à travers l'iconographie du rapt amoureux : enlèvement de Proserpine, enlèvement des Sabines, enlèvement d'Europe ... Mettant en scène les rapports entre les sexes sur un mode à la fois passionné et conflictuel. Ces sujets ont permis aux artistes de déployer leur virtuosité dans la description du mouvement, du muscle et de la fuite contrariée. Dans son étude, est noté que la qualité de victime n'est pas reconnue à la femme enlevée. Son corps ravissant provoque le désir de l'homme, lui enlevant ainsi toute responsabilité dans sa prédation. Le mot ravissement, titre du livre, entre violence et jouissance, raconte l'ambiguïté entretenue par les artistes et l'histoire de l'art, tout ce qui a fabriqué et modelé une forme, des peintures, selon le regard masculin et uniquement selon son désir.

D'ailleurs cette dame à la Licorne, sur cette tapisserie mystérieuse, n'avait-elle pas lancé un message codé : À mon seul désir... resté si secret et pourtant bien affiché, bouleversant toutes ces histoires des enlèvements ?

L’auteur explique « Les représentations d’enlèvement définissent un système entièrement masculin. Ce sont des œuvres d’art créées par des hommes, pour des hommes, et illustrant des récits imaginés par des hommes, pour des hommes. Elles présentent les femmes enlevées de telle sorte que nous sommes associés à la convoitise masculine, nous offrant l’image érotisée et complaisante d’une victime frémissante ». L’auteur raconte comment le « rapt » serait aussi une autre face, désuète, pour parler de viol. L’enlèvement, le ravissement est donc, comme il l’affirme, « une forme de viol ».


Prenant l'exemple du thème de l'enlèvement des Sabines, Lomazzo insiste sur la nécessaire représentation de la résistance des femmes :

 Elles doivent se défendre, mélancoliques et souffrantes, frapper avec leurs poings, faire des gestes vifs, en agitant les jambes, en voulant échapper. Elles doivent aussi mordre, tirer les barbes, crier, implorer humblement leur liberté. Les ravisseurs doivent les tenir dans les bras de diverses façons. Cela ne peut réussir sans montrer des jambes nues, des vêtements déchirés, des bras et des poitrines, et des gestes violents faisant gonfler les seins, tourner les cous et ouvrir les bras. Il y a également de la sueur, des morsures, des griffures, des coups. Tous ces gestes réunis ensemble produisent un agréable spectacle de robustesse et violence.


L'auteur offre ici une description fort détaillée des facteurs qui rendent érotique un enlèvement. Le rapt devient « un dilettosa mostra di violenza ». Cette violence n'est pas seulement une exigence de vraisemblance par rapport au sujet : elle joue le rôle d'amplificateur de la charge érotique en insistant sur l'invasion transgressive qu'elle représente dans la conquête du corps de l'autre.

Soulignons que le texte de Lomazzo parut tout juste un an après le dévoilement de l'Enlèvement d'une Sabine de Giambologna sous la Loggia dei Lanzi à Florence (1583). Dans ce célèbre groupe de marbre qui devint rapidement l'archétype de la représentation d'un enlèvement, la combinaison des mouvements opposés est aussi variée que savante. Il faut tourner autour de l'œuvre pour découvrir les effets ménagés par le sculpteur. Vue depuis l'intérieur de la loggia, on découvre le détail du bassin sensuel de la jeune femme que le Romain presse contre sa poitrine. Le corps-à-corps de l'enlèvement est une sensualité contrainte. Certains artistes décrivent le rapt comme une fusion des êtres : peau contre peau, chairs qui se collent.

Extrait de l'article "Images d'une pulsion. Les représentations d'enlèvement à travers les arts", par Jérôme Delaplanche, Libres cahiers pour la psychanalyse, vol. 25, no. 1, 2012, pp. 151-164.

Cette œuvre réalisée entre 1575 et 1580 dans un seul bloc de marbre de 4m10 de haut devait prouver l’habileté de Giambologna. Le groupe de trois personnages placé, difficulté supplémentaire, sur une base unique doit être regardé sous différents angles. En effet l’œuvre,  réalisée dans un mouvement giratoire s’élevant sur un seul axe en spirale avec des corps à la musculature puissante et des visages expressifs, ne peut être appréciée dans sa totalité que de cette manière.

C'est un groupe de corps nus. Le Sabin, à la barbe abondante, est écrasé entre les jambes puissantes du romain, et le visage effrayé, impuissant, il tend sa main dans un geste implorant. Le ravisseur, la chevelure et la courte barbe bouclées, bien campé sur ses jambes, regarde avec attention sa captive, comme pour s’assurer d’avoir fait le bon choix. La Sabine, aux cheveux bouclés, ceints d’un étroit bandeau, crie son désespoir en tendant vers le ciel sa main ouverte. Elle est étroitement maintenue par les bras de son ravisseur qui la tient fermement par le dos et le bas du corps.

Giambologna était un admirateur de l’œuvre de Michel Ange et de la sculpture hellénistique. Une scène d’enlèvement offre l’opportunité aux sculpteurs de rivaliser avec la statuaire antique et même de la surpasser. Mais représenter dans un seul bloc de marbre et en grandes dimensions des personnages saisis en plein déséquilibre constitue un véritable défi technique et esthétique. Le sculpteur risque de voir sa statue se briser. La réalisation d’une telle œuvre relève de savants calculs sur la répartition des masses et leur équilibre. Le premier artiste à relever ce défi, en 1583, est donc Giambologna, le sculpteur officiel des Médicis, avec L’Enlèvement des Sabines pour la Loggia dei Lanzi à Florence. Un jeune homme y enlève une femme à un autre plus âgé. En forme de spirale, la composition offre de multiples angles de vue sans en privilégier aucun. Sa virtuosité formelle et technique a valu à ce groupe un immense succès.

« Au signal donné, la jeunesse romaine s’élance de toutes parts pour enlever les jeunes filles. » Raconté par l’historien Tite-Live, l’enlèvement des Sabines par les premiers Romains est un récit fondateur de l’histoire de Rome. Afin de former des familles, la première génération de Romains doit se procurer des épouses. Ici, la femme est une prise de guerre. Le fait de la considérer comme un objet, un bien à convoiter, vient d’un choc. Celui de la prise de conscience de la responsabilité des hommes dans la reproduction, racine de la fierté virile. Vers 330 av. J.-C, le philosophe grec Aristote l’explique dans De la Génération des animaux: les hommes possèdent le « pneuma », la puissance créatrice, dans leur sperme. Ce qui laisse au corps féminin le rôle de « contenant ». Cette vision de la femme-objet ne s’est pas éteinte avec l’Antiquité.

Au contraire, les thèmes antiques reviennent en force dans l’art après la Renaissance. Au XVIIe, sous le marbre sculpté par Le Bernin, les femmes sont des proies, comme dans L’Enlèvement de Proserpine. Elles le sont aussi sous le pinceau de Jean-Léon Gérôme, peintre du XIXe, avec sa Phryné devant l’Aréopage: le procès d’une prostituée mise à nue devant une assemblée d’hommes. Au cours du XXe siècle, malgré les mouvements pour l’égalité, cette violence symbolique perdure. Et elle se traduit en actes. Le 21 août 1974, dans les calanques de Marseille, deux femmes belges sont violées par trois hommes. Médiatisé, le procès de cette affaire révèle que la société, toutes sensibilités confondues, semble tolérer ces agissements et met en cause les victimes. « Le fait de porter des jeans moulants, de se parfumer, de se maquiller est-il sans effet? » s’interroge un commentateur classé à gauche, cité dans Et le viol devint un crime de Jean-Yves Le Naour et Catherine Valenti (éd. Vendémiaire). Le procès permet de faire évoluer les mentalités. Mais ce n’est qu’à partir de 1980 que le viol est défini dans le Code pénal comme un crime.

(Extrait de l'article de Anne-Laure Pineau, paru le 8 mars 2018, dans Ça m’intéresse)

Dans ces représentations du désir de l'homme, celui de la femme n'existe pas. Françoise Héritier, nous disait qu'il n'est pas moindre : Il est occulté et redouté.

"On observe toujours une image "duplice" des femmes : elles sont à la fois la vierge folle et la vierge sage. Ce sont des stéréotypes, des instruments de contrôle. Mais il existe aussi un stéréotype masculin dont les répercussions sont désastreuses : celle du mâle à la libido exacerbée, naturellement irrépressible, qui a besoin de corps disponibles pour s'épancher. Tous les hommes ne sont pas ainsi. Dans un autre discours, l'homme est un être de raison capable de se dominer et de résister à l'appel des sens. Il reste que ce discours dominant justifie le port du voile, du hidjab, la clôture des femmes, voire le viol : seule la femme est responsable du désir qu'elle suscite."

Pour exprimer le rapport orienté et hiérarchique entre les sexes, Françoise Héritier parle de la "valence différentielle des sexes". Ce rapport, profondément inscrit dans la structure sociale, a été construit sur la première différence observable, celle du corps des hommes et des femmes. Il s'ensuit que toute pensée de la différence est aussi une classification par doublets, comme on peut le voir dans les catégories cognitives : haut/bas, chaud/froid, sain/malsain, etc. C'est ainsi qu'hommes et femmes partagent des catégories "orientées" pour penser le monde. Or les valeurs masculines sont valorisées et les féminines dévalorisées. Ainsi en Europe, la passivité, assimilée à de la faiblesse, serait féminine tandis que l'activité, associée à la maîtrise du monde, serait masculine. Selon Françoise Héritier, ce rapport émanerait de la volonté de contrôle de la reproduction de la part des hommes, qui ne peuvent pas faire eux-mêmes leurs fils. Les hommes se sont appropriés et ont réparti les femmes entre eux en disposant de leur corps et en les astreignant à la fonction reproductrice.

Je me souvenais, et je glanais, ce que Françoise Héritier, notre anthropologue, ethnologue et féministe française racontait :

"Je ne nie pas le pouvoir des hormones, le fait que les femmes ont la voix douce et une pilosité réduite par exemple. Mais si elles n'avaient pas été culturellement contraintes, la différence de force si souvent évoquée n'aurait pas une telle importance. Le travail de Priscille Touraille, dont la thèse vient d'être publiée aux éditions de la Maison des sciences de l'homme, montre que la différence morphologique de poids et de taille entre homme et femme n'est pas une question de nature mais d'accès à la nourriture. Depuis la préhistoire, les hommes prennent pour eux les protéines, la viande, les graisses, tout ce qui est nécessaire pour fabriquer les os ; tandis que les femmes ont eu accès aux féculents, à ce qui est calorique, qui donne des rondeurs. C'est cette alimentation différentielle qui, au fil des millénaires, a " anormalement " et progressivement produit une sélection dangereuse pour les femmes au moment de l'accouchement. Aujourd'hui, dans les pays occidentaux, où les enfants des deux sexes ont accès à la même nourriture, la différence a tendance à se gommer. Mais il faudra encore des générations avant que les femmes atteignent leur réelle stature."

"Dans la majorité des sociétés, on a pensé que les hommes mettaient l'enfant dans la femme, par le sperme. Les hommes sont à l'origine des enfants et de la société. On trouve cette idée partout : chez Aristote et dans la culture grecque, par exemple, dans la tribu des Samos d'Afrique de l'Ouest, l'actuel Burkina Faso, ou chez les populations indiennes ou asiatiques… Dans certaines cultures, on disait que les ancêtres, petits dieux ou génies, mettaient dans le corps des femmes des graines déjà sexualisées, arrosées ensuite par le sperme de l'homme. Il faut l'intermédiaire masculin, pour que ces graines viennent au monde. On observe des traces de cette manière de penser dans des gravures du XVIe siècle, où l'on voit un corps de femme, habillée d'époque, dans un costume fait de collerettes, avec l'utérus ouvert, et des étagères, où sont rangés des petites filles en vertugadin et des petits garçons en pourpoint… « L'homme met l'enfant dans le corps de la femme » signifiait à leurs yeux que la nature ou les dieux le voulaient. Et cela avec le but de leur faire des fils. L'idée parcourt toute l'histoire de l'humanité : les femmes sont des corps, matrices, matériaux, marmites - métaphore culinaire que l'on retrouve en Afrique ou en Grèce, pour expliquer le rôle de marmite où l'homme fait cuire ce qu'il a de plus précieux, obtenir un descendant. A partir de là s'opère un dangereux glissement de la pensée qui va alors presque de soi : les hommes ont autorité et droit absolu sur le corps des femmes. Les femmes sont vues à la fois comme des cadettes et des enfants. Soumises doublement. On disait, dans beaucoup de sociétés, que les hommes sont aux femmes comme les parents aux enfants, et les aînés aux cadets. Ils sont donc supérieurs et elles sont inférieures. Tout se passe comme cela, avec cette représentation, pour que les hommes puissent avoir un droit sur leur corps."

"Le genre est ce que l'on attend de l'un et l'autre sexe en fonction d'une culture donnée. Cela n'est rien de plus, mais ça marche extrêmement fort. Prenez un exemple qu'on trouve dans les médias, quand on y parle de la place des femmes ou des hommes dans l'entreprise. On annonce qu'il est bien d'embaucher davantage de femmes. Pourquoi ? Parce qu'on apprécie les « qualités féminines » qu'elles apportent au fonctionnement de l'entreprise : l'attention portée au travail des autres, par exemple… La capacité de décider seul ou occuper la place du chef demeure des qualités listées dans l'entreprise comme étant principalement masculine. Si la parité est de principe, le leadership revient toujours à l'homme, perçu comme meilleur pour mener les projets. Or, les qualités réelles, l'homme et la femme les possèdent tous les deux, de manière égale, par le jeu naturel des gènes."

"Je fais le constat historique et anthropologique que le corps des femmes est mis à la disposition des hommes. Et cela, sur l'enchaînement des millénaires, a entraîné un destin. Cette position a perduré. La conséquence culturelle et sociale est terrible : c'est l'impossibilité pour les femmes de décider de ce qu'il advient de leur corps. Tout mon travail sert à mettre au jour comment les femmes sont conçues comme des cadettes. Au mieux des objets à protéger, au pis des objets à exploiter. Non pas des objets comme un vase - encore qu'on dise bien des femmes qu'elles sont parfois « potiches » -, mais je dis bien « objet », en ce sens que les femmes ne sont pas encore, loin de là, les sujets de leur propre vie. Il faudra encore longtemps avant d'y parvenir."

"Dans nos pays à nous, un phénomène reste puissant : l'inégalité d'accès des femmes aux situations de pouvoir. Monter dans l'échelle professionnelle ou politique reste difficile. Il y a là encore beaucoup à faire. Cette injustice et cette inégalité sont parallèles à un système de représentations mentales, système permanent de mépris et de dénigrement. Les stéréotypes sur les femmes sont tenaces : « frivoles », « paresseuses », « fragiles », « menteuses », « coquettes », « imprévisibles », « dénuées du sens de l'orientation, au volant »."

Et puis, je me disais que c'est tout un rapport au pouvoir qui change, et non pas d'égalité. Cette copie de sculpture me fait penser à tout cela, c'est un poids, mais la copie est très légère. Je ne crois pas qu'un monde qui continue à glorifier le pouvoir et l'échelle professionnelle, l'exploitation des uns, des unes, des ressources, soit un monde meilleur, qu'il soit diriger par des femmes ou des hommes. Et puis, je me suis dit, que le droit à la paresse était formidable. Ne dit-on pas de femmes dévouées qui travaillent trop, au bord du burn out, qu'elles sont "faignasses" ? Histoire d'entretenir tout harcèlement ? C'est une rumeur qui confirme le mode du pouvoir et l'exploitation des uns des unes et des autres, les animaux, les organismes... Surtout si ces rumeurs sont relayées par des femmes, c'est que le pouvoir est bien en place, il est confirmé. Il y a celles et ceux qui seraient observateurs-trices et dicteraient leurs lois, celles de la performance, de la prédation, et décideraient que les autres seraient corvéables à merci et toujours traités de faignants, de ratés, celles et ceux qui n'ont pas réussi... Réussi à quoi déjà ?

La paresse de penser est au pouvoir, et chacun, chacune à le pouvoir de changer.
Et là, ont grandi des sujets, près de cette sculpture en copie. Elles ont quitté la destinée des objets et ne seront jamais des marmites.

Art Par kiwaïda at 17:25

16/08/2018

ÅṲ✞ѺℳÅ✝∃

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Après l'île aux chiens...

Photographies © Sonia Marques


Art Par kiwaïda at 17:30

15/08/2018

ḎѺℝÐ☮ḠИℰ

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Ci-dessus, sculpture en bronze de Gérard Auliac (2002) / Le badaud de Sarlat

Toutes les photographies © Sonia Marques

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La Dordogne à Carennac : peinture de Félix Vallotton (1925)

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Paysage de Rocamadour : peinture de Félix Vallotton (1925)



Paysage Par kiwaïda at 20:32

ℳ∀Ḳi

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Les makis nos amis...

Le Maki catta (Lemur catta, aussi appelé Maki mococo, maki à queue annelée ou encore lémur à queue annelée) est un lémuriforme appartenant à la famille des lémuriens, il est le seul représentant du genre Lemur. Ils vivent dans le sud de l'île de Madagascar, dans la savane arbustive. Les lémuriens (ordre des Lemuriformes), leur nom dérive des lémures (des fantômes ou esprits de la mythologie romaine) en raison de leurs vocalisations rappelant les bruits attribués aux fantômes, de leurs grands yeux réfléchissant la lumière et des habitudes nocturnes de certaines espèces. Bien que les lémuriens soient souvent confondus avec les premiers primates, ils ne sont pas les ancêtres des primates anthropoïdes (singes, grands singes et humains) avec lesquels ils partagent des caractères morphologiques et comportementaux trouvés chez les primates primitifs.

Ce sont des adorateurs du soleil.

Le Vari noir-et-blanc & le lémur à ventre roux

Leurs mains sont proches de celles de l'homme. Tout comme les pieds, elles comportent cinq doigts très minces, dont l'un est opposable aux autres, élargis à leur extrémité et munis d'ongles, sauf le deuxième, qui possède une griffe leur permettant de gratter leur fourrure ou celle de leurs congénères. Leur nom vient des Lémures, car ils sont si farouches et peu visibles qu'ils ont fait penser à des fantômes. Les lémures sont des spectres malfaisants issus des croyances de l'antiquité romaine.

Antiquité romaine

La mythologie romaine assimile les lémures aux âmes damnées d’hommes et de femmes ne pouvant trouver le repos car ils ont connu une mort tragique ou particulièrement violente. Ils viennent souvent hanter les demeures des vivants. Pour les mettre en fuite (car leur révocation n’est pas possible), le peuple romain célébrait la fête dite de Lémuria les 9, 11 et 13 mai. Des fèves noires étaient ainsi jetées par-dessus l’épaule gauche de chaque père de famille dans chaque foyer. Les croyances rapportent que les fèves représentent la nourriture des morts. Cette pratique vise à apaiser d'éventuelles apparitions pour épargner les vivants.
Ensuite afin de précipiter leur déroute on frappait de grands vases d’airain toute la nuit durant.
Pendant la célébration, les mariages étaient interdits et tous les temples étaient condamnés.

Paracelse (médecin-chirurgien suisse innovateur en thérapeutique, un philosophe de la nature, théoricien des forces surnaturelles et un rebelle s'en prenant parfois avec virulence aux institutions et aux traditions (1493-1541)

Paracelse compte sept races de créatures sans âme : les génies à forme humaine mais sans âme ni esprit (inanimata) des Éléments, les géants et les nains, les nains sur la terre. Il croit aux génies des quatre Éléments. La Terre, par génération spontanée, produit des nains qui gardent les trésors sous la montagne ; l'Eau produit les ondines ; le Feu, les salamandres ; l'Air, les elfes. Ensuite viennent les géants et les nains issus de l'air, mais qui vivent sur la terre. L'ouvrage de Paracelse a pour titre Le livre des nymphes, des sylphes, des pygmées, des salamandres et de tous les autres esprits

"Le mot inanimatum désigne six familles d'hommes sans âme... Ces hommes sans âme sont d'abord ceux des quatre familles qui habitent les quatre Éléments : les nymphes, nymphae, filles de l'eau ; les fils de la terre, lémures, qui habitent sous les montagnes ; les esprits de l'air, gnomi ; les génies du feu, vulcani. Les deux autres familles sont composées d'hommes qui sont également nés sans âme; mais qui, comme nous, respirent en dehors des Éléments. ce sont d'une part les géants et d'autre part les nains qui vivent dans l'ombre des forêts, umbragines... Il existe des êtres qui demeurent naturellement au sein d'un même Élément. Ainsi le phénix, qui se tient dans le feu comme la taupe dans ta terre. Ne soyez pas incrédules, je le prouverai ! Quant aux géants et aux nains de la forêt, ils ont notre monde pour séjour. Tous ces êtres sans âme sont produits à partir de semences qui proviennent du ciel et des Éléments, mais sans le limon de la terre... Ils viennent au monde comme les insectes formés dans la fange [par génération spontanée]."

(Paracelse, La grande astronomie. Astronomia magna (1537), trad., Dervy, 2000, p. 159-160).

Le saïmiri à tête noire

Appelé également singe écureuil, le saïmiri à tête noire est un petit primate au pelage jaune beige, au front noir et au oreilles blanches. On le trouve au Brésil, en Bolivie, au Pérou, au Vénézuéla, en Colombie et au Costa Rica. Il vit dans les Forêts tropicales.

Toutes les photographies © Sonia Marques & JD


Animal Par kiwaïda at 09:16

14/08/2018

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GAGA / les petites sculptures de l'été © Sonia Marques

Gagatisme > État de celui qui est gaga.
Popelin me donnait des renseignements sur l'état de douce imbécillité, de gai gagatisme, dans lequel serait tombé Burty, ne trouvant plus ses mots, appelant Louis XV, « quinze, quinze », et s'amusant de son aphasie, de son déménagement de cervelle (Goncourt, Journal,1887, p. 724).
Ga-ga > Onomatopée faite à l'imitation du bredouillement des personnes retombées en enfance; le rapprochement avec gâteux n'est que secondaire.

Au pied d'un château j'ai rencontré une sculpteure. Elle m'a ouvert son atelier. Quelques années à apprendre à modeler la terre, dans tous ses états, avec différents médiums, qu'elle allait chercher dans différentes villes. Autodidacte depuis 5 ans, des iguanes, des bisons, un paresseux, tout était merveilleux. Secrètes sont ses réalisations singulières, je me suis dit qu'aucune école d'art ne formait en 5 années les étudiants aussi bien. Cette femme a fait un parcours seule, loin des écoles et des ateliers de sculptures, par ailleurs trop fermés. Mais avec une expérience de vie. Je venais de réaliser de modestes sculptures, très différentes, en argile blanche, elles ressemblent à un biscuit de porcelaine, une expression du gagatisme, de la gaga au gogo, des expressions de ce que je ressens, en regardant mes lapins. C'est que l'on a quitté depuis trop longtemps, la figure, dans ces écoles financées par l'État. Depuis longtemps, on a répudié toute étude de la figuration, de l'expression, humaine, animale, végétale. Et le petit, tout ce qui était petit. On a mis de côté, on a marginalisé. Certes, ce ne fut pas aussi radical, ainsi, on a oublié peu à peu, l'expression de la figure, les attachements, les choses délicates et tout ce qui serait bon. Le cynisme a emporté tout regard encore allumé par l'attachement aux jolies choses, reléguant aux niaiseries toute sensibilité intacte, toutes les premières fois possibles et imaginables. Pour pouvoir étudier, j'ai gardé secret ce regard, et toutes mes réalisations, comme beaucoup, ne sommes nous pas en attente d'un bonheur du faire, sans autorité pour nous sermonner ce que serait l'art contemporain ? Cette liberté là, d'enseigner, sans juger, je suis parvenue à l'engager et à la réaliser, malgré nombre d'obstacle. Je pense avoir résisté longtemps, pour aider les autres. À présent, je pense que la figure peut s'affirmer, sans mépris.

"Quand il était devenu complètement gaga de son état, il s'en était parfaitement rendu compte et en avait profité pour dire aux gens toutes les choses désagréables qu'il n'avait pu leur dire pendant toute sa vie"

Goncourt, Journal,1895, p. 811.
Cette rencontre et l'échange avec la sculpteure a mieux développé mes questionnements sur les formations artistiques aujourd'hui, sur la valorisation de tel ou tel artiste institutionnel, leur soutien excessif et répétitif, et la marginalisation d'artistes par millier, dans toutes les terres de ce pays, leurs secrets de fabrication, heureusement bien gardés, et la liberté de créer, d'apprendre. Ainsi étaient conservés les châteaux et patrimoines, pour que les visites soient payantes et que les touristes comprennent en toutes les langues une légende, un fauteuil poussiéreux, afin de les restaurer et faire la publicité d'un village à l'abandon, où l'art et la culture ont déserté les terres, jusqu'à ignorer les artistes qui modèlent encore des formes. Quelque chose me fait penser que l'on peut se passer de formations dans des écoles, aujourd'hui, quand la vie vous apprend, quand l'envie vous prend, quand il n'y a pas d'autres moyens pour survivre, pour guérir, pour aimer vivre et créer. Quand on peut voir ce qui se trame dans les rigoles et les petits chemins de traverse. J'écris cela, pourtant j'ai recherché à étudier dans des écoles, à y enseigner ensuite, jusqu'à comprendre que des dégâts pouvaient être plus grand sur d'autres, lorsque l'on empêche des personnes d'étudier, d'apprendre, ou qu'on leur supprime le sel de la vie, par jalousie. Il y a donc, dans des lieux sauvegardés, des trésors, qui ne savent rien des écoles et ont progressé en faisant des recherches. Rechercher par soi-même une couleur, un pigment, un médium, sans jamais cloisonner, un peu de sable, un peu de photographie, un peu de flou et de sagacité, des arts artisanaux de logiciels, d'apprentissages, finalement, n'est-ce pas ainsi que je défile les choses ? La culture, c'est dans ces familles où l'on comprend une sœur artiste, un frère artiste, une mère qui se découvre sculpteur à 50 ans, et quand tous vont se trouver solidaires autours de l'art, pour que tout progresse, pour que toute rencontre infra-familiale devienne le lieu d'une expression plastique, inaugurale d'un champs nouveau, singulier... La main à la pâte.
Et aujourd'hui, il est bien plus accessible d'apprendre, il y a des tuteurs, des livres, Internet, des vidéos pédagogiques. Quand aimer est bien plus fort, quand l'émotion peut se canaliser à travers un objet et se frayer un chemin, parfois, de frayeur, comme se faire peur, comme découvrir par mégarde que ce que l'on imagine est très différent de ce que l'on créé. Mais, comme me disait cette sculpteure, si exposer n'est pas une priorité, le retour est important, et cette rencontre, fut, pour elle, tout aussi importante que pour moi.
De la bonté.




Art Par kiwaïda at 19:00

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Le grand Limousin, le grand soleil, le grand jardin, le grand château, le petit festival de musique, les petites chaussures, les petites pommes, les grands espaces, les petites choses...


Paysage Par kiwaïda at 18:25

09/08/2018

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 L'Île aux chiens (Isle of Dogs) est un film américain écrit et réalisé par Wes Anderson, sorti cette année.Technique : animation en volume (stop-motion). Wes Anderson remporte l'Ours d'argent du meilleur réalisateur, mais, le Chien d'or aurait été plus judicieux ;.)

Synopsis :

Dans un futur dystopique, dans la ville japonaise de Megasaki, un virus de la grippe se propage dans toute la population canine. Le maire autoritaire, Kobayashi, signe un décret bannissant tous les chiens à Trash Island ("l'île des déchets" où sont stockés les détritus de la ville), bien que le scientifique Watanabe fasse savoir qu'il est sur le point de trouver un remède. Le premier chien à être banni est Spots, qui appartenait à Atari Kobayashi, le neveu orphelin et pupille du maire. Six mois plus tard, Atari s'enfuit de chez lui, vole un avion et s'envole vers Trash Island pour retrouver Spots. Après un crash, l'enfant est sauvé par les chiens Rex, King, Duke, Boss et Chief. Ces derniers décident d'aider Atari à retrouver Spots, bien que Chief, un ancien chien errant, se refuse à fraterniser avec les humains. Croyant initialement que Spots est mort après qu'Atari a trouvé la cage de Spots verrouillée et des ossements à l intérieur, les chiens apprennent que Spots est vivant ailleurs sur l'île. Après une escarmouche avec une équipe envoyée par Kobayashi pour récupérer Atari, et sur l'insistance d'une chienne nommée Nutmeg, Chief change d'avis et décide d'accompagner Atari et les autres chiens dans leur quête. Ils cherchent conseil auprès des chiens sages Jupiter et Oracle, qui les informent qu'une tribu cannibale de chiens se trouve sur une partie isolée de l'île. Pendant ce temps, le professeur Watanabe découvre un remède, mais est empoisonné par Kobayashi afin que les chiens restent sur l'île. Tracy Walker, une étudiante étrangère, soupçonne une conspiration et commence à enquêter. Elle exhorte à l'action l'assistante scientifique de Watanabe, Yoko Ono, qui confirme ses soupçons et lui donne la dernière dose restante du remède. Au cours du voyage à travers l'île, Atari et Chief sont séparés des autres. En lavant Chief, Atari remarque qu'il est de la race de Spots et en déduit qu'il pourrait être son frère. Chief révèle qu'il a été autrefois un animal domestique, forcé de fuir après avoir mordu la main de son maître, probablement par crainte. Ils rejoignent le groupe des autres chiens, arrivent à localiser la tribu isolée, mais se retrouvent une fois de plus dans une embuscade tendue par les hommes de Kobayashi. Spots arrive avec une petite armée de chiens, qui aident à repousser les assaillants. Grâce à des flashbacks, il révèle qu'il a été sauvé à son arrivée par cette tribu et est devenu plus tard leur chef. Spots confirme également que Chief est son frère, et demande à Atari de transférer ses fonctions de protection à ce dernier : les deux sont d'accord. Un hibou arrive, révélant que Kobayashi prévoit d'exterminer tous les chiens sur Trash Island lors de sa réélection imminente. Atari et la tribu des chiens décident de retourner à Megasaki City pour tenter d'empêcher cela. Lors de la réunion électorale, le maire se prépare à donner l'ordre, mais Tracy présente la preuve de sa corruption et de l'existence du remède. Atari et les chiens arrivent aussi et prouvent que le remède est efficace. Kobayashi réalise que ses actions étaient cruelles, mais son bras droit, le major Domo, insiste pour l'extermination des chiens. Une bagarre s'ensuit au cours de laquelle le bouton d'activation de l'opération extermination est enfoncé, mais le poison destiné à euthanasier les chiens est envoyé aux assaillants grâce à un piratage informatique réalisé par un ami de Tracy. Pendant la bagarre, Atari et Spots sont gravement blessés. Le seul rein restant d'Atari est abîmé, mais Kobayashi, admettant ses erreurs, donne le sien pour sauver le garçon. Selon la loi électorale, la fonction de maire de la ville échoit à Atari, qui décrète aussitôt que les chiens sont autorisés à réintégrer la société. Spots se remet de ses blessures et élève ses chiots sous le manoir Kobayashi, Tracy et Atari forment un couple, tandis que Chief se rapproche de Nutmeg et assume le rôle de garde du corps d'Atari.


Le téléphérique que prennent les chiens et autres déchets pour aller et venir sur l'île

Une fable fantastique sur l'exclusion. Je découvre ce film d'animation, sorti en salle, en avril dernier. Ce film a mobilisé durant près de deux ans, dans un studio londonien, plusieurs centaines de savoir-faire : 700 personnes, dont plus de 70 aux commandes du département des marionnettes et 38 au sein du département d’animation. 1 000 marionnettes ont été confectionnées de manière artisanale – 500 chiens et 500 humains –, et les poupées de chaque personnage principal ont été déclinées en cinq échelles différentes, d’un modèle d’une quinzaine de centimètres à des figurines miniatures, destinées aux plans très larges. Il faut 4 mois de travail pour fabriquer chaque marionnette d’un personnage clé. Et pour donner vie à toutes ces poupées, dans des décors fabuleux, une tâche de titan a été confiée à Kim Keukeleire, cheffe animatrice sur "L’Île aux chiens" ! Plusieurs défis techniques l'attendaient, Kim Keukeleire fut formée à La Cambre, en Belgique, même si elle n'était pas assidue, puis a déménagé à Londres, et dans d'autres pays, tâter du terrain et apprendre son métier.


Kim Keukeleire en train d'animer l'un des chiens (voir son interview)

Ce que je relève de ce film, c'est la précision, les détails, la maniaquerie, les émotions de ces marionnettes, leurs larmes...  mais surtout, l'histoire. Force est de constater que cette thématique de l'exclusion, des déchets et de la saleté, depuis l'affreuse expérience qu'il m'est arrivé dans mon lieu professionnel, une école d'art, se trouve être la même réflexion, pour plusieurs créateurs, créatrices. Ici, le dictateur (Le maire autoritaire, Kobayashi), n'est pas une directrice, mais, il fait aussi signer des décrets pour bannir les chiens et les éloigner de leurs lieux de vie, en transformant une île comme isolement total des déchets, de l'immondice, une vraie expression xénophobe. Dans le film, ce maire change de point de vue à la fin, ce qui ajoute du sel à l'espoir, dans de telles situations à venir. J'en ai même fait des rêves-cauchemars, à la suite d'avoir vu ce film, et mon retour, dans l'école qui m'a rejetée, dans une île à déchet social : celle des artistes !
Ce que nous apprend le film : la mise en place d'une résistance, le développement de la propagande institutionnelle, et peut-être même, l'invention du virus, afin de faire peur à la population et exterminer les races qui dérangent, telle une épuration ethnique. Cette épidémie de grippe canine, cette menace de la pandémie (telle la peste noire ou le Sida) est un moteur législatif tenu en laisse par l'édile tyrannique, afin que la population puisse l'élire de nouveau, prolonger son mandat. La petite bande de résistants, née dans les écoles et seule soutien du scientifique-chercheur qui a trouvé le remède, l'anti-virus (il sera tué), cartographie le pouvoir, les héros (le petit pilote et la bande de chiens solidaires) recherchent la vérité en-deça des discours officiels et démiurgiques. Les détails sont de véritables éclosions techniques miniatures de fleurs, comme ce parachute argenté, qui s'ouvre et se referme et disparaît. Automates, marionnettes, poupées, tout ce qui est à la portée de la main, de l'enfant. Imaginons que de grands enfants fabriquent des décors pour animer leurs poupées et partager leurs créations, leurs histoires, à travers un grand écran, des heures, des années de manipulations, d'espoirs et de rêves, d'erreurs, d'accidents, de découragements, de rencontres, de pressions, d'humilités, toute une esthétique de la manipulation. Ce film se passe au Japon, et il est dit que dans cette île-pays, l’opposition entre le naturel et l’artificiel est amoindrie par une sorte de continuité entre l’homme et ses créations. Le théâtre du vivant se substitue à la précision des manipulations techniques des marionnettistes et des fabricants d’automates. Robotique, théâtres de marionnettes, pantomime de poupée, pantins d'autorités, bunraku, ningyo karakuri, kabuki, noh, kyogen, autant d'histoires ancestrales, au Japon, et avec l’apogée d’une société de plus en plus technique, tout repose sur l'idée de contrôle.

Bunraku : Femme montrant une marionnette

rebut  

      nm 
  • 1    ce qui est considéré comme sans valeur 
  • 2    lettre sans destinataire stockée au service des rebuts de la Poste 

mettre au rebut 
se débarrasser 
rebut de l'humanité
ce qu'il y a de plus vil 

rebut , s 
rognure, déchet, détritus, ordure, lie, scorie, dépôt, résidu, battiture, ramas, débris 
[antonyme]   élite     (au figuré)   racaille, tourbe    (vieilli)   populace 
[antonyme]   gratin 

au rebut 
      adv   à jeter 
jeter au rebut 
      v   jeter à la poubelle, se débarrasser de quelque chose, jeter au rencart 
matières de rebut 
      nfpl   déchets 
mettre au rebut 
      v   ranger, exclure, mettre au pilon 

rebuter :
rebuter, rebut de l'humanité, mettre au rebut, se rebuter
rebuter n.
décourager, dégoûter, détourner, ennuyer


Et dans une poésie du détritus, ici, vraiment, remarquable ;.) Là, oui, on peut écrire : une saleté remarquable ! C'est ce que la directrice, si propre et point rebutante, de l'école d'art de Limoges, m'a écrit plusieurs fois, définissant à la lettre, mes qualités pédagogiques, dans ses missives, dénuées d'analyses, mais point de cruauté, histoire d'inverser la réalité par abus de pouvoir, mais aussi bêtise maîtresse... et crasse (effet boomerang très lisible). Dans le film, la saleté révèle le sens poétique de la beauté, celle que la cruauté rejette, et souhaite exterminer. Les chiens pouilleux et ingénieux, fatigués et malades, contaminés, sont magnifiés dans la représentation de leurs poils où circulent et frémissent des tiques, des mouches et tant d'autres insectes. La poussière, dans cette île, les ordures et la vermine deviennent des textures brillantes, scintillantes, gigotantes, les souris, les rats, les animations de toutes vies après la mort, dans cette morbide insularité un combat valeureux surgit des tréfonds de solitudes.
C'est le merveilleux.
"Abandonnés comme des chiens", peut-on entendre des âmes tristes et errantes humaines. L'identification et l'interaction entre animal et être humain est formidable. On aimerait voir d'autres films avec d'autres espèces, s'animer de telles inventions artistiques. Ici, l'attention à l'animal domestique et la fonction de la domestication, celle du soin apporté et des échanges entre l'animal et son maître, sa maîtresse, la fidélité, la loyauté à toute épreuve, orientent les imbéciles qui osent encore abandonner leurs animaux, ou les maltraiter, vers une prise de conscience, comme celle du maire, qui comprendra cet enfant, parti à la recherche de son chien. Notre société et ses amoncellements de déchets, ces monstres de nos consommations excessives et destructrices de notre environnement, trouvent, dans ce film, une représentation d'un avenir peu ragoûtant, mais si semblable aux esprits qui rejettent la saleté en eux, loin, ailleurs, et si proche. La résistance, face au lavage de cerveaux, représentée par des hordes de gens assis dans des séminaires retransmis par écrans vers des lieux privés (restaurant, famille, etc.), des gens muets, soumis, qui se taisent, et obéissent, votent, elle, cette résistance, est tenue par l'obligation de rechercher la vérité, par comparaison, confrontation des sources, analyses, rechercher le bien à travers ce qui est montré de mauvais, puant, malade, contagieux, néfaste, et mal. Cette déconstruction, de ce qui est admis comme pensée unique, n'est pas l'axe principal du film. Le décor sublime de la décharge gargantuesque, ou des mécanismes de gazages, ou d'incinérations (qui ne fonctionnent pas bien, heureusement pour la bande des chiens solidaires) est une ruine pestiférée grandiose, presque romantique, car la romance entre chien et chienne se frotte un peu, par hasard et dépression, ou pessimisme, et la rencontre s'effectue par renoncement à l'amour et la procréation plus que par un coup de foudre gâté par une vie matérialiste, dans un carrosse doré et une filiation bien déterminée. La filiation, est souvent, dans ce film, un questionnement, "d'où je viens", "qui sommes-nous". Les races sont mélangées, les repères sont perdus et les pères et mères aussi. Les chiens sont contaminés et n'ont plus d'espoir de faire de famille, ou même de s'accoupler. L'errance, la violence, la fièvre et les jours sont comptés, comme autant de zombis parmi des carcasses qui jonchent les sols. La cage est ici représentée comme un objet qui permet d'abandonner l'animal, mais aussi de le laisser sans possibilité d'en sortir, voir de mourir dedans. Il y a dans ce film, une réflexion sur le deuil de l'animal et son impossibilité de retrouver ceux que l'on a perdu, comme autant de noms, de médailles, perdues, d'enterrements et cimetières non rendus possible, et sur la recherche du caractère unique de l'être aimé. Une truffe rose ou noire, un humour, un numéro de cirque... Une voix susurrée dans l'oreille... inoubliable.

Une fable sur les attachements, les détachements, les liens qui nous unissent et désunissent, sur l'abandon, et l'espoir de guérir des pestes des diktats.


C'est Katsuhiro Ōtomo, le célèbre dessinateur de manga, scénariste et réalisateur de films d'animation, et créateur d'Akira, qui a réalisé ce poster pour le film L'île aux chiens de Wes Anderson





Et une chanson, rien à voir avec ce film... ou presque, de Miel de montagne :
"Slow pour mon chien"

 

Film Par kiwaïda at 11:19

05/08/2018

ÐÅЇ♏ϟ

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J'aperçois en haut d'une colline, par hasard, près d'une rive, de petites chèvres blanches qui me regardent. Mais en me rapprochant, j'hésite, qu'ai-je vu ?
Des biches, des chevreuils ? Des daims ? Des bambis ? Je ne me souviens pas avoir vu le film Bambi des studio Disney qui date des années 40. Bambi n'existe pas, c'est un faon de fiction créé par le romancier Felix Salten (Bambi, l'histoire d'une vie dans les bois, paru en 1923). Puis je vois un tout petit suivre sa mère blanche, et puis ils bondissent et s'en vont. Ai-je rêvé ? À la recherche de ces animaux, ce sont des daims regroupés, et quelques mâles portant de grands bois plats et palmés, que j'aperçois. Mon appareil photo est tout petit, pas le meilleur pour les capter de loin, mais assez suffisant pour me souvenir de cette scène subliminale. Ce sont des daims de la famille des cervidés, ainsi ai-pu les confondre avec des chèvres blanches, mais qu'ai-je vu ? Ils m'ont entrainée plus loin. Entre le chevreuil et le cerf. Leurs pelages sont tachetés de blanc, leurs queues ressemblent à des pinceaux. Je vois des daines, grâce à leurs arrière-train. Si légère et petite, la mère et son petit, j'ai pu les confondre avec des chevreuils. Et son jeune daim était un « faon ».

Ils m'ont vue et me regardent.

Lorsque j'ai appris la danse classique, à l'âge de 6 ans, (ou 5 ?), la professeure était très sévère, et il y avait, parmi toutes les petites danseuses en "tutu" rose, un seul garçon. Il était habillé tout en noir. Cette professeure n'avait d'yeux que pour lui. Elle lui demandait de faire le cheval en cercle, sur le vieux parquet, et nous, les petites grassouillettes aux collants blancs, nous devions le regarder tourner autours de nous. Plus tard, je me suis souvenue de cette scène, car ce petit garçon tout de noir vêtu, ressemblait à un faon, et cette professeure le nommait "fanfan la tulipe". Pourquoi n'était-il pas vêtu d'un "tutu" ? Où avait-il trouvé ces vêtements très près du corps, noirs, et ses chaussons noirs ? Je l'ai interrogé, mais lui, aurait souhaité avoir un "tutu" rose, mais ce n'est pas possible. Je ne comprenais pas pourquoi ? Je ne connaissais pas, à ce moment, la référence au film français. Mais je retenais "fan", comme "faon". Alors que "Fanfan", est un terme dont les mères et les nourrices se servaient en parlant aux enfants, dans les années 30 (Aphérèse d’enfant avec redoublement hypocoristique de la syllabe obtenue) Je trouvais cela "neuneu" déjà enfant, et je n'enviais pas le sort de ce jeune garçon élu, forcé à faire le cheval sous le martinet, cette caresse de cuir, ni faire le trot. Fanfan, Tutu, Neuneu, c'était trop. J'ai arrêté la danse classique et ce n'est que plus tard, que je me suis lancée dans la danse contemporaine, en gardant la souplesse acquise de cette professeure d'antan. Elle nous écrasait les jambes, afin que toutes petites, nous sachions faire le grand écart. Le grand écart, c'est certain, je sais faire.

Souvent, le long de mon parcours, je rencontrais cette typologie de femme, dans les arts, où il y a peu de garçons étudiants et de jeunes hommes et bien plus de filles, de jeunes femmes. Les rares femmes professeures, plus âgées, car le corps enseignant n'était composé que d'hommes (cela n'a pas changé), élisaient un garçon, plus tard, un jeune homme, parmi toutes les filles étudiantes, et le suivaient, comme s'il était ce fanfan, celui qui devait être exposé, l'élu. On pouvait le voir, le fanfan, faire son jeu de piste et recevoir les éloges de ces femmes acariâtres pour les corps féminins et leurs expressions artistiques et mielleuses pour ces jeunes hommes, les observant comme l'on façonne l'idée d'un homme, de ce qu'il exprimera dans la société. Dans les arts appliqués, et dans la mode, on se demande toujours pourquoi les stylistes sont le plus souvent des hommes élus à dessiner des robes pour les femmes. Comment font-ils leurs études ? Parmi des étudiantes, toutes excellentes, mais aucune d'elles n'est aussi bien élue. Dans les arts plastiques, j'observais également le même rituel. C'est qu'il y a un mépris des idées des femmes, et, dans le même temps une envie posée sur leurs corps gracieux et élégants. Dans une société patriarcale, la nôtre, les arts doivent copier le corps des femmes, ce sont des modèles, mais ce sont les idées des hommes qui les façonnent et perçoivent à leurs manière. Ce sont bien les enseignements qui sont conçus sur ce schémas de la captation (castration ?), et du voir. Les écoles sont vieilles et acariâtres. Elles gagneraient à être toutes réformées, sans ces professeures à cravache qui empêchent toute idée nouvelle d'émerger. Et puis, en y pensant, je reste cet enfant, regardant les élus faire leur numéro de piste, sous la pression d'un martinet invisible, car les daims, se protègent. Et finalement, c'est ainsi que la création se réalise, à l'abri des regards mal placés, sans pression.

Sans le savoir au préalable, c'est un parc à daims qui occupe une parcelle communale d'environ 13 ha, dans un parc clôturé, que l'on peu observer une cinquantaine de daims qui évoluent librement. Un sentier longeant le parc permet à chacun d’admirer et se familiariser avec ces animaux. C'est superbe !

Nous avons entendu et dansé sur l'Eyo’nlé Brass Band  (« Réjouissons-nous » en Yoruba) une musique béninoise bien rythmée. J'ai trouvé cela très proche des batucadas brésiliennes, cuivres, chants, rites initiatiques... et fanfare !

Un petit tour dans ce festival joyeux, à travers la campagne limousine, verte, assurément verte et extrêmement chaude, ces temps-ci. Une rencontre surprise à travers le bijou. Claire-Marie Steimetz est une créatrice de bijoux précieux. C'est sur une de ses bagues, un beau "ring" en argent, un grand cercle, que j'échange sur sa formation. Depuis peu, elle a quitté la région parisienne pour vivre à Felletin, une ville que j'ai pu visiter il y a quelques années afin de faire mes recherches sur la tapisserie. D'ailleurs, un cerf tissé, fut l'une de mes découvertes... Ce département était inconnu pour elle, tout comme moi, j'ai appris qu'elle était issue de la région parisienne, et qu'elle avait suivi une formation à l'école Boulle. Je lui racontais que j'avais étudié à l'école Duppéré, aussi l'une des 4 écoles d'arts appliqués de la capitale, mais il y a déjà une trentaine d'années ! Elle me demandait si j'étais toujours dans la mode. Car l'école Duppérré est réputée pour être spécialisée dans la mode. En quelque sorte, je n'ai jamais quitté la mode, mais je m'en suis largement libérée aussi, depuis une réflexion sur les fanfans. Ainsi, cette rencontre est le fruit de connaissances et de reconnaissances du savoir faire. Elle est passée par un CAP, avant l'école Boulle, en section bijouterie (école supérieure des arts appliqués et un lycée des métiers d'art, de l'architecture intérieure et du design) Elle dessine ses modèles au crayon avant de passer à l'ordinateur. Elle m'expliquait qu'elle procédait par impressions, et pour cette bague que j'ai choisie, elle a imprimé sur l'argent des motifs de dentelles, comme de la gravure. J'ai vu qu'elle pouvait utiliser des plumes, du textile. J'aime beaucoup cette bague, pour plusieurs raisons, je procède toujours par rencontre, comme avec les daims. Cela me rappelait le "Magic ring" sur lequel j'ai travaillé et inventé le nom, pour l'école d'art de Limoges et de Toulouse. Je trouve toujours cela étonnant les parcours et, ici, le courage de femmes. Elles s'installent dans des régions inconnues, y enseignent (comme j'ai pu le faire) parfois dans des milieux hostiles, et avec peu de soutien, totalement autonomes. Il peut leurs arriver de rencontrer des acariâtres, très soutenues, mais cela ne les empêche pas de poursuivre leurs routes, en toute indépendance, et aussi de trouver des partenaires, et ici, une cliente, par constellations. Reconnaître ? Ou renaître ? À chaque rencontre.

Cette bague est très simple, minimale. C'est presque une erreur. La forme devait être pensée pour une boucle d'oreille, un cercle et une tige au milieu, puis, après observation Claire-Marie l'a transformée en une bague, assez large. J'ai trouvé qu'un cercle et un demi-cercle étaient des lignes parfaites pour un anneau et aussi, antique. Il me semble que le dessin est important, trouver la ligne. Celle-ci fut adaptée à mon doigt. Et, ce n'est plus une coïncidence, j'avais porté sur l'autre main, une bague, avec un cercle, un ovale en plaqué argent, sans aucun doute, la bague test, avant de trouver la bonne. J'apprécie la générosité de ce cercle, comme un astre, et la finesse de ses impressions. Légèrement incurvée, pas totalement ronde. c'est ce dessin singulier, qui m'a attiré. Ce dessin argenté. Merci pour cette création !

Le cheval en cercle...

Photographies © Sonia Marques / ci-dessus © JD)


Animal Par kiwaïda at 15:12

04/08/2018

ḉυηї¢ʊł⊥üґ℮ ¢αηḯ¢υℓε ¢αяяεLαℊε

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CANICULA / Petite chienne

Le terme de canicule se rapporte à une vague de chaleur très forte qui se produit en été et qui dure plusieurs jours et nuits. La caractérisation thermique d'une canicule est subjective, car elle dépend de la sensibilité des populations et donc du lieu où elle se produit. En Europe de l'Ouest, il est considéré qu'une canicule correspond à une température de nuit supérieure à 18-20 °C et une température de jour supérieure à 30-35 °C. En France métropolitaine, la période la plus propice aux canicules s'étend du 15 juillet au 15 août. Les services météorologiques préviennent qu'il existe un risque de canicule lorsque pendant au moins trois jours, les températures minimales, en particulier la nuit, sont au-dessus de 20 °C et les températures maximales supérieures à 33 °C. Mais cette définition peut même varier. Le terme canicule est apparu aux alentours de 1500. Il vient de l'italien canicula qui signifie petite chienne. L’étoile Sirius, Canicula, est l’astre le plus brillant de la constellation du Grand Chien qui se levait avant le Soleil (lever héliaque), durant l'antiquité, pendant la période des grandes chaleurs. du ciel après le Soleil. Les Égyptiens qui associaient cette étoile au culte d’Isis lui concédaient des pouvoirs surnaturels, notamment dans la régulation des crues du Nil. Levée et couchée avec le Soleil, du 24 juillet au 24 août, elle double l’activité de ses feux et donc du climat solsticiale. Elle est considérée comme l’étoile de la chaleur. « Canicule » désigne donc tout naturellement les périodes marquées par une forte hausse des températures.

Source : Futura Science

Écaille de tortue

Les robes écaille de tortue (ou tortoiseshell) sont définies par la présence de teintes à la fois de roux et de noir dans le pelage des chats. Lorsque du blanc est également présent, la robe prend le nom de tricolore (ou isabelle, calico ou chatte d'Espagne / tortoiseshell-and-white). Pour des raisons génétiques, elles sont portées presque exclusivement par les femelles.

Carrelage

« carrelage »; forme altérée dosirâcum, du grec ostrakon, «coquille», «écaille», puis « carreau de brique ».
Étymologie de la langue française - 1938

Le terme de carrelage désigne à l'origine l'action de poser des carreaux, puis, par métonymie, le résultat de cette action. Il désigne alors un revêtement de sol ou de murs formé de carreaux de céramique - terre cuite, carreaux de faïence, carreaux de grès (souvent appelés grès-cérame) - ou bien carreaux de marbre ou de ciment ou encore carreaux de vinyle. Ces différents types de carreaux sont juxtaposés puis collés ou scellés. Un carrelage est couramment utilisé pour la finition et la décoration des sols et des murs pour les habitations et autres locaux, aussi bien à l'intérieur qu'en extérieur.

Parmi les plus connus, on peut citer les Azulejos, carreaux bleus d'Espagne, Portugal, Mexique. Les carreaux sont depuis l'origine très utilisés dans la civilisation musulmane, en particulier les lieux de culte, en utilisant essentiellement les formes et les effets géométriques, les représentations humaines ou animales étant interdites par la religion.

Les premiers carreaux apparaissent en France dans les édifices religieux au VIIIe siècle et se développe dans les maisons de notables au XVIIIe siècle, l'application de faïence peinte sur les carreaux datant du XVIe siècle tandis que leur usage se démocratise à partir du XIXe siècle. Concurrencé par les parquets de bois, il se destine alors aux lieux moins nobles (passages, pièces de service) des bâtiments. 

Dans la construction, le carrelage est réalisé par le carreleur. Les carreaux peuvent être en grès émaillé, grès brut, grès cérame, grès cérame pleine masse, grès cérame rectifié, grès cérame poli (lalmatto), émaux, pâte de verre, ciment ou encore terre cuite.

    Tomette
    Opus incertum
    Azulejos
    Carreaux de Delft
    Carreau ciment

Source : wikipédia

Sur le carreau /

Cette expression, qui existe depuis le tout début du XVIIe siècle, est en général précédée de verbes comme 'être', 'rester', 'envoyer' ou 'laisser'. Depuis 1160, le 'carreau' désigne un pavé plat de terre cuite servant à paver un sol. Par extension, le terme sert aussi à désigner toute surface couverte par des carreaux. Et c'est parce qu'une personne blessée ou tuée à l'intérieur d'une habitation gisait sur le carreau que notre expression est née. Actuellement, elle s'utilise aussi dans des situations moins extrêmes, simplement lorsque quelqu'un est en difficulté.


Patio pour canicule et cuniculture

Vernissage des écailles

Le lapin japonais

Le japonais est une race de lapin domestique issue vraisemblablement de la sélection du hollandais tricolore pour lui faire perdre ses marques blanches.

Extraits du livre de 1900  « Les Races de Lapins » d’Eugène Meslay :

 « Nous avons vu figurer lors du concours général de 1887 dans la classe des lapins communs, une variété qui avait vivement excité la curiosité. Ils étaient tricolores et portaient le nom de Japonais. » M. Naudin   Revue Avicole 1894.
Depuis trois ou quatre ans, il paraît dans les expositions du Concours Général Agricole, du Jardin d'Acclimatation et de la Société nationale d'Aviculture, sous le nom de Lapin Japonais, une race de lapins composée d'animaux remarquables...» M. Mégnin, édit. 1891.

 «... Les Japonais, comme couleur et marques, ressemblent assez au tortoiseshell cat; leur aspect est très séduisant et certainement ils ne tarderont pas à prendre rang parmi nos principales races... » Dans un entrefilet (F. and F, 1899)

« Le Japonais a la robe étrange, jaune, noire, orange... Mme de Boislandry, Sic. MM. Naudin, Mégnin. »
En France et en Belgique, nous appelons Japonais le lapin écaille ( tortoiseshell, tricolore) jaune, brun et noir, parfois, jaune, brun, gris, noir et blanc...»

En France, il est souvent appelé « écaille de tortue ». Mais où donc est le blanc dans la carapace de la tortue commune? Les anglais le nomment « tortoiseshell » ; le Chat tortoiseshell est noir, orange, jaune. F. and F. 1897.

Dans tout Japonais, le noir est nécessaire, car c'est cette couleur qui constitue les marques (tête et zébrures). En dehors du noir, les nuances qui se rencontrent le plus fréquemment sont l'orange et le jaune. Mme de Boislandry, MM. Mégnin, de Foucault. L

e gris et le bleu se voient plus rarement ; ces nuances sont d'ailleurs moins estimées. « On aime les couleurs bien marquées et ne tirant pas trop sur le gris cendré ou pâle... M. Brulhart. « Les plus recherchés sont ceux qui présentent les couleurs les plus franches... »

Avic. Zébrures : «... Le dos étant plutôt zébré... Le dos zébré de bandes noires et roussâtres...» M. Naudin. « ... Le noir est constitué par des charbonnures formant deux, trois, ou plus, larges zébrures transversales sur le dos et descendant sur les côtés...») Sic M. Mégnin, Brulhart.


Négus sur volets écaillés

> Photographies © Sonia Marques


Animal Par kiwaïda at 11:16

28/07/2018

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Blue Samouraï (© Sonia Marques)

Toute mouillée, sortant de l'eau chlorée de la piscine bleue, elle se dirige vers les cabines blanches. Elle pousse la porte, il y a un petit insecte sur la tablette pour poser ses affaires, il sautille. Non ! Pas cette cabine, elle repousse la porte et choisi la porte d'à côté. Non ! Elle veut revoir quel est cet insecte, elle repousse la première porte et s'abaisse pour observer cet étrange moustique plus grand que les autres, qui saute de plus en plus haut. Elle le regarde de très près : c'est une libellule, peut-être un bébé libellule, avec une longue queue bleue et de gros yeux bleus globuleux qui scintillent, de fines ailes transparentes. C'est merveilleux. La libellule souhaite s'envoler mais se cogne aux parois de la cabine, si blanches. Elle trouve un petit trou au bout de la tablette mais ne peut s'y faufiler, alors elle saute, elle vole haut mais se cogne contre les parois de nouveau. Quels efforts pour ce petit Samouraï ! Elle décide de l'aider, minutieusement, ses gestes d'humains se transforment en ceux d'un fil de pêche, mais sans le harpon. Elle suit la libellule et l'invite à sauter sur sa main. La libellule se cogne de nouveau contre les parois blanches puis se dépose délicatement sur son doigt. Là, elle ne bouge plus, elle se sent bien. Et bien, les voici toutes deux bien avancées ! L'une devrait se changer, l'autre devrait voler de ses propres ailes ! Elle décide de sortir vite afin de libérer la libellule dehors. Elle sort de sa cabine et voit une énorme cabine ouverte destinée aux handicapés. Elle traverse cette immense cabine, toujours avec sa libellule sur le doigt, et vêtue de son maillot de bain mouillé chloré. Elle ouvre une porte, avec un signe interdit rouge dessus, elle atterrit dans une salle pour les personnes habillées qui mettent leurs chaussures aux pieds et tombe nez à nez avec une dame outrée de la voir en maillot mouillé avec un doigt tendu devant. Personne ne doit sortir de là, normalement. Elle referme vite cette porte et repasse par la grande cabine abandonnée, puis revient dans sa petite cabine blanche. Elle dépose la libellule sur la tablette et lui dit : "Tu vas bien m'écouter, il faut que tu me fasses confiance, j'ai trouvé un passage secret et je vais te libérer, pour cela, tu dois m'attendre, le temps que je me change, car je dois m'habiller de vêtements secs, afin que je puisse t'emmener plus facilement à travers le passage interdit, ainsi, nous sortirons directement dehors et tu verras, la nature sera là."

La libellule patiente sur cette page blanche, cette cabine blanche. Elle se change à toute vitesse comme par magie, et passe du mouillé au sec, en un clin d’œil. Elle met son sac sur le dos, ses nageoires, elle invite de nouveau la libellule bleue à venir sur son doigt, et les voilà parées toutes deux : À l'aventure ! Elles passent la cabine des handicapés, elles ouvrent la porte interdite, et traversent glorieusement l'espace des personnes affairées à remettre leurs chaussures. Occupées à regarder par terre, chacune à récupérer leurs chaussures et sandalettes diverses, les personnes, toutes individualistes, ignorent la magie qui s'opèrent sous leurs yeux. Une libellule chevronnée qui aime la piscine, va regagner sa liberté, sa nature. Bien évidement, toutes deux, elles zappent l'étape des chaussures, elles montent l'escalier, elle avec son bébé libellule sur le doigt tendu, son gouvernail : c'est par là ! Personne ne voit le petit Samouraï bleu, chacun, chacune voit une femme discrète avec un doigt tendu devant, comme si elle montrait une direction. Elle passe le tourniquet électronique, la libellule ne s'affiche même pas à l'écran, le passager est invisible pour les scanneurs. De gros hommes musclés sont devant, elles se faufilent, transparentes et fines. Elles passent toutes les portes et arrivent dehors. Elle dit à la libellule : "Tu vois, ici c'est la nature, attends un peu, je vais te déposer sur un arbuste japonais, près des marais". Fièrement, elles arrivent toutes deux, en redescendant un grand escalier en bois, devant un arbuste japonais, un saule crevette, de couleur crème avec des tâches vertes et des pointes roses. Elle dépose délicatement l'élégante libellule, qui la regarde avec ses yeux bleus immenses, comme si elle venait de réaliser quelques longueurs avec son masque et son tuba dans la piscine et lève sa longue queue et la dépose en signe de reconnaissance et de fratrie sur son doigt. Sa queue forme un arc de cercle. Puis elle vole vers une pétale de l'arbuste japonais, nommé Hakuro Nishiki. "Bonne chance dans ta vie petite libellule bleue !" Son amoureux assiste à la scène finale de la libération, avec un sourire.

Cette libellule est une demoiselle, plus exactement une Agrion jouvencelle (Coenagrion puella) Une espèce d'odonates zygoptères (demoiselles) de la famille des Coenagrionidae et du genre Coenagrion. Elle est commune dans la plupart des pays d’Europe. L'espèce a été décrite en 1758 par le naturaliste suédois Carl von Linné sous le nom initial de Libellula puella. L'Agrion jouvencelle, est aussi appelée : l'Agrion fillette, l'Amélie, la Libellule Amélie, la sophie (en anglais : Azure Damselfly )

LIBELLULE, subst. fém.

De libella « niveau », allusion au vol plané de l'insecte.

Dans le Dictionnaire des symboles, on découvre que"la libellule, admirée pour son élégance et sa légèreté, est en outre un symbole du Japon, qu'on désigne parfois sous le nom d'Île de la libellule (Akitsu-chima). Cette dénomination, qui s'explique par la forme générale de l'île de Hondo, proviendrait de l'exclamation légendaire de Jimmu-tennô, fondateur de la dynastie, alors qu'il contemplait le pays d'une hauteur : on dirait une libellule !..."

Avec la fleur de cerisier (さくら : sakura), la libellule était bien souvent affiliée aux samuraïs. En effet la libellule symbolise pour les japonais la force et le courage, voire la victoire. Il semblerait même qu’elle était pendant longtemps dénommée « kachimushi » : l’insecte de la victoire. L’une des principales raisons du rattachement aux samuraïs tient à ce que la libellule a la particularité de toujours aller de l’avant et de ne jamais faire demi-tour. Elle peut certes faire « marche arrière » mais elle reste toujours de face, tel le samurai faisant continuellement face à ces adversaires sans jamais leur tourner le dos et ce quelque soit la situation.

❤ Dragonfly

Pour les Celtes, la libellule était un symbole de transformation pour arriver au but ultime : la libération de tout son potentiel. La libellule le montrait bien par ses étapes successives de métamorphose, de l'état larvaire sous l'eau jusqu'à la magnifique libellule volante, vive et rapide dans les airs. La libellule enseignait qu'en chaque être vivant se trouvent des ressources cachées capables de se libérer et de s'épanouir. Dans la pratique chamanique celtique, tout pratiquant allait régulièrement contacter l'esprit de la libellule pour travailler dans son quotidien cette libération des ressources cachées. Celles-ci pouvaient se révéler dans n'importe quel domaine, permettant à la personne de déployer ses capacités profondes et devenir maître-artisan, expert dans l'utilisation des plantes, spécialiste de la communication avec les esprits de la nature, astrologue, chaman ou druide spécialisé dans un domaine précis, etc. Il pouvait également s'agir d'une ou plusieurs facultés qui s'exprimaient enfin dans toute leur ampleur : sagesse, empathie, intelligence, patience, calme, amour, compassion, sérénité... Le phénomène de cette libération des ressources cachées pouvait être progressif ou se produire quasiment du jour au lendemain ; dans ce cas il était beaucoup plus spectaculaire. L'esprit de la libellule était le guide par excellence que nos ancêtres consultaient pour découvrir les ressources de leur être profond. Et lorsqu'une telle métamorphose avait lieu, la personne concernée gagnait en ardeur, en passion dans chacun de ses actes, ce qui ne manquait jamais de rejaillir positivement sur son environnement.

Alors il existe un dragon qui vole, et qui parfois nage comme un poisson... dans des piscines conçues pour les êtres humains. Libellule, elle se métamorphose même dans les cabines...


Art Par kiwaïda at 13:25

27/07/2018

℘℮⊥i⊥ℯ Lʊηℯ ḓℯ ṧ@ηℊ

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Photographie d'un téléphone © Sonia Marques / 22H00

Vendredi 27 juillet 2018, éclipse de lune totale, un phénomène qui se produit lorsque la Lune pénètre dans l'ombre de la Terre, observée pendant près de deux heures, entre 22h20 : l'éclipse lunaire est "lune de sang". A minuit, la Lune côtoie un autre astre brillant dans le ciel : la planète Mars, ce que l'on appelle le phénomène d'opposition de mars. La Terre se situe exactement entre le Soleil et la planète rouge, ce qui arrive une fois tous les deux ans environ. Sang ? Ou Lune rousse : Les rayons blancs sont “filtrés” de leurs teintes bleues. Ne reste donc que les couleurs rouges et orangées, qui sont ensuite réfléchies par la poussière lunaire, appelée régolithe, direction la Terre.

La lune s'est absentée, puis elle a réapparu. Disparition / Apparition devant nos yeux : être de nouveau visible !
Se manifester de nouveau tel un sourire qui réapparaît !

Renaître.

Photographie d'un téléphone © Sonia Marques / 22H00

Photographie d'un téléphone © Sonia Marques / 22H00

Photographie de la petite lune de sang © Sonia Marques / 23H00

Paysage Par kiwaïda at 23:36

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